Докато майсторите на историцизма възпроизвеждаха и комбинираха най-разнообразните стилове от миналото, довеждайки го до определен автоматизъм, Арт Нуво нахлу в изкуството като вихрушка, като свеж морски вятър, освобождаващ, пречистващ, вдъхновяващ. Той отвори свят на нови форми, нови материали, нови комбинации.
Арт Нуво беше краткотрайно, но невероятно красиво и в същото време много сложно художествено явление, което обхващаше абсолютно всички видове изкуство, включително бижутерията. Епохата на модерността даде на света цяла плеяда от велики майстори, които от своя страна вдъхнаха нов живот на бижутерското изкуство и го изведоха начело на „последния велик стил“. В тази статия ще се запознаем с някои от главните герои на епохата - Рене Лалик, Жорж Фуке, Анри Вевер и Люсиен Гаяр.
Бижутерският гений Рене Жул Лалик
Безспорният гений и лидер сред бижутерите на своето време беше изключителен майстор Рене Лаликв чието творчество е въплътена самата същност на френския Арт Нуво. Използването му на нескъпоценни и често чупливи материали, особено формовано стъкло, е революционно за времето си.
Рене Лалик е роден през 1860 г. в малкото градче Ай, на 28 километра южно от Реймс. През 1876 г. започва да учи при водещия парижки бижутер Луис Окок, а през 1878 г. заминава за Лондон, където учи изключително дизайн през следващите две години. Именно това всеобхватно образование му позволи в бъдеще да произвежда самостоятелно всичките си бижута - от създаването на скици до финалните щрихи в завършените произведения. В ранните години на работа Lalique прави скици за известни майстори като Cartier, Boucheron, Vever.
Последният от своя страна играе важна роля в развитието на собствения стил на Lalique. През 1886 г. Жул Дестап му дава своята работилница за бижута „като признание за уникалния му талант“. Сега Рене Лалик, разполагайки с всичко необходимо за работа, се обърна към търсенето на вдъхновение, което намери в идеите на движението за изкуства и занаяти, което призоваваше за възраждане на изкуствата и занаятите и насърчаваше растителни и животински мотиви. Прегръщайки тези идеи, Lalique се развива в синхрон с тях и става първият, който внася Арт Нуво в изкуството на бижутата.
Lalique представя първите си бижута в стил Арт Нуво на Световното изложение през 1897 г. в Брюксел. Но основното събитие в неговата творческа биография е Световното изложение в Париж през 1900 г. За своята експозиция на бижута Lalique получава Голямата награда, а правителството го награждава с Ордена на почетния легион. Беше истински триумф.
Френският критик Леонс Бенедит пише за него като „Истински новатор. Той (Лалик) беше този, който разруши старите бариери, преобърна силните традиции и създаде нов език.".
Изследователите наричат Рене Лалик майстор на трите "F" - "femme", "flore", "faune". Жените, флората и фауната заемат централно място в творчеството на майстора и жените са посочени на първо място с причина. Красивите маскарони и голи коси с дълга коса се превръщат в повтарящ се мотив в бижутата Lalique. И въпреки че Арт Нуво обикновено се смяташе за женски стил, тъй като повечето художници се обърнаха към женски образи, човек трябваше да има смелостта да използва изящното голо женско тяло в бижутата.
Един от най-известните продукти на Рене Лалик, в които той се обръща към женския образ, е корсажната декорация „Жена водно конче“, изработена от него през 1897-1898 г. Днес тя е в колекцията на музея Гулбенкян в Лисабон, основан от финансиста и петролен магнат Калуст Гулбенкян, който натрупа уникална колекция от творби на Лалик.
В това бижу Рене Лалик създава много необичайна визия, която съчетава жена, водно конче и химера. Буквално пред очите ни се случва фантастична трансформация - красива жена с крила на водно конче вместо ръце се появява от устата на химера с големи лапи с нокти.
Известно е, че тази корсажна украса е била част от тоалета на Сара Бернхард, с който тя блестеше на театралната сцена. И през 1900 г. „Жената водно конче“, както и редица произведения на Лалик, които днес са в колекцията на музея Гулбенкян (гребен-тиара „Петел“, огърлица-чокер „Горски пейзаж“, корсажни бижута „Змии“ ”) бяха показани на Световното изложение в Париж и предизвикаха изненада и възхищение, както сред посетителите, така и сред критиците.
Колието с чокер Forest Landscape е също толкова изключително творение на Lalique. Състои се от три части, които представляват единна сложна и многопланова композиция. На преден план Lalique изобразява златни стволове на дървета, през които в средата виждаме езеро от опали, чиито преливания създават илюзията за движение на водата. На заден план е брегът на езерото, направен от диаманти, имитиращи пясък. Тази украса впечатлява не само със своята необичайност, но и с това колко реалистичен се оказа изобразеният пейзаж.
Очарователни са асиметричните висулки Lalique, върху които бижутерът изобразява фрагменти от горски пейзажи - зимни или есенни. Сред тях се откроява висулката Зимен пейзаж, създадена през 1900-1901 г. В сложна форма Lalique поставя синьо-сиво ламинирано стъкло с стволове на дървета, които изглеждат като в мъгла на зимния здрач. Използването на стъкло се превърна в една от характеристиките на творчеството на Lalique, други известни бижутери не използваха стъкло поради сложния технологичен процес на неговото създаване. Върху стъкления фон вдясно бижутерът е поставил покрита със сняг ела, изработена в емайловата техника. Композицията е обрамчена от златисти смърчови клони с вложки от аквамарин и перлена висулка.
Разнообразието от теми в творбите на Лалик е огромно – пейзажи (гора, зима, пролет), есенни листа, летни цветя и плодове, животни и птици, влечуги и насекоми. Но всички те са обединени от сложността и уникалността на композициите, множеството задълбочено отработени детайли и нестандартни материали и техники, с които бижутерът непрекъснато експериментира. Както самият той написа:
„... Трябваше да стигна до крайност, за да се откажа от всичко, което бях постигнал преди. Работих неуморно: рисувах, моделирах, правех технически изследвания и експерименти от всякакъв вид, винаги решен да свърша нещата и да създам нещо напълно ново."
След 1910 г. Рене Лалик се концентрира върху работата със стъкло и постига безпрецедентни висоти в това. През следващите десетилетия се появяват неговите фантастични вази, лампи, флакони за парфюми и дори автомобилни талисмани и архитектурни декорации, благодарение на които славата му не угасва до смъртта на майстора на 1 май 1945 г. И компанията му оцелява от войната и успешно съществува днес.
Бижутер Жорж Фуке
Друг емблематичен бижутер от ерата на Арт Нуво е Жорж Фуке. Той е роден през 1862 г. в семейството на известния бижутер Алфонс Фуке, станал известен през 1870-те години на 1880 век със своите неоренесансови бижута. Жорж учи бижутерство с баща си и през 1895 г. започва работа в неговата фирма за бижута. През XNUMX г. Алфонс Фуке предава управлението на бизнеса на сина си и той се захваща с ентусиазъм за работа, желаейки да вдъхне нов живот на фирмата на баща си.
Бижутерът Анри Вевер пише за него: „Неуморен работник, той беше очарован от всичко ново и търсенето му на вдъхновение беше неуморно“.
През 1898 г. Fouquet представя първите си бижута в стил Арт Нуво. Чувствените извити линии, приглушените емайли и фините текстури бяха много ефективни и почти равни на бижутата на René Lalique. Но самият Фуке, за разлика от Лалик, не беше дизайнер и привлече много известни художници от своето време да работят. Сътрудничеството му с Алфонс Мария Муха, художник, чиято работа също се е превърнала в ярък символ на ерата на Арт Нуво, остава в историята.
Тяхното запознанство се състоя благодарение на Сара Бернхард, която през 1898 г. дойде в магазина за бижута Georges Fouquet със скица на змийска гривна, създадена от Алфонс Муха. Тази гривна беше част от костюма на Медея от едноименния спектакъл по пиесата на Катул Мендес, чиято премиера беше през същата 1898 г.
На плаката на Алфонс Муха подобна гривна може да се види на ръката на Сари Медея. Вероятно актрисата е пожелала да има такъв в живота си и е поръчала дизайна на Алфонс Муха, а за изпълнител е избрала Фуке. Бижутерът бил толкова очарован от дизайна на гривната, че предложил на Алфонс Муха да създаде колекция от бижута за Световното изложение в Париж през 1900 г. Така се ражда поредица от причудливи огърлици, сложни корсажни брошки и гривни, които, макар и неудобни и доста тежки, олицетворяват уникалния стил на Алфонс Муха и демонстрират умението на Жорж Фуке.
Посетителите на изложбата видяха въплътените бижута от плакатите на Муха. Те направиха силно впечатление, но критиците бяха сурови в оценките си, наричайки ги „странни декорации със странни декорации“. Сътрудничеството между Фуке и Муха продължи само няколко години, но именно то помогна за промяната на стила на бижутата на Жорж Фуке и донесе слава на компанията му.
В допълнение към създаването на бижута, Фуке пише статии и книги, в една от които провъзгласява:
„Ще оцелеят не луксозните бижута, а тези, при които цената на материалите е по-малка от красотата им – аквамарин, аметист, топаз, турмалин. Изкуството, което никога не остарява, ще удължи живота на тези бижута. Те никога няма да бъдат разглобени, за да се използват повторно камъните. Тези неща са предимно произведения на изкуството, а не начин за инвестиране на пари.
Бижутер Анри Вевер
Анри Вевер е третият герой на тази история и друг изключителен майстор на ерата на Арт Нуво. Подобно на Фуке, Вевер в началото на 1821 век е ръководител на семейната компания за бижута Maison Vever, основана от дядо му през 1854 г. Анри Вевер е роден през 1881 г. и от младостта си, заедно с брат си Пол, изучава управлението на семейния бизнес, а също така учи рисуване, моделиране и декоративен дизайн в Ecole des Beaux-Arts в Париж. Така, когато бащата на Анри и Пол се пенсионира през XNUMX г., той има достойни наследници. Пол отговаряше за търговското развитие във фирмата, докато Анри отговаряше за дизайна и производството на бижута. Благодарение на Анри Вевер стилът на бижутерската компания постепенно се трансформира от историзъм към модерност.
На Световното изложение в Париж през 1900 г. Maison Vever получава втора Голяма награда за своите изящни бижута в стил Ар Нуво, считани за най-добрите постижения на компанията. Въпреки това, въпреки че притежаваха всички характерни черти на стила (изтънчени женски образи, флора и фауна), бижутата на Henri Vever бяха по-консервативни в сравнение с екстравагантните продукти на René Lalique.
Друга разлика на "Maison Vever" е, че фирмата работи предимно с благородни метали и скъпоценни камъни. Анри нямаше същата смелост и интерес към експериментите като колегите си и много по-рядко прибягваше до евтини материали.
Освен с бижута, Анри Вевер става известен като колекционер на японски гравюри, както и като автор на една от най-важните научни трудове за бижута - „Френските бижута от XNUMX век“. В тази книга той описва подробно развитието на бижутерията от епохата на консулството до ерата на Арт Нуво.
Маестро Люсиен Гаяр
И последният герой на тази статия ще бъде Lucien Gaillard. Днес той е известен много по-малко от Лалик, Фуке и дори Вевер, но е не по-малко важна фигура в ювелирното изкуство в стил Арт Нуво. Основната разлика между неговите бижута беше привличането към японското изкуство.
Японското изкуство беше един от основните източници на Арт Нуво, вдъхнови европейските майстори с динамичен ритъм и гъвкавост на растителните декоративни линии, незавършеност на движението, лекота и специална стилизация, която превърна естествените мотиви в декоративни модели.
Люсиен Гайар е роден през 1861 г. и, подобно на двамата предишни занаятчии, започва кариерата си като ученик на баща си, майстора на сребро Ърнест Гаяр. По време на формирането си той усвоява перфектно техниките на щамповане и гравиране върху злато и сребро, посещава много различни курсове по бижута от майсторите Дюжарден и Салмон и в крайна сметка надминава баща си. През 1892 г. Ърнест Гаяр дава работилницата си на сина си.
Още в началото на кариерата си Люсиен Гаяр се интересува от японски сплави и лакове, които не се използват във Франция, но са толкова възхитителни, че удивляват както неговите съвременници, така и бъдещите поколения изследователи на неговото творчество.
Бижутерът Анри Вевер говори за него така: „Страстно влюбен в професията си, неуморен изследовател, който очарова с работата си, Gaillard с ентусиазъм, с възторг разбра всички сложни технологични аспекти на бижутерията, като бижутерски сплави, позлата, патиниране, постигайки отлични резултати.“
Както и при другите бижутери, споменати по-горе, годината 1900 е от голямо значение за Lucien Gaillard. През тази година в живота му се случиха няколко събития наведнъж - той придоби нова сграда, покани японски майстори да работят, помагайки му да разбере тънкостите на националното изкуство и, разбира се, участва в Световното изложение в Париж, където получи наградата Гран при, а освен това той се запозна с най-новите творби на Рене Лалик, когото нарече свое вдъхновение.
Двамата майстори имаха обща черта - и двамата измислиха нови техники, опитвайки се да придадат особен характер на творбите си. Но това, което отличава Gaillard от Lalique, е неговият призив към японското изкуство и японските техники, благодарение на които произведенията на Gaillard са по-сдържани по цвят и композиция.
Една от най-добрите творби на Gaillard е гривната Apple Branch. Бижутерът успя да създаде много интересна, дори уникална творба. Във всеки елемент от гривната виждаме самостоятелен и хармонично изграден камерен образ на цветя върху клони, като всички елементи са обединени в единна, еднакво цялостна композиция. Това е основният принцип на японските мотиви, който Gaillard следва - хармонизирана ритмична структура на всички композиционни елементи.
Гребенът на хризантемата е друга препратка към японските мотиви от Gaillard. Майсторът свободно аранжира две цветя, следвайки принципите на изобразяване на хризантеми в японските гравюри. Gaillard използва рог в тази работа, от която постепенно премахва слоевете. Правейки това, той постигна полупрозрачност, на фона на която грациозните цветни листенца започнаха да изглеждат обемни. Подчертайте обема и млечно сините опали, инкрустирани в сърцевината на хризантеми.
Не по-малко интересна е голяма фиби от амстердамския Rijksmuseum, на която Gaillard е изобразил две водни кончета, борещи се за голям цитрин. Природният мотив е много натуралистичен, динамичен и експресивен. Бижутерът е изпълнил декорацията с голяма реалистична автентичност, предавайки непосредствеността на бързото движение на насекомите.
Gaillard също така смело съчетава скъпоценни и полускъпоценни материали в това бижу: крилцата на насекомите са направени от прозрачен рог и са украсени с изумруди. Върховете на крилата са покрити с емайл, обрамчен с разпръснати малки диаманти. Телата на водните кончета са изработени от злато и са украсени с ивици от тъмнозелен и син емайл.
През 1902 г. няколко творби на Люсиен Гаяр са представени на изложба в Глазгоу и имат такъв успех, че след това френското правителство го награждава с Ордена на почетния легион. От този момент нататък Gaillard се превръща в един от най-известните френски бижутери от епохата на Арт Нуво, но след 1910 г. творческата му дейност започва да затихва, докато най-накрая приключи през 1925 г.
Всеки от героите на тази статия имаше свой уникален стил и собствен подход към създаването на бижута, но всички бяха обединени от желанието да създават не просто скъпоценни бижута, а наистина артистични неща, използвайки за тях както скъпоценни камъни, така и метали, и материали, които не се считат за ценни в бижутата. Оригиналните идеи на тези велики майстори превърнаха полускъпоценните метали и камъни в истински произведения на изкуството, а самите те бяха вписани завинаги в световната история.
