Dok su majstori istoricizma reproducirali i kombinovali najrazličitije stilove prošlosti, dovodeći je do određenog automatizma, secesija je kao vihor, poput svježeg morskog vjetra, uletjela u umjetnost, oslobađajući, pročišćavajući, nadahnjujući. Otvorio je svijet novih oblika, novih materijala, novih kombinacija.
Art Nouveau je bio kratkotrajan, ali nevjerovatno lijep i istovremeno vrlo složen umjetnički fenomen koji je obuhvatio apsolutno sve vrste umjetnosti, uključujući i nakit. Era moderne dala je svijetu čitavu plejadu velikih majstora, koji su, zauzvrat, udahnuli novi život umjetnosti nakita i doveli je na čelo „posljednjeg velikog stila“. U ovom članku upoznaćemo neke od glavnih likova tog doba - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever i Lucien Gaillard.
Genijalni nakit René Jules Lalique
Bio je neprikosnoveni genije i vođa među zlatarima svog vremena izvanredan majstor René Laliqueu čijem je radu oličena sama suština francuskog secesije. Njegova upotreba nedragocjenih i često krhkih materijala, posebno lijevanog stakla, bila je revolucionarna za njegovo vrijeme.
René Lalique rođen je 1860. godine u gradiću Ay, 28 kilometara južno od Reimsa. Godine 1876. počeo je da uči kod vodećeg pariškog zlatara Louisa Ococka, a 1878. otišao je u London, gdje je naredne dvije godine studirao isključivo dizajn. Upravo ovo sveobuhvatno obrazovanje omogućilo mu je da u budućnosti samostalno proizvodi sav svoj nakit - od izrade skica do završnih detalja u gotovim radovima. U ranim godinama rada, Lalique je napravio skice za poznate majstore kao što su Cartier, Boucheron, Vever.
Potonji je, zauzvrat, odigrao važnu ulogu u razvoju Laliqueovog vlastitog stila. Godine 1886. Jules Destape mu je poklonio svoju radionicu nakita "kao priznanje za njegov jedinstveni talenat". Sada se René Lalique, raspolažući svime potrebnim za rad, okrenuo potrazi za inspiracijom koju je pronašao u idejama pokreta umjetnosti i zanata, koji je pozivao na oživljavanje umjetnosti i zanata i promovirao biljne i životinjske motive. Prihvaćajući ove ideje, Lalique je evoluirao u skladu s njima i postao prvi koji je unio secesiju u umjetnost nakita.
Lalique je predstavio svoj prvi nakit u stilu Art Nouveau na Svjetskoj izložbi u Briselu 1897. godine. Ali glavni događaj njegove kreativne biografije bila je Svjetska izložba u Parizu 1900. godine. Za svoju izložbu nakita Lalique je dobio Grand Prix, a vlada ga je odlikovala Ordenom Legije časti. Bio je to pravi trijumf.
Francuski kritičar Léonce Benedite pisao je o njemu kao „Pravi inovator. On (Lalique) je bio taj koji je srušio stare barijere, preokrenuo jake tradicije i stvorio novi jezik.".
Istraživači nazivaju Renéa Laliquea majstorom tri "F" - "femme", "flore", "faune". Upravo su žene, flora i fauna zauzimale centralno mjesto u radu majstora, a žene su s razlogom prve imenovane. Prekrasne dugokose maskare i aktovi postaju stalni motiv u Lalique nakitu. I iako se secesija općenito smatrala ženstvenim stilom, budući da se većina umjetnika okrenula ženskim slikama, trebalo je imati hrabrosti koristiti graciozno nago žensko tijelo u nakitu.
Jedan od najpoznatijih proizvoda Renéa Laliquea, u kojem se osvrće na ženski lik, je ukras korzeza "Žena vilinac", koji je izradio 1897-1898. Danas se nalazi u kolekciji Muzeja Gulbenkian u Lisabonu, koji je osnovao finansijer i naftni magnat Calouste Gulbenkian, koji je sakupio jedinstvenu kolekciju Laliqueovih djela.
U ovom dragulju René Lalique stvara veoma neobičan izgled koji kombinuje ženu, vretenca i himeru. Doslovno pred našim očima događa se fantastična transformacija - iz usta himere s velikim kandžastim šapama pojavljuje se prekrasna žena s krilima vretenca umjesto ruku.
Poznato je da je ova dekoracija korsaža bila dio outfita Sare Bernhardt, u kojoj je zablistala na pozorišnoj sceni. A 1900. godine, "Žena vreten konjic", kao i brojna Laliqueova djela, sada u kolekciji Gulbenkian muzeja (češalj-tijara "Pjetao", ogrlica-gušilica "Šumski pejzaž", korzezni nakit "Zmije") prikazani su na Svjetskoj izložbi u Parizu i izazvali su iznenađenje i divljenje, kako posjetitelja tako i kritičara.
Ogrlica Forest Landscape choker je jednako izvanredna kreacija Lalique. Sastoji se od tri dijela, koji predstavljaju jednu složenu i višestruku kompoziciju. U prvom planu Lalique je prikazao zlatna stabla kroz koja u sredini vidimo jezero opala, čiji preljevi stvaraju iluziju kretanja vode. U pozadini je obala jezera stvorena od dijamanata koji imitiraju pijesak. Ovaj ukras impresionira ne samo svojom neobičnošću, već i koliko je prikazani pejzaž ispao realističan.
Šarmantni su asimetrični Lalique privjesci, na kojima draguljar prikazuje fragmente šumskih pejzaža - zime ili jeseni. Među njima se ističe privezak Zimski pejzaž nastao 1900-1901. U složenom obliku, Lalique stavlja plavo-sivo laminirano staklo sa stablima drveća koji izgledaju kao u izmaglici zimskog sumraka. Upotreba stakla postala je jedna od karakteristika Laliqueove kreativnosti, drugi poznati zlatari nisu koristili staklo zbog složenog tehnološkog procesa njegovog stvaranja. Na staklenu podlogu sa desne strane zlatar je postavio snijegom prekrivenu jelu izrađenu tehnikom emajla. Kompozicija je uokvirena zlatnim granama smreke sa akvamarinskim umetcima i bisernim privjeskom.
Raznolikost tema u Laliqueovim radovima bila je ogromna - pejzaži (šuma, zima, proljeće), jesenje lišće, ljetno cvijeće i bobice, životinje i ptice, gmizavci i insekti. Ali sve ih ujedinjuje složenost i jedinstvenost kompozicija, puno pomno razrađenih detalja i nestandardnih materijala i tehnika s kojima zlatar neprestano eksperimentiše. Kako je i sam napisao:
“... Morao sam ići u krajnost da odustanem od svega što sam ranije postigao. Neumorno sam radio: crtao, modelirao, radio tehnička istraživanja i eksperimente svih vrsta, uvijek odlučan da završim stvari i stvorim nešto potpuno novo."
Nakon 1910. René Lalique se koncentrisao na rad sa staklom i postigao neviđene visine u tome. U narednim decenijama pojavile su se njegove fantastične vaze, lampe, bočice parfema, pa čak i maskote automobila i arhitektonski ukrasi, zahvaljujući kojima njegova slava nije nestala sve do smrti majstora 1. maja 1945. godine. A njegova firma je preživjela rat i uspješno postoji i danas.
Zlatar Georges Fouquet
Još jedan kultni draguljar ere secesije bio je Georges Fouquet. Rođen je 1862. godine od slavnog zlatara Alfonsa Fouqueta, koji je postao poznat 1870-ih po svom neorenesansnom nakitu. Georges je studirao nakit sa svojim ocem i 1880. počeo je raditi u svojoj juvelirskoj firmi. Godine 1895. Alfons Fouquet je predao upravljanje poslom svom sinu, a on je sa entuzijazmom prionuo na posao, želeći da udahne novi život očevoj firmi.
Draguljar Henri Vever napisao je o njemu: "Neumoran radnik, fasciniran je svime novim, a njegova potraga za inspiracijom bila je neumorna".
Godine 1898. Fouquet je predstavio svoj prvi secesijski nakit. Senzualne zakrivljene linije, prigušeni emajli i suptilne teksture bili su vrlo efektni i gotovo jednaki René Lalique nakitu. Ali sam Fouquet, za razliku od Laliquea, nije bio dizajner i privukao je mnoge poznate umjetnike svog vremena da rade. Njegova saradnja sa Alfonsom Marijom Muhom, umetnikom čiji je rad takođe postao živopisan simbol ere secesije, otišla je u istoriju.
Njihovo poznanstvo dogodilo se zahvaljujući Sarah Bernhardt, koja je 1898. godine došla u draguljarnicu Georges Fouquet sa skicom zmijske narukvice koju je kreirao Alfons Mucha. Ova narukvica je bila dio kostima Medeje iz istoimene predstave po drami Katula Mendeza, koja je premijerno izvedena iste 1898. godine.
Na plakatu Alfonsa Muhe slična narukvica se može vidjeti na ruci Sary Medee. Vjerovatno je glumica poželjela da ga ima u životu, i naredila Alfonsu Muchi da ga dizajnira, a za izvođača je izabrala Fouqueta. Zlatar je bio toliko očaran dizajnom narukvice da je predložio da Alfons Mucha kreira kolekciju nakita za Svjetsku izložbu 1900. godine u Parizu. Tako je rođena serija hirovitih ogrlica, zamršenih broševa i narukvica, koje su, iako neudobne i prilično teške, oličavale jedinstven stil Alfonsa Muche i demonstrirali umijeće Georgesa Fouqueta.
Posjetioci izložbe vidjeli su utjelovljene dragulje sa Muchinih plakata. Ostavili su snažan utisak, ali su kritičari bili oštri u ocjenama, nazivajući ih "čudnim ukrasima sa čudnim ukrasima". Saradnja između Fouqueta i Mucha trajala je samo nekoliko godina, ali je upravo ona pomogla da se promijeni stil Georges Fouquet nakita i donijela slavu njegovoj kompaniji.
Osim stvaranja nakita, Fouquet je pisao članke i knjige, u jednoj od kojih je objavio:
“Nije luksuzni nakit taj koji će preživjeti, već onaj u kojem je cijena materijala manja od njihove ljepote - akvamarin, ametist, topaz, turmalin. Umjetnost koja nikada ne stari produžit će vijek trajanja ovih dragulja. Nikada se neće rastaviti za ponovnu upotrebu kamenja. Ove stvari su prvenstveno umjetnička djela, a ne način ulaganja novca.
Zlatar Henri Vever
Henri Vever je treći junak ove priče i još jedan izuzetan majstor ere secesije. Kao i Fouquet, Vever je početkom 1821. vijeka bio na čelu porodične kompanije za nakit Maison Vever, koju je osnovao njegov djed 1854. godine. Henri Vever je rođen 1881. godine i od mladosti je zajedno sa bratom Paulom studirao vođenje porodičnog biznisa, a studirao je i crtanje, modeliranje i ornamentalni dizajn na Ecole des Beaux-Arts u Parizu. Dakle, do trenutka kada je Henri i Paulov otac otišao u penziju XNUMX. godine, imao je dostojne nasljednike. Paul je bio odgovoran za komercijalni razvoj u firmi, dok je Henri bio odgovoran za dizajn i proizvodnju nakita. Zahvaljujući Henriju Veveru, stil kompanije za nakit postepeno se transformisao iz historicizma u modernost.
Na Svjetskoj izložbi u Parizu 1900. godine, Maison Vever je dobio drugu Grand Prix za svoj izvrstan secesijski nakit, koji se smatra najboljim dostignućima kompanije. Međutim, iako je imao sve karakteristične crte stila (profinjene ženske slike, floru i faunu), Henri Vever nakit je bio konzervativniji u odnosu na ekstravagantne proizvode Renéa Laliquea.
Druga razlika "Maison Vevera" je u tome što je firma uglavnom radila sa plemenitim metalima i dragim kamenjem. Henri nije imao istu hrabrost i interesovanje za eksperimente kao njegove kolege, a mnogo rjeđe je pribjegavao jeftinim materijalima.
Pored nakita, Henri Vever se proslavio i kao kolekcionar japanskih gravura, kao i autor jednog od najznačajnijih naučnih radova o nakitu - „Francuski nakit XNUMX. veka“. U ovoj knjizi on detaljno opisuje razvoj nakita, od epohe konzulata do ere secesije.
Maestro Lucien Gaillard
A posljednji junak ovog članka bit će Lucien Gaillard. Danas je poznat mnogo manje od Laliquea, Fouqueta, pa čak i Vevera, ali nije ništa manje važna ličnost u umjetnosti nakita Art Nouveau. Glavna razlika između njegovog nakita bila je privlačnost japanskoj umjetnosti.
Japanska umjetnost bila je jedan od glavnih izvora secesije, inspirirala je evropske majstore dinamičnim ritmom i fleksibilnošću linija biljnih ukrasa, nedovršenošću pokreta, lakoćom i posebnom stilizacijom koja je prirodne motive pretvarala u ukrasne uzorke.
Lucien Gaillard je rođen 1861. godine i, kao i prethodna dva majstora, karijeru je započeo kao učenik svog oca, srebrnog majstora Ernesta Gaillarda. Tokom svog formiranja, savršeno je savladao tehnike jurnjave i graviranja na zlatu i srebru, pohađao mnoge različite kurseve nakita kod majstora Dužardina i Salmona i na kraju nadmašio svog oca. Godine 1892. Ernest Gaillard je dao svoju radionicu svom sinu.
Već na početku svoje karijere Lucien Gaillard se zainteresirao za japanske legure i lakove, koji se nisu koristili u Francuskoj, ali su bili toliko oduševljeni da su zadivili kako njegove savremenike, tako i buduće generacije istraživača njegovog rada.
Zlatar Henri Vever govorio je o njemu ovako: „Strastveno zaljubljen u svoju profesiju, neumorni istraživač koji je očarao svojim radom, Gaillard je entuzijastično, sa zanosom shvatio sve složene tehnološke aspekte nakita, kao što su legure nakita, pozlata, patiniranje, postižući odlične rezultate.”
Kao i kod drugih gore spomenutih draguljara, 1900. godina je bila od velike važnosti za Luciena Gaillarda. Te godine se u njegovom životu dogodilo nekoliko događaja odjednom - nabavio je novu zgradu, pozvao japanske majstore da rade, pomažući mu da shvati zamršenosti nacionalne umjetnosti i, naravno, sudjelovao na Svjetskoj izložbi u Parizu, gdje je dobio nagradu. Grand Prix, a osim toga, upoznao se i sa najnovijim radovima Renéa Laliquea, kojeg je nazvao svojom inspiracijom.
Dva majstora su imala zajedničku osobinu - obojica su izmislili nove tehnike, pokušavajući da daju poseban karakter svojim radovima. Ali ono što je Gaillarda razlikovalo od Laliquea bila je njegova privlačnost japanskoj umjetnosti i japanskim tehnikama, zahvaljujući kojima su Gaillardova djela bila suzdržanija u boji i kompoziciji.
Jedno od najboljih Gaillardovih djela je narukvica Apple Branch. Zlatar je uspio stvoriti vrlo zanimljiv, čak i jedinstven rad. U svakom elementu narukvice vidimo samostalnu i skladno izgrađenu kamernu sliku cvijeća na grančicama, dok su svi elementi spojeni u jedinstvenu, jednako cjelovitu kompoziciju. To je glavni princip japanskih motiva, kojeg Gaillard slijedi - usklađena ritmička struktura svih kompozicionih elemenata.
Grb krizanteme je još jedna referenca na Gaillardove japanske motive. Majstor slobodno slaže dva cvijeta, slijedeći principe prikazivanja krizantema na japanskim gravurama. Gaillard je u ovom radu koristio rog s kojeg je postepeno uklanjao slojeve. Time je postigao prozirnost, nasuprot kojoj su graciozne latice cvijeća počele djelovati voluminozno. Naglasite volumen i mliječno plave opali umetnute u jezgru krizantema.
Ništa manje zanimljiva je i velika ukosnica iz amsterdamskog Rijksmuseuma, na kojoj je Gaillard prikazao dva vretenca kako se bore oko velikog citrina. Prirodni motiv je vrlo prirodan, dinamičan i ekspresivan. Zlatar je dekoraciju izveo sa velikom realističnom autentičnošću, prenoseći neposrednost brzog kretanja insekata.
Gaillard također hrabro kombinuje dragocjene i poludragocjene materijale u ovom komadu nakita: krila insekata izrađena su od prozirnog roga i ukrašena smaragdima. Vrhovi krila su prekriveni emajlom uokvirenim sitnim dijamantima. Tijela vilinih konjica izrađena su od zlata i ukrašena prugama tamnozelenog i plavog camplevé emajla.
Godine 1902. nekoliko radova Luciena Gaillarda predstavljeno je na izložbi u Glasgowu i doživjelo je toliki uspjeh da mu je nakon toga francuska vlada dodijelila Legiju časti. Od tog trenutka, Gaillard je postao jedan od najpoznatijih francuskih draguljara ere secesije, ali je nakon 1910. godine njegova kreativna aktivnost počela jenjavati sve dok se konačno nije završila 1925. godine.
Svaki od junaka ovog članka imao je svoj jedinstveni stil i svoj pristup kreiranju nakita, ali sve ih je ujedinila želja da stvaraju ne samo dragi nakit, već istinski umjetničke stvari, koristeći za njih i drago kamenje i metale, i materijala koji se ne smatraju vrednim u nakitu. Prvobitne ideje ovih velikih majstora pretvorile su poludragi metal i kamenje u prava umjetnička djela, a sami su zauvijek upisani u svjetsku povijest.
