Zatímco mistři historismu reprodukovali a kombinovali nejrozmanitější styly minulosti a přiváděli je k určitému automatismu, secese vtrhla do umění jako vichřice, jako svěží mořský vítr, osvobozující, očišťující, inspirující. Otevřel svět nových forem, nových materiálů, nových kombinací.
Secese byla krátkodobým, ale neuvěřitelně krásným a zároveň velmi složitým uměleckým fenoménem, který obsáhl naprosto všechny druhy umění, šperky nevyjímaje. Éra secese dala světu celou plejádu velkých mistrů, kteří zase vdechli šperkařskému umění nový život a vynesli ho do popředí „posledního velkého stylu“. V tomto článku se seznámíme s některými z hlavních postav té doby – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever a Lucien Gaillard.
Genius šperků René Jules Lalique
Nesporným géniem a vůdcem mezi klenotníky své doby byl vynikající mistr René Laliquev jehož díle byla zhmotněna samotná podstata francouzské secese. Jeho použití neušlechtilých a často křehkých materiálů, zejména lisovaného skla, bylo na svou dobu revoluční.
René Lalique se narodil v roce 1860 v malém městě Ay, 28 kilometrů jižně od Remeše. V roce 1876 začal studovat u předního pařížského klenotníka Louise Ococka a v roce 1878 odešel do Londýna, kde se další dva roky věnoval výhradně designu. Právě toto komplexní vzdělání mu umožnilo v budoucnu samostatně vyrábět všechny své šperky – od tvorby skic až po finální úpravy hotových děl. V prvních letech práce Lalique dělal skici pro takové slavné mistry jako Cartier, Boucheron, Vever.
Ten zase hrál důležitou roli ve vývoji Laliqueova vlastního stylu. V roce 1886 mu Jules Destape daroval svou klenotnickou dílnu „jako uznání jeho jedinečného talentu“. Nyní se René Lalique, mající vše potřebné k práci, obrátil k hledání inspirace, kterou našel v myšlenkách hnutí Arts and Crafts, které volalo po oživení umění a řemesel a propagovalo rostlinné a zvířecí motivy. Lalique přijal tyto myšlenky a vyvíjel se s nimi synchronizovaně a stal se prvním, kdo přinesl secesi do umění šperků.
Lalique představil své první secesní šperky na světové výstavě v Bruselu v roce 1897. Ale hlavní událostí jeho tvůrčí biografie byla světová výstava v Paříži v roce 1900. Za expozici šperků získal Lalique Grand Prix a vláda mu udělila Řád čestné legie. Byl to skutečný triumf.
Francouzský kritik Léonce Benedite o něm napsal jako „Skutečný inovátor. On (Lalique) byl tím, kdo zbořil staré bariéry, převrátil silné tradice a vytvořil nový jazyk.“.
Výzkumníci nazývají René Lalique mistrem tří "F" - "femme", "flore", "faune". Byly to ženy, flóra a fauna, které zaujímaly ústřední místo v mistrově práci, a ženy byly z nějakého důvodu jmenovány jako první. Krásné dlouhovlasé maskarony a akty se stávají opakujícím se motivem šperků Lalique. A přestože secese byla obecně považována za ženský styl, protože většina umělců se obrátila k ženským obrazům, člověk musel mít odvahu použít půvabné nahé ženské tělo ve špercích.
Jedním z nejznámějších výrobků Reného Laliqueho, ve kterém odkazuje k ženskému obrazu, je korsáž „Vážka“, kterou vyrobil v letech 1897-1898. Dnes je ve sbírce Gulbenkianova muzea v Lisabonu, založeného finančníkem a ropným magnátem Calouste Gulbenkianem, který nashromáždil unikátní sbírku děl Lalique.
V tomto šperku vytváří René Lalique velmi neobvyklý vzhled, který kombinuje ženu, vážku a chiméru. Doslova před našima očima se odehrává fantastická proměna - z tlamy chiméry s velkými drápy se objeví krásná žena s vážkovými křídly místo rukou.
Je známo, že tato korsážová ozdoba byla součástí outfitu Sarah Bernhardt, ve kterém zářila na divadelní scéně. A v roce 1900 „Žena vážky“, stejně jako řada děl Lalique, nyní ve sbírce Gulbenkianova muzea (komb-diadém „Kohout“, náhrdelník-choker „Lesní krajina“, živůtkové šperky „Hadi“). byly vystaveny na Světové výstavě v Paříži a vyvolaly překvapení a obdiv návštěvníků i kritiků.
Neméně výjimečným výtvorem Lalique je i náhrdelník Forest Landscape. Skládá se ze tří částí, které představují jedinou komplexní a mnohostrannou kompozici. V popředí Lalique znázorňoval zlaté kmeny stromů, skrze které uprostřed vidíme jezero opálů, jejichž přelivy vytvářejí iluzi pohybu vody. V pozadí je břeh jezera vytvořený z diamantů napodobujících písek. Tato dekorace zaujme nejen svou nevšedností, ale také tím, jak realisticky se zobrazovaná krajina ukázala.
Půvabné jsou asymetrické přívěsky Lalique, na kterých šperkař zobrazuje fragmenty lesní krajiny - zimní nebo podzimní. Mezi nimi vyniká přívěsek Zimní krajina, vytvořený v letech 1900-1901. Do složitého tvaru vkládá Lalique modrošedé vrstvené sklo s kmeny stromů, které vypadají jako v oparu zimního soumraku. Použití skla se stalo jedním z rysů kreativity Lalique, další známí šperkaři sklo nepoužívali kvůli složitému technologickému postupu jeho vzniku. Na skleněné pozadí vpravo umístil klenotník zasněženou jedli vyrobenou technikou emailu. Kompozice je orámována zlatými smrkovými větvemi s akvamarínovými vložkami a perlovým přívěskem.
Rozmanitost námětů v Laliqueových dílech byla obrovská - krajiny (les, zima, jaro), podzimní listí, letní květiny a bobule, zvířata a ptáci, plazi a hmyz. Všechny ale spojuje komplexnost a jedinečnost kompozic, spousta důkladně propracovaných detailů a nestandardní materiály a techniky, se kterými šperkař neustále experimentuje. Jak sám napsal:
„... Musel jsem jít do extrému, abych se vzdal všeho, čeho jsem předtím dosáhl. Pracoval jsem neúnavně: kreslil, modeloval, prováděl technický výzkum a experimenty všeho druhu, vždy odhodlaný dotáhnout věci do konce a vytvořit něco úplně nového.“
Po roce 1910 se René Lalique soustředil na práci se sklem a dosáhl v tom nebývalých výšin. V dalších desetiletích se objevovaly jeho fantastické vázy, lampy, flakony, ale i maskoti aut a architektonické dekorace, díky nimž jeho sláva až do mistrovy smrti 1. května 1945 nepohasla. A jeho společnost válku přežila a úspěšně existuje dodnes.
Klenotník Georges Fouquet
Dalším ikonickým klenotníkem éry secese byl Georges Fouquet. Narodil se roku 1862 slavnému klenotníkovi Alfonsi Fouquetovi, který se v 1870. letech 1880. století proslavil svými novorenesančními šperky. Georges studoval šperk u svého otce a v roce 1895 začal pracovat ve své klenotnické firmě. V roce XNUMX předal Alfons Fouquet vedení podniku svému synovi a ten se s nadšením pustil do práce, protože chtěl vdechnout nový život firmě svého otce.
Klenotník Henri Vever o něm napsal: "Neúnavný pracovník, byl fascinován vším novým a jeho hledání inspirace bylo neúnavné.".
V roce 1898 představil Fouquet své první secesní šperky. Smyslné zakřivené linie, tlumené emaily a jemné textury byly velmi efektní a téměř se vyrovnaly šperkům René Lalique. Sám Fouquet ale na rozdíl od Lalique nebyl designér a přitahoval k práci mnoho slavných umělců své doby. Do dějin vstoupila jeho spolupráce s Alfonsem Marií Muchou, umělcem, jehož dílo se stalo také živým symbolem secese.
K jejich seznámení došlo díky Sarah Bernhardtové, která v roce 1898 přišla do klenotnictví Georges Fouquet s náčrtem hadího náramku vytvořeného Alfonsem Muchou. Tento náramek byl součástí kostýmu Médei ze stejnojmenného představení založeného na hře Katul Mendez, která měla premiéru ve stejném roce 1898.
Na plakátu Alfonse Muchy je podobný náramek vidět na ruce Sary Medea. Pravděpodobně si herečka přála mít ve svém životě jeden a objednala Alfonse Muchu, aby jej navrhl, a vybral si Fouqueta jako účinkujícího. Klenotníka zaujal design náramku natolik, že navrhl, aby Alfons Mucha vytvořil kolekci šperků pro světovou výstavu 1900 v Paříži. Tak se zrodila řada rozmarných náhrdelníků, složitých živůtkových broží a náramků, které, ač nepohodlné a poměrně těžké, ztělesňovaly jedinečný styl Alfonse Muchy a demonstrovaly zručnost Georgese Fouqueta.
Návštěvníci výstavy viděli ztělesněné šperky z Muchových plakátů. Udělali silný dojem, ale kritici byli ve svých hodnoceních přísní a nazývali je „podivnými dekoracemi s podivnými dekoracemi“. Spolupráce mezi Fouquetem a Muchou trvala jen pár let, ale byla to právě ona, která pomohla změnit styl šperků Georges Fouquet a přinesla jeho firmě slávu.
Kromě tvorby šperků psal Fouquet články a knihy, v jedné z nich prohlásil:
„Nepřežijí luxusní šperky, ale takové, u kterých je cena materiálů nižší než jejich krása – akvamarín, ametyst, topaz, turmalín. Umění, které nikdy nezestárne, prodlouží životnost těchto šperků. Nikdy nebudou rozebrány pro opětovné použití kamenů. Tyto věci jsou primárně umělecká díla a ne způsob, jak investovat peníze.
Klenotník Henri Vever
Henri Vever je třetím hrdinou tohoto příběhu a dalším vynikajícím mistrem éry secese. Stejně jako Fouquet byl i Vever na počátku 1821. století šéfem rodinné klenotnické firmy Maison Vever, založené jeho dědečkem v roce 1854. Henri Vever se narodil v roce 1881 a od mládí studoval spolu se svým bratrem Paulem řízení rodinného podniku a také kresbu, modelování a ornamentální design na Ecole des Beaux-Arts v Paříži. V době, kdy Henri a Paulův otec odešel v roce XNUMX do důchodu, měl tedy hodné nástupce. Paul byl zodpovědný za obchodní vývoj ve firmě, zatímco Henri byl zodpovědný za design a výrobu šperků. Styl šperkařské firmy se díky Henri Veverovi postupně proměnil z historismu na modernu.
Na světové výstavě v Paříži v roce 1900 získal Maison Vever druhou Grand Prix za své nádherné secesní šperky, považované za nejlepší úspěchy společnosti. Přestože však měly všechny charakteristické rysy stylu (rafinované ženské obrazy, flóru a faunu), šperky Henri Vever byly ve srovnání s extravagantními produkty René Lalique konzervativnější.
Dalším rozdílem "Maison Vever" bylo, že firma pracovala převážně s drahými kovy a drahými kameny. Henri neměl stejnou odvahu a zájem o experimenty jako jeho kolegové a mnohem méně často se uchýlil k levným materiálům.
Kromě šperků se Henri Vever proslavil jako sběratel japonských rytin a také jako autor jedné z nejvýznamnějších vědeckých prací o špercích - „Francouzské šperky XNUMX. století“. V této knize podrobně popisuje vývoj šperků od éry konzulátu až po éru secese.
Maestro Lucien Gaillard
A posledním hrdinou tohoto článku bude Lucien Gaillard. Dnes je znám mnohem méně než Lalique, Fouquet a dokonce Vever, ale je neméně důležitou postavou secesního šperkařského umění. Hlavním rozdílem mezi jeho šperky byla přitažlivost k japonskému umění.
Japonské umění bylo jedním z hlavních zdrojů secese, evropské mistry inspirovalo dynamickým rytmem a flexibilitou rostlinných dekoračních linií, nekompletností pohybu, lehkostí a zvláštní stylizací, která proměnila přírodní motivy v dekorativní vzory.
Lucien Gaillard se narodil v roce 1861 a stejně jako dva předchozí řemeslníci začal svou kariéru jako žák svého otce, stříbrníka Ernesta Gaillarda. Během svého formování dokonale ovládal techniky honění a rytí do zlata a stříbra, navštěvoval mnoho různých šperkařských kurzů mistrů Dujardina a Salmona a nakonec předčil svého otce. V roce 1892 předal Ernest Gaillard svou dílnu svému synovi.
Lucien Gaillard se již na začátku své kariéry začal zajímat o japonské slitiny a laky, které se ve Francii nepoužívaly, ale byly tak rozkošné, že udivovaly jeho současníky i budoucí generace badatelů jeho díla.
Klenotník Henri Vever o něm mluvil takto: "Vášnivě zamilovaný do své profese, neúnavný badatel, který okouzlil svou prací, Gaillard nadšeně, s nadšením pochopil všechny složité technologické aspekty šperků, jako jsou slitiny šperků, zlacení, patinování, dosahoval vynikajících výsledků."
Stejně jako u ostatních výše zmíněných klenotníků měl rok 1900 pro Luciena Gaillarda velký význam. Toho roku se v jeho životě stalo několik událostí najednou - pořídil si novou budovu, pozval k práci japonské mistry, kteří mu pomohli pochopit složitosti národního umění a samozřejmě se zúčastnil světové výstavy v Paříži, kde získal Grand Prix a kromě toho se seznámil s nejnovějšími díly Reného Laliqueho, kterého nazýval svou inspirací.
Oba mistři měli společný rys – oba vymýšleli nové techniky a snažili se dát svým dílům osobitý charakter. Co však odlišovalo Gaillarda od Lalique, byla jeho přitažlivost k japonskému umění a japonským technikám, díky nimž byla Gaillardova díla barevně a kompozičně střídmější.
Jedním z nejlepších Gaillardových děl je náramek Apple Branch. Klenotníkovi se podařilo vytvořit velmi zajímavé, až unikátní dílo. V každém prvku náramku vidíme nezávislý a harmonicky vybudovaný komorní obraz květin na větvích, přičemž všechny prvky jsou spojeny do jediné, stejně celistvé kompozice. To je hlavní princip japonských motivů, kterým se Gaillard řídí – sladěná rytmická struktura všech kompozičních prvků.
Hřeben chryzantémy je dalším odkazem na japonské motivy od Gaillarda. Mistr volně aranžuje dvě květiny podle zásad zobrazování chryzantém v japonských rytinách. Gaillard při této práci použil roh, ze kterého postupně odstraňoval vrstvy. Tím docílil průsvitnosti, proti které mu ladné okvětní plátky začaly připadat objemné. Zdůrazněte objem a mléčně modré opály vykládané v jádru chryzantém.
Neméně zajímavá je velká vlásenka z amsterdamského Rijksmusea, na které Gaillard znázornil dvě vážky bojující o velký citrín. Přírodní motiv je velmi naturalistický, dynamický a výrazný. Klenotník provedl dekoraci s velkou realistickou autenticitou, zprostředkovávající bezprostřednost rychlého pohybu hmyzu.
Gaillard také v tomto šperku odvážně kombinuje vzácné a polodrahokamy: hmyzí křídla jsou vyrobena z průhledné rohoviny a ozdobena smaragdy. Konce křídel jsou pokryty smaltem orámovaným rozptylem malých diamantů. Těla vážek jsou vyrobena ze zlata a zdobena pruhy tmavě zeleného a modrého champlevé smaltu.
V roce 1902 bylo několik děl Luciena Gaillarda představeno na výstavě v Glasgow a mělo takový úspěch, že mu poté francouzská vláda udělila Čestnou legii. Od této chvíle se Gaillard stal jedním z nejznámějších francouzských klenotníků secese, ale po roce 1910 se jeho tvůrčí činnost začala vytrácet, až v roce 1925 definitivně skončila.
Každý z hrdinů tohoto článku měl svůj vlastní jedinečný styl a svůj vlastní přístup k tvorbě šperků, ale všechny spojovala touha vytvářet nejen drahé šperky, ale skutečně umělecké věci, používat pro ně jak drahé kameny, tak kovy, a materiály, které nejsou považovány za cenné ve šperkařství. Původní nápady těchto velkých mistrů proměnily polodrahokamy a kameny ve skutečná umělecká díla a samy se navždy zapsaly do světových dějin.
