У той час як майстры гістарызму ўзнаўлялі і камбінавалі самыя розныя стылі мінулага, давёўшы гэта да нейкага аўтаматызму, мадэрн уварваўся ў мастацтва, як віхура, як свежы марскі вецер, які вызваляе, ачышчае, натхняе. Ён адкрыў свет новых форм, новых матэрыялаў, новых спалучэнняў.
Мадэрн быў кароткатэрміновым, але неверагодна выдатным і разам з тым вельмі складаным мастацкім з'явай, які ахапіў абсалютна ўсе віды мастацтва, у тым ліку і ювелірная справа. Эпоха мадэрну падарыла свету цэлую плеяду вялікіх майстроў, якія, у сваю чаргу, удыхнулі ў ювелірнае мастацтва новае жыццё і вывелі яго ў авангард "апошняга вялікага стылю". У гэтым артыкуле мы пазнаёмімся з некаторымі галоўнымі героямі эпохі - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever і Lucien Gaillard.
Ювелірны геній René Jules Lalique
Бясспрэчным геніем і лідэрам сярод ювеліраў свайго часу быў выбітны майстар René Lalique, у чыёй творчасці ўвасобілася сама сутнасць французскага мадэрну. Выкарыстанне ім некаштоўных і часта далікатных матэрыялаў, асабліва фармаванага шкла, было рэвалюцыйным для свайго часу.
René Lalique нарадзіўся ў 1860 годзе ў невялікім мястэчку Аі, у 28 кіламетрах на поўдзень ад Рэймса. У 1876 годзе ён пачаў навучацца ў вядучага парыжскага ювеліра Луі Акок, а ў 1878 годзе адправіўся ў Лондан, дзе на працягу наступных двух гадоў вучыўся выключна дызайну. Менавіта такая ўсебаковая адукацыя дазволіла яму ў будучыні самастойна вырабляць усе свае ювелірныя вырабы - ад стварэння эскізаў і да фінальных рысак у гатовых творах. У першыя гады працы Lalique рабіў эскізы для такіх вядомых майстроў, як Cartier, Boucheron, Vever.
Апошні, у сваю чаргу, адыграў важную ролю ў станаўленні ўласнага стылю Lalique. У 1886 годзе Жуль Дэстап перадаў яму сваю ювелірную майстэрню "ў знак прызнання яго ўнікальнага таленту". Цяпер René Lalique, валодаючы ўсім неабходным для працы, звярнуўся да пошукаў натхнення, якое знайшоў у ідэях руху "Мастацтваў і рамёстваў", які заклікаў да адраджэння дэкаратыўна-прыкладнога мастацтва і які прапагандаваў раслінныя і анімалістычныя матывы. Успрыняўшы гэтыя ідэі, Lalique развіваўся сінхронна з імі і стаў першым, хто прыўнёс стыль мадэрн у ювелірнае мастацтва.
Свае першыя ўпрыгожанні ў стылі мадэрн Lalique прадставіў на Сусветнай выставе ў Бруселі 1897 года. Але галоўнай падзеяй яго творчай біяграфіі стала Сусветная выстава ў Парыжы 1900 года. За сваю ювелірную экспазіцыю Lalique атрымаў Гран-пры, а ўрад узнагародзіў яго ордэнам Ганаровага легіёна. Гэта быў сапраўдны трыўмф.
Французскі крытык Леонс Бенедыт пісаў пра яго, як пра «сапраўдным наватары. Ён (Lalique) быў тым, хто сарваў старыя бар'еры, перакуліў моцныя традыцыі і стварыў новую мову».
Даследнікі называюць René Lalique майстрам трох "F" - "femme", "flore", "faune". Менавіта жанчыны, флора і фаўна занялі цэнтральнае месца ў творчасці майстра, і жанчыны нездарма названы першымі. Выдатныя доўгавалосыя маскароны і аголеныя постаці становяцца часта паўтаральным матывам упрыгожванняў Lalique. І хоць мадэрн у цэлым лічыўся жаночым стылем, бо большасць мастакоў звярталіся да жаночых вобразаў, трэба было валодаць смеласцю, каб выкарыстоўваць хупае аголенае жаночае цела ў ювелірных упрыгожваннях.
Адным з самых вядомых вырабаў René Lalique, у якім ён звяртаецца да жаночай выявы, з'яўляецца гарсажнае ўпрыгожванне «Жанчына-страказа», вырабленае ім у 1897-1898 гадах. Сёння яно знаходзіцца ў калекцыі Музея Gulbenkian у Лісабоне, заснаванага фінансістам і нафтавым магнатам Calouste Gulbenkian, які сабраў унікальную калекцыю твораў Lalique.
У гэтым упрыгожванні René Lalique стварае вельмі незвычайны вобраз, які прадстаўляе спалучэнне жанчыны, стракозы і хімеры. Літаральна на нашых вачах адбываецца фантастычнае ператварэнне - з пашчы хімеры з вялікімі кіпцюрастымі лапамі з'яўляецца выдатная жанчына з крыламі стракозы замест рук.
Вядома, што гэтае гарсажнае ўпрыгожванне было часткай убору Сары Бернар, у якім яна зіхацела на тэатральнай сцэне. А ў 1900 годзе «Жанчына-страказа», а таксама яшчэ шэраг твораў Lalique, якія знаходзяцца сёння ў калекцыі Музея Gulbenkian (грэбень-тыяра «Пеўнік», калье-чокер «Лясны пейзаж», гарсажнае ўпрыгожванне «Змеі») былі паказаны на Сусветнай выставе у Парыжы і выклікалі здзіўленне і захапленне, як у наведвальнікаў, так і ў крытыкаў.
Колье-чокер «Лясны пейзаж» не менш выбітнае тварэнне Lalique. Яно складаецца з трох частак, на якіх прадстаўлена адзіная складаная і шматпланавая кампазіцыя. На пярэднім плане Lalique адлюстраваў залатыя ствалы дрэў, скрозь іх на сярэднім плане мы бачым возера з няміласці, пералівы якіх ствараюць ілюзію руху вады. На далёкім плане - бераг возера, створаны з дыяментаў, якія імітуюць пясок. Гэтае ўпрыгожванне дзівіць не толькі сваёй незвычайнасцю, але і тым наколькі рэалістычным атрымаўся намаляваны пейзаж.
Цудоўныя асіметрычныя падвескі Lalique, на якіх ювелір адлюстроўвае фрагменты лясных пейзажаў зімовых або восеньскіх. Сярод іх вылучаецца падвеска "Зімовы пейзаж", створаная ў 1900-1901 гадах. У складаную форму Lalique змяшчае шматслаёвае шкло шэра-блакітнага колеру са стваламі дрэў, якія паўстаюць нібы ў смузе зімовых змяркання. Выкарыстанне шкла стала адной з асаблівасцяў творчасці Lalique, іншыя вядомыя ювеліры не прымянялі шкло з-за складанага тэхналагічнага працэсу яго стварэння. Па-над шкляным фонам справа ювелір размясціў заснежаную елку, выкананую ў тэхніцы эмалі. Абрамляюць кампазіцыю залатыя яловыя галінкі з аквамарынавымі ўстаўкамі і падвескай-жамчужынкай.
Разнастайнасць сюжэтаў у творах Lalique было велізарным - пейзажы (лясныя, зімовыя, вясновыя), восеньскае лісце, летнія кветкі і ягады, жывёлы і птушкі, рэптыліі і казуркі. Але ўсіх іх аб'ядноўвае складанасць і ўнікальнасць кампазіцый, мноства дасканала прапрацаваных дэталяў і нестандартныя матэрыялы і тэхнікі, з якімі ювелір увесь час эксперыментуе. Як ён сам пісаў:
«…я павінен быў дайсці да крайнасці, каб адмовіцца ад усяго, чаго дасягнуў раней. Я працаваў няўхільна: малюнак, мадэляванне, выкананне тэхнічнага даследавання і эксперыментаў усіх відаў, заўсёды вырашаў дабівацца выніку і ствараць нешта зусім новае».
Пасля 1910 гады René Lalique засяродзіўся на працы са шклом і дасягнуў у гэтым небывалых вышынь. У наступныя дзесяцігоддзі з'яўляюцца яго фантастычныя вазы, лямпы, флаконы для духаў і нават аўтамабільныя маскоты і архітэктурныя ўпрыгожванні, дзякуючы якім яго слава не згасала аж да самай смерці майстра 1 траўня 1945 гады. А яго кампанія перажыла вайну і паспяхова існуе ў нашыя дні.
Ювелір Georges Fouquet
Іншым знакавым ювелірам эпохі мадэрна быў Georges Fouquet. Ён нарадзіўся ў 1862 годзе ў сям'і вядомага ювеліра Alfons Fouquet, які праславіўся ў 1870-х гадах сваімі ўпрыгожваннямі ў стылі неарэнесансу. Ювелірнай справе Georges вучыўся ў бацькі і ў 1880 годзе пачаў працаваць у яго ювелірнай фірме. У 1895 году Alfons Fouquet перадаў кіраванне бізнэсам сыну, і ён з запалам прыняўся за працу, жадаючы ўдыхнуць новае жыццё ў бацькоўскую фірму.
Ювелір Henri Vever пісаў пра яго: «Нястомны працаўнік, ён быў зачараваны ўсім новым, і яго пошукі натхнення былі нястомныя».
У 1898 году Fouquet прадставіў свае першыя ўпрыгожванні ў стылі мадэрну. Пачуццёвыя выгнутыя лініі, эмалі прыглушаных адценняў і тонкія тэкстуры былі вельмі эфектныя і практычна не саступалі ювелірным вырабам René Lalique. Але сам Fouquet у адрозненне ад Lalique не быў дызайнерам і прыцягваў да працы шматлікіх вядомых мастакоў свайго часу. У гісторыю ўвайшло яго супрацоўніцтва з Alfons Maria Mucha - мастаком, чые працы таксама сталі яркім сімвалам эпохі мадэрну.
Іх знаёмства адбылося дзякуючы Сары Бернар, якая ў 1898 годзе прыйшла ў ювелірную краму Georges Fouquet з эскізам бранзалета ў выглядзе змеі, створанага Alfons Mucha. Гэты бранзалет быў часткай касцюма Медэі з аднайменнага спектакля паводле п'есы Кацюля Мендэса, прэм'ера якога прайшла ў тым жа 1898 годзе.
На афішы Alfons Mucha на руцэ Сары-Медэі можна ўбачыць падобны бранзалет. Верагодна, акторка пажадала мець такі і ў жыцці, і замовіла Alfons Mucha яго дызайн, а выканаўцам абрала Fouquet. Ювелір быў настолькі зачараваны эскізам бранзалета, што прапанаваў Alfons Mucha стварыць калекцыю ўпрыгожванняў для Сусветнай выставы ў Парыжы 1900 гады. Так узнікла серыя мудрагелістых калье, мудрагелістых гарсажных брошак і бранзалетаў, якія хоць і былі нязручнымі і досыць цяжкімі, але ўвасобілі ўнікальны стыль Alfons Mucha і прадэманстравалі майстэрства Georges Fouquet.
Наведвальнікі выставы ўбачылі ўвасобленыя каштоўнасці з плакатаў Mucha. Яны рабілі моцнае ўражанне, але крытыкі былі суровыя ў сваіх ацэнках, называючы іх "дзіўнымі ўпрыгожваннямі з дзіўным дэкорам". Супрацоўніцтва Fouquet і Mucha працягнулася ўсяго некалькі гадоў, але менавіта яно дапамагло змяніць стыль ювелірных вырабаў Georges Fouquet і прынесла яго кампаніі славу.
Апроч стварэння ювелірных упрыгожванняў, Fouquet пісаў артыкулы і кнігі, у адной з якіх ён абвясціў:
«Выжывуць не раскошныя ювелірныя ўпрыгожванні, а тыя ў якіх кошт матэрыялаў менш, чым іх прыгажосць - аквамарын, аметыст, тапаз, турмалін. Мастацтва, якое ніколі не старэе, падоўжыць жыццё гэтых каштоўнасцяў. Іх ніколі не разбяруць, каб паўторна выкарыстоўваць камяні. Гэтыя рэчы – найперш творы мастацтва, а не спосаб укласці грошы».
Ювелір Henri Vever
Henri Vever - трэці герой гэтага апавядання і яшчэ адзін выбітны майстар эпохі мадэрну. Як і Fouquet, Vever у пачатку XX стагоддзя быў кіраўніком сямейнай ювелірнай кампаніі "Maison Vever", заснаванай яго дзедам у 1821 годзе. Henri Vever нарадзіўся ў 1854 годзе і з юнацтва разам з братам Полем навучаўся кіраванню сямейнай справай, а таксама вывучаў малюнак, лепку і арнаментальны дызайн у Школе прыгожых мастацтваў у Парыжы. Такім чынам, да моманту, калі ў 1881 годзе бацька Henri і Палі выйшаў у адстаўку, у яго былі годныя пераемнікі. Поль заняўся ў фірме камерцыйным развіццём, а Henri адказваў за дызайн і вытворчасць упрыгожванняў. Дзякуючы Henri Vever стыль ювелірнай фірмы паступова трансфармаваўся ад гістарызму да мадэрна.
На Сусветнай выставе ў Парыжы ў 1900 годзе "Maison Vever" атрымала другі Гран-Пры за свае вытанчаныя ўпрыгожванні ў стылі мадэрн, якія лічацца лепшымі дасягненнямі фірмы. Аднак хоць яны і валодалі ўсімі характэрнымі рысамі стылю (вытанчаныя жаночыя выявы, флора і фауна), упрыгожванні Henri Vever былі больш кансерватыўнымі ў параўнанні з экстравагантнымі вырабамі René Lalique.
Іншым адрозненнем Maison Vever было тое, што фірма працавала ў асноўным з каштоўнымі металамі і каштоўнымі камянямі. Henri не валодаў такой адвагай і цікавасцю да эксперыментаў, як яго калегі па цэху, і значна радзей звяртаўся да недарагіх матэрыялаў.
Акрамя ювелірнай справы Henri Vever праславіўся, як калекцыянер японскай гравюры, а таксама аўтар адной з найважнейшых навуковых прац, прысвечаных ювелірнай справе - "Французскае ювелірнае мастацтва XIX стагоддзя". У гэтай кнізе ён падрабязна апісвае развіццё ювелірнай справы, пачынаючы з эпохі Консульства і заканчваючы эпохай мадэрна.
Маэстра Lucien Gaillard
І апошнім героем гэтага артыкула стане Lucien Gaillard. Ён вядомы сёння значна менш, чым Lalique, Fouquet і нават Vever, але з'яўляецца не менш важнай фігурай у ювелірным мастацтве эпохі мадэрна. Галоўным адрозненнем яго ўпрыгожванняў стаў зварот да японскага мастацтва.
Японскае мастацтва было адной з галоўных крыніц стылю мадэрн, яно натхняла еўрапейскіх майстроў дынамічным рытмам і гнуткасцю ліній расліннага дэкору, няскончанасцю руху, лёгкасцю і асаблівай стылізацыяй, якая ператварала прыродныя матывы ў дэкаратыўныя ўзоры.
Lucien Gaillard нарадзіўся ў 1861 годзе і творчы шлях пачаў, як і два папярэднія майстры, навучаючыся ў свайго бацькі – сярэбраных спраў майстра Ernest Gaillard. За час свайго станаўлення ён у дасканаласці авалодаў тэхнікамі чаканкі і гравіроўкі па золату і срэбру, наведаў мноства розных ювелірных курсаў майстроў Дзюжардэна і Сальмона і ў выніку перасягнуў бацьку. У 1892 годзе Ernest Gaillard перадаў сваю майстэрню сыну.
Ужо ў пачатку кар'еры Lucien Gaillard захапіўся японскімі сплавамі і лакамі, якія не ўжываліся ў Францыі, але былі настолькі цудоўныя, што дзівілі і яго сучаснікаў, і будучыя пакаленні даследчыкаў яго творчасці.
Ювелір Henri Vever так казаў пра яго: «Гадра закаханы ў сваю прафесію, нястомны даследчык, які зачароўваў сваімі працамі, Gaillard, захоплена, з захапленнем спасцігаў усе складаныя тэхналагічныя аспекты ювелірнай справы, такія як ювелірныя сплавы, залачэнне, пацінаванне, атрымліваючы цудоўныя вынікі».
Як і для іншых ювеліраў, аб якіх гаварылася вышэй, вялікае значэнне для Lucien Gaillard меў 1900 год. У той год у яго жыцці адбылося адразу некалькі падзей - ён набыў новы будынак, запрасіў на працу японскіх майстроў, якія дапамагалі яму разабрацца ў тонкасцях нацыянальнага мастацтва і, вядома ж, прыняў удзел у Сусветнай выставе ў Парыжы, дзе атрымаў Гран-пры, а акрамя таго пазнаёміўся з апошнімі працамі René Lalique, якога ён зваў сваім натхняльнікам.
У двух майстроў была агульная рыса - яны абодва вынаходзілі новыя тэхнікі, імкнучыся надаць асаблівы характар сваім творам. А вось адрознівала Gaillard ад Lalique яго зварот да японскага мастацтва і японскім тэхнікам, дзякуючы якім творы Gaillard былі больш стрыманымі па каларыце і кампазіцыі.
Адной з лепшых прац Gaillard стаў бранзалет "Галіна яблыні". Ювеліру ўдалося стварыць вельмі цікавы, нават унікальны твор. У кожным элеменце бранзалета мы бачым самастойны і гарманічна пабудаваны камерны малюнак кветак на галінках, пры гэтым усе элементы аб'ядноўваюцца ў адзіную, гэтак жа цэласную кампазіцыю. У гэтым складаецца асноўны прынцып японскіх матываў, якому варта Gaillard - гарманізаваная рытмічная структура ўсіх кампазіцыйных элементаў.
Грэбень Хрызантэмы яшчэ адзін зварот Gaillard да японскіх матываў. Майстар вольна размяшчае дзве кветкі, прытрымліваючыся прынцыпам выявы хрызантэм у японскіх гравюрах. Gaillard выкарыстоўваў у гэтай працы рог, з якога паступова здымаў пласты. Гэтым ён дамагаўся напаўпразрыстасці, на фоне якой хупавыя пялёсткі кветак сталі здавацца аб'ёмнымі. Падкрэсліваюць аб'ёмнасць і інкруставаныя ў асяродку хрызантэм малочна-блакітныя няміласці.
Не меней цікавая вялікая шпілька з амстэрдамскага Rijksmuseum, на якой Gaillard адлюстраваў двух якія змагаюцца за вялікі цытрын стракоз. Прыродны матыў вельмі натуралістычны, дынамічны і экспрэсіўны. Ювелір выканаў упрыгожванне з вялікай рэалістычнай дакладнасцю, перадаўшы імгненнасць імклівага руху казурак.
Таксама ў гэтым упрыгожванні Gaillard смела камбінуе каштоўныя і напаўкаштоўныя матэрыялы: крылы насякомых створаны з празрыстага рога і ўпрыгожаны смарагдамі. Кончыкі крылаў пакрывае эмаль, апраўленая россыпам дробных дыяментаў. Цяляты стракоз выкананы з золата і дэкарыраваны палоскамі цёмна-зялёнай і блакітнай выемкавай эмалі.
У 1902 годзе некалькі твораў Lucien Gaillard былі прадстаўлены на выставе ў Глазга і мелі такі поспех, што пасля яе французскі ўрад узнагародзіў яго ордэнам Ганаровага легіёна. З гэтага моманту Gaillard становіцца адным з самых вядомых французскіх ювеліраў эпохі мадэрну, аднак ужо пасля 1910 года яго творчая дзейнасць пачала паступова згасаць, пакуль канчаткова не завяршылася ў 1925 годзе.
У кожнага з герояў гэтага артыкула быў свой унікальны стыль і свой падыход да стварэння ювелірных вырабаў, але ўсіх іх аб'ядноўвала жаданне ствараць не проста каштоўныя ўпрыгожанні, а рэчы па-сапраўднаму мастацкія, выкарыстоўваючы для іх, як каштоўныя камяні і металы, так і матэрыялы, якія не лічыліся каштоўнымі ў ювелірнай справе. Арыгінальныя ідэі гэтых вялікіх майстроў ператварылі напаўкаштоўныя металы і камяні ў сапраўдныя творы мастацтва, а іх саміх назаўжды ўпісалі ў сусветную гісторыю.
