Mentre els mestres de l'historicisme reproduïen i combinaven els estils més diversos del passat, portant-lo a un cert automatisme, l'Art Nouveau va irrompre en l'art com un remolí, com un vent de mar fresc, alliberador, purificador, inspirador. Va obrir un món de noves formes, nous materials, noves combinacions.
L'Art Nouveau va ser un fenomen artístic a curt termini, però increïblement bell i alhora molt complex que abraçava absolutament tot tipus d'art, inclosa la joieria. L'era de la modernitat va donar al món tota una galàxia de grans mestres, que, al seu torn, van donar una nova vida a l'art de la joieria i el van portar a l'avantguarda de l'"últim gran estil". En aquest article coneixerem alguns dels personatges principals de l'època: René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever i Lucien Gaillard.
El geni de la joieria René Jules Lalique
El geni indiscutible i líder entre els joiers del seu temps va ser destacat mestre René Laliqueen l'obra del qual es va plasmar l'essència mateixa de l'Art Nouveau francès. El seu ús de materials no preciosos i sovint trencadissos, especialment el vidre modelat, va ser revolucionari per a la seva època.
René Lalique va néixer l'any 1860 al petit poble d'Ay, a 28 quilòmetres al sud de Reims. El 1876 va començar a estudiar amb el principal joier parisenc Louis Ocock, i el 1878 va marxar a Londres, on va estudiar disseny en exclusiva durant els dos anys següents. Va ser aquesta educació integral la que li va permetre fabricar de manera independent totes les seves joies en el futur, des de la creació d'esbossos fins als retocs finals en obres acabades. En els primers anys de treball, Lalique va fer esbossos per a mestres tan famosos com Cartier, Boucheron, Vever.
Aquest últim, al seu torn, va tenir un paper important en el desenvolupament de l'estil propi de Lalique. L'any 1886, Jules Destape li va donar el seu taller de joieria "en reconeixement al seu talent singular". Ara René Lalique, disposant de tot el necessari per a la feina, es va dirigir a la recerca d'inspiració, que va trobar en les idees del moviment Arts and Crafts, que reclamava el ressorgiment de les arts i els oficis i promogué motius vegetals i animals. Abraçant aquestes idees, Lalique va evolucionar en sincronia amb elles i es va convertir en la primera a portar l'Art Nouveau a l'art de la joieria.
Lalique va presentar la seva primera joieria modernista a l'Exposició Mundial de 1897 a Brussel·les. Però l'esdeveniment principal de la seva biografia creativa va ser l'Exposició Mundial de París el 1900. Per la seva exposició de joies, Lalique va rebre el Gran Premi i el govern li va atorgar l'Ordre de la Legió d'Honor. Va ser un autèntic triomf.
El crític francès Léonce Benedite va escriure sobre ell com "Un autèntic innovador. Ell (Lalique) va ser qui va enderrocar antigues barreres, va bolcar tradicions fortes i va crear un nou llenguatge"..
Els investigadors anomenen René Lalique el mestre de tres "F" - "femme", "flore", "faune". Eren les dones, la flora i la fauna les que ocupaven un lloc central en l'obra del mestre, i les dones s'anomenaven primeres per un motiu. Els bonics mascarons i nus de pèl llarg esdevenen un motiu recurrent a les joies de Lalique. I encara que l'Art Nouveau es considerava generalment un estil femení, ja que la majoria d'artistes es van dirigir a les imatges femenines, calia tenir el coratge d'utilitzar el cos femení nu i elegant en joies.
Un dels productes més famosos de René Lalique, en el qual es refereix a la imatge femenina, és la decoració de ramilleria "Dona llibèlula", realitzada per ell el 1897-1898. Avui es troba a la col·lecció del Museu Gulbenkian de Lisboa, fundat pel financer i magnat del petroli Calouste Gulbenkian, que va reunir una col·lecció única d'obres de Lalique.
En aquesta joia, René Lalique crea un aspecte molt inusual que combina una dona, una libèl·lula i una quimera. Literalment davant els nostres ulls, té lloc una transformació fantàstica: una bella dona amb ales de libèl·lula en lloc de mans apareix de la boca d'una quimera amb grans potes amb urpes.
Se sap que aquesta decoració de ramilleria formava part del vestit de Sarah Bernhardt, en què brillava a l'escenari del teatre. I el 1900, la "Dona Libélula", així com una sèrie d'obres de Lalique, ara a la col·lecció del Museu Gulbenkian (tiara de pinta "Cockerel", collaret-gargantilla "Paisatge forestal", joieria de ramilleria "Serps") es van mostrar a l'Exposició Universal de París i van causar sorpresa i admiració, tant entre els visitants com entre la crítica.
El collaret de gargantilla Forest Landscape és una creació igualment excepcional de Lalique. Consta de tres parts, que presenten una única composició complexa i polièdrica. En primer pla, Lalique representava troncs d'arbres daurats, a través dels quals al mig del terme veiem un llac d'òpals, els desbordaments dels quals creen la il·lusió del moviment de l'aigua. Al fons hi ha la riba del llac, creada a partir de diamants imitant la sorra. Aquesta decoració impressiona no només per la seva inusualitat, sinó també pel realisme del paisatge representat.
Els penjolls Lalique asimètrics són encantadors, on el joier representa fragments de paisatges forestals: hivern o tardor. Entre ells, destaca el penjoll Paisatge d'hivern, creat el 1900-1901. En una forma complexa, Lalique posa un vidre laminat blau-gris amb troncs d'arbres que apareixen com en una boira del crepuscle hivernal. L'ús del vidre s'ha convertit en una de les característiques de la creativitat de Lalique, altres joiers coneguts no van utilitzar vidre a causa del complex procés tecnològic de la seva creació. Damunt del fons de vidre de la dreta, el joier ha col·locat un avet cobert de neu fet amb la tècnica de l'esmalt. La composició està emmarcada per branques d'avet daurat amb insercions d'aiguamarina i un penjoll de perles.
La varietat de temes a les obres de Lalique era enorme: paisatges (bosc, hivern, primavera), fulles de tardor, flors i baies d'estiu, animals i ocells, rèptils i insectes. Però tots ells estan units per la complexitat i la singularitat de les composicions, molts detalls treballats a fons i materials i tècniques no estàndard amb els quals el joier experimenta constantment. Com ell mateix va escriure:
“... Vaig haver d'anar a l'extrem per renunciar a tot el que havia aconseguit abans. Vaig treballar sense parar: dibuixant, modelant, fent investigacions tècniques i experiments de tot tipus, sempre decidit a fer les coses i crear alguna cosa completament nova”.
Després de 1910, René Lalique es va concentrar en el treball del vidre i va aconseguir cotes sense precedents en aquest aspecte. En les dècades següents van aparèixer els seus fantàstics gerros, llums, ampolles de perfum i fins i tot mascotes de cotxes i decoracions arquitectòniques, gràcies als quals la seva fama no es va esvair fins a la mort del mestre l'1 de maig de 1945. I la seva companyia va sobreviure a la guerra i avui existeix amb èxit.
El joier Georges Fouquet
Un altre joier emblemàtic de l'època modernista va ser Georges Fouquet. Va néixer l'any 1862 del famós joier Alfons Fouquet, que es va fer famós a la dècada de 1870 per les seves joies neorrenaixentistes. Georges va estudiar joieria amb el seu pare i el 1880 va començar a treballar a la seva empresa de joieria. L'any 1895, Alfons Fouquet va cedir la direcció del negoci al seu fill, i es va posar a treballar amb il·lusió, amb ganes de donar nova vida a l'empresa del seu pare.
El joier Henri Vever va escriure d'ell: "Treballador incansable, el fascinava tot el nou, i la seva recerca d'inspiració era incansable".
El 1898, Fouquet va presentar la seva primera joieria modernista. Les sensuals línies corbes, els esmalts apagats i les textures subtils eren molt efectives i gairebé iguals a les joies de René Lalique. Però el mateix Fouquet, a diferència de Lalique, no era dissenyador i va atreure a treballar molts artistes famosos de la seva època. La seva col·laboració amb Alfons Maria Mucha, un artista l'obra del qual també s'ha convertit en un vívid símbol de l'època modernista, ha passat a la història.
El seu coneixement es va produir gràcies a Sarah Bernhardt, que l'any 1898 va arribar a la joieria Georges Fouquet amb un esbós d'una polsera de serp creada per Alfons Mucha. Aquesta polsera formava part del vestuari de Medea de la representació homònima basada en l'obra de Katul Mendez, estrenada el mateix 1898.
Al cartell d'Alfons Mucha es pot veure una polsera semblant a la mà de Sary Medea. Probablement, l'actriu desitjava tenir-ne un a la seva vida, i va encarregar a Alfons Mucha que el dissenyés, i va escollir Fouquet com a intèrpret. El joier va quedar tan fascinat pel disseny de la polsera que va proposar a Alfons Mucha de crear una col·lecció de joies per a l'Exposició Mundial de 1900 a París. Així va néixer una sèrie de collarets capritxosos, fermalls i braçalets de cors intricat, que, tot i que incòmodes i força pesats, encarnaven l'estil únic d'Alfons Mucha i demostraven l'habilitat de Georges Fouquet.
Els visitants de l'exposició van veure les joies encarnades dels cartells de Mucha. Van causar una forta impressió, però els crítics van ser durs en les seves valoracions, anomenant-los "decoracions estranyes amb decoracions estranyes". La col·laboració entre Fouquet i Mucha va durar només uns quants anys, però va ser la que va ajudar a canviar l'estil de la joieria de Georges Fouquet i va donar fama a la seva empresa.
A més de crear joies, Fouquet va escriure articles i llibres, en un dels quals va proclamar:
"No són les joies de luxe les que sobreviuran, sinó aquelles en què el preu dels materials és inferior a la seva bellesa: aiguamarina, ametista, topazi, turmalina. L'art que mai envelleix allargarà la vida d'aquestes joies. Mai es desmuntaran per reutilitzar les pedres. Aquestes coses són principalment obres d'art, i no una manera d'invertir diners.
El joier Henri Vever
Henri Vever és el tercer heroi d'aquesta història i un altre mestre destacat de l'època modernista. Com Fouquet, Vever a principis del segle XX era el cap de l'empresa familiar de joieria Maison Vever, fundada pel seu avi el 1821. Henri Vever va néixer l'any 1854 i des de la seva joventut, juntament amb el seu germà Paul, va estudiar la direcció de l'empresa familiar, i també va estudiar dibuix, modelatge i disseny ornamental a l'Ecole des Beaux-Arts de París. Així, quan el pare d'Henri i Paul es va jubilar el 1881, ja tenia successors dignes. Paul era responsable del desenvolupament comercial de l'empresa, mentre que Henri era responsable del disseny i producció de joies. Gràcies a Henri Vever, l'estil de l'empresa de joieria va anar transformant progressivament de l'historicisme a la modernitat.
A l'Exposició Mundial de París de 1900, Maison Vever va rebre un segon Gran Premi per les seves exquisides joies modernistes, considerades els millors èxits de l'empresa. Tanmateix, tot i que tenien tots els trets característics de l'estil (imatges femenines refinades, flora i fauna), les joies d'Henri Vever eren més conservadores en comparació amb els productes extravagants de René Lalique.
Una altra diferència de "Maison Vever" era que la firma treballava principalment amb metalls preciosos i pedres precioses. Henri no tenia el mateix coratge i interès pels experiments que els seus col·legues, i molt menys sovint va recórrer a materials barats.
A més de la joieria, Henri Vever es va fer famós com a col·leccionista de gravats japonesos, així com com a autor d'una de les obres científiques més importants sobre joieria: "La joieria francesa del segle XIX". En aquest llibre, descriu amb detall el desenvolupament de la joieria, des de l'època del Consolat fins a l'època de l'Art Nouveau.
Mestre Lucien Gaillard
I l'últim heroi d'aquest article serà Lucien Gaillard. Avui és molt menys conegut que Lalique, Fouquet i fins i tot Vever, però no és una figura menys important en l'art de la joieria modernista. La principal diferència entre les seves joies era l'atractiu per l'art japonès.
L'art japonès va ser una de les principals fonts de l'Art Nouveau, va inspirar als mestres europeus amb un ritme dinàmic i flexibilitat de línies de decoració vegetal, un moviment incomplet, lleugeresa i una estilització especial que van convertir els motius naturals en patrons decoratius.
Lucien Gaillard va néixer l'any 1861 i, com els dos artesans anteriors, va començar la seva carrera com a alumne del seu pare, l'argenter Ernest Gaillard. Durant la seva formació, va dominar perfectament les tècniques de la persecució i el gravat en or i plata, va assistir a diferents cursos de joieria dels mestres Dujardin i Salmon, i finalment va superar el seu pare. El 1892, Ernest Gaillard va cedir el seu taller al seu fill.
Ja al començament de la seva carrera, Lucien Gaillard es va interessar pels aliatges i vernissos japonesos, que no s'utilitzaven a França, però que eren tan deliciosos que van sorprendre tant els seus contemporanis com les futures generacions d'investigadors del seu treball.
El joier Henri Vever parlava d'ell d'aquesta manera: "Passionat enamorat de la seva professió, un investigador incansable que va encantar amb el seu treball, Gaillard va comprendre amb entusiasme, amb extasi tots els aspectes tecnològics complexos de la joieria, com ara els aliatges de joieria, el daurat, el patinat, obtenint excel·lents resultats".
Com amb els altres joiers esmentats anteriorment, l'any 1900 va ser de gran importància per a Lucien Gaillard. Aquell any, van passar diversos esdeveniments a la seva vida alhora: va adquirir un nou edifici, va convidar mestres japonesos a treballar, ajudant-lo a entendre les complexitats de l'art nacional i, per descomptat, va participar a l'Exposició Mundial de París, on va rebre el premi. Gran Premi, i a més A més, va conèixer les últimes obres de René Lalique, a qui va anomenar la seva inspiració.
Els dos mestres tenien una característica comuna: tots dos van inventar noves tècniques, intentant donar un caràcter especial a les seves obres. Però el que va distingir Gaillard de Lalique va ser el seu atractiu per l'art japonès i les tècniques japoneses, gràcies a les quals les obres de Gaillard eren més restringides en color i composició.
Una de les millors obres de Gaillard és la polsera Apple Branch. El joier va aconseguir crear una obra molt interessant, fins i tot única. A cada element de la polsera, veiem una imatge de cambra independent i harmoniosa de flors a les branques, mentre que tots els elements es combinen en una única composició igualment integral. Aquest és el principi principal dels motius japonesos, que Gaillard segueix: una estructura rítmica harmonitzada de tots els elements compositius.
La cresta del crisantem és una altra referència als motius japonesos de Gaillard. El mestre disposa lliurement dues flors, seguint els principis de representar crisantems en gravats japonesos. Gaillard va utilitzar una banya en aquesta obra, de la qual va anar eliminant les capes a poc a poc. En fer això, va aconseguir la translucidència, contra la qual els elegants pètals de flors van començar a semblar voluminosos. Destaca el volum i els òpals blaus lletosos incrustats al nucli dels crisantems.
No menys interessant és una gran forquilla del Rijksmuseum d'Amsterdam, on Gaillard representava dues libèl·lules lluitant per un gran citrí. El motiu natural és molt naturalista, dinàmic i expressiu. El joier va executar la decoració amb una gran autenticitat realista, transmetent la immediatesa del ràpid moviment dels insectes.
Gaillard també combina amb valentia materials preciosos i semipreciosos en aquesta joieria: les ales d'insectes estan fetes de banya transparent i adornades amb maragdes. Les puntes de les ales estan cobertes d'esmalt emmarcat amb una dispersió de petits diamants. Els cossos de libèl·lula estan fets d'or i decorats amb ratlles d'esmalt champlevé verd fosc i blau.
L'any 1902, diverses obres de Lucien Gaillard es van presentar en una exposició a Glasgow i van tenir un èxit tal que després el govern francès li va concedir la Legió d'Honor. A partir d'aquest moment, Gaillard es va convertir en un dels joiers francesos més famosos de l'època modernista, però a partir de 1910 la seva activitat creativa va començar a esvair-se fins que finalment va acabar el 1925.
Cadascun dels herois d'aquest article tenia el seu propi estil únic i el seu propi enfocament per crear joies, però tots estaven units pel desig de crear no només joies precioses, sinó coses veritablement artístiques, utilitzant tant pedres precioses com metalls, i materials, no considerats valuosos en joieria. Les idees originals d'aquests grans mestres van convertir els metalls i les pedres semiprecioses en autèntiques obres d'art, i ells mateixos van quedar inscrits per sempre en la història del món.
