Mens historicismens mestre reproducerede og kombinerede fortidens mest forskelligartede stilarter og bragte den til en vis automatisme, brød jugendstilen ind i kunsten som en hvirvelvind, som en frisk havvind, frigørende, rensende, inspirerende. Han åbnede en verden af nye former, nye materialer, nye kombinationer.
Art Nouveau var et kortvarigt, men utrolig smukt og samtidig meget komplekst kunstnerisk fænomen, der omfattede absolut alle former for kunst, også smykker. Modernitetens æra gav verden en hel galakse af store mestre, som til gengæld pustede nyt liv i smykkekunsten og bragte den i spidsen for den "sidste store stil". I denne artikel vil vi lære nogle af æraens hovedpersoner at kende - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever og Lucien Gaillard.
Smykkegeniet René Jules Lalique
Det ubestridte geni og leder blandt sin tids juvelerer var fremragende mester René Laliquei hvis værk selve essensen af fransk art nouveau var inkarneret. Hans brug af uædle og ofte skøre materialer, især støbt glas, var revolutionerende for hans tid.
René Lalique blev født i 1860 i den lille by Ay, 28 kilometer syd for Reims. I 1876 begyndte han at studere hos den førende parisiske juveler Louis Ocock, og i 1878 tog han til London, hvor han udelukkende studerede design i de næste to år. Det var denne omfattende uddannelse, der gav ham mulighed for selvstændigt at fremstille alle sine smykker i fremtiden - fra skabelsen af skitser til den sidste hånd i færdige værker. I de tidlige år af arbejdet lavede Lalique skitser til så berømte mestre som Cartier, Boucheron, Vever.
Sidstnævnte spillede til gengæld en vigtig rolle i udviklingen af Laliques egen stil. I 1886 gav Jules Destape ham sit smykkeværksted "i anerkendelse af hans unikke talent." Nu vendte René Lalique, der havde alt det nødvendige til arbejdet, til søgen efter inspiration, som han fandt i ideerne fra Arts and Crafts-bevægelsen, som opfordrede til genoplivning af kunst og kunsthåndværk og fremmede plante- og dyremotiver. Ved at omfavne disse ideer udviklede Lalique sig synkront med dem og blev den første til at bringe Art Nouveau til smykkekunsten.
Lalique præsenterede sine første jugendstil-smykker på verdensudstillingen i 1897 i Bruxelles. Men hovedbegivenheden i hans kreative biografi var verdensudstillingen i Paris i 1900. For sin smykkeudstilling modtog Lalique Grand Prix, og regeringen tildelte ham Æreslegionens Orden. Det var en sand triumf.
Den franske kritiker Léonce Benedite skrev om ham som "En sand innovator. Han (Lalique) var den, der rev gamle barrierer ned, væltede stærke traditioner og skabte et nyt sprog.".
Forskere kalder René Lalique mesteren af tre "F" - "femme", "flore", "faune". Det var kvinder, flora og fauna, der indtog en central plads i mesterens arbejde, og kvinderne blev navngivet først af en grund. Smukke langhårede mascarons og nøgenbilleder bliver et tilbagevendende motiv i Lalique smykker. Og selvom Art Nouveau generelt blev betragtet som en feminin stil, da de fleste kunstnere vendte sig mod kvindebilleder, skulle man have modet til at bruge den yndefulde nøgne kvindekrop i smykker.
Et af René Laliques mest kendte produkter, hvori han refererer til kvindebilledet, er corsage-dekorationen "Dragonfly Woman", lavet af ham i 1897-1898. I dag er det i samlingen på Gulbenkian-museet i Lissabon, grundlagt af finansmanden og oliemagnaten Calouste Gulbenkian, som samlede en unik samling af Lalique-værker.
I denne juvel skaber René Lalique et meget usædvanligt look, der kombinerer en kvinde, en guldsmede og en kimær. Bogstaveligt talt foran vores øjne finder en fantastisk transformation sted - en smuk kvinde med guldsmedevinger i stedet for hænder dukker op fra munden på en kimær med store kløede poter.
Det er kendt, at denne corsage-dekoration var en del af Sarah Bernhardts outfit, hvor hun strålede på teaterscenen. Og i 1900, "Dragonfly Woman", såvel som en række værker af Lalique, nu i samlingen af Gulbenkian Museum (kam-tiara "Cockerel", halskæde-choker "Forest Landscape", corsage smykker "Snakes") blev vist på verdensudstillingen i Paris og vakte overraskelse og beundring, både blandt besøgende og kritikere.
Forest Landscape choker-halskæden er en lige så fremragende kreation af Lalique. Den består af tre dele, som præsenterer en enkelt kompleks og mangefacetteret sammensætning. I forgrunden afbildede Lalique gyldne træstammer, hvorigennem vi i mellemgrunden ser en sø af opaler, hvis overløb skaber en illusion af vandbevægelse. I baggrunden ses kysten af søen, skabt af diamanter, der efterligner sand. Denne dekoration imponerer ikke kun med sin usædvanlighed, men også med hvor realistisk det afbildede landskab viste sig at være.
Asymmetriske Lalique vedhæng er charmerende, hvorpå juveleren afbilder fragmenter af skovlandskaber - vinter eller efterår. Blandt dem skiller Vinterlandskabsvedhænget, skabt i 1900-1901, sig ud. I en kompleks form sætter Lalique blå-grå lamineret glas med træstammer, der fremstår som i en dis af vintertusmørke. Brugen af glas er blevet et af kendetegnene ved Laliques kreativitet, andre kendte juvelerer brugte ikke glas på grund af den komplekse teknologiske proces med dets skabelse. Oven på glasbaggrunden til højre har guldsmeden placeret et snedækket grantræ lavet efter emaljeteknikken. Sammensætningen er indrammet af gyldne grangrene med akvamarinindsatser og et perlevedhæng.
Variationen af emner i Laliques værker var enorm - landskaber (skov, vinter, forår), efterårsblade, sommerblomster og bær, dyr og fugle, krybdyr og insekter. Men alle er forenet af kompositionernes kompleksitet og unikke karakter, en masse gennemarbejdede detaljer og ikke-standardiserede materialer og teknikker, som guldsmeden konstant eksperimenterer med. Som han selv skrev:
“... Jeg var nødt til at gå til det yderste for at opgive alt det, jeg havde opnået før. Jeg arbejdede ubønhørligt: tegnede, modellerede, lavede teknisk forskning og eksperimenter af enhver art, altid fast besluttet på at få tingene gjort og skabe noget helt nyt."
Efter 1910 koncentrerede René Lalique sig om at arbejde med glas og opnåede hidtil usete højder i dette. I de følgende årtier dukkede hans fantastiske vaser, lamper, parfumeflasker og endda bilmaskoter og arkitektoniske dekorationer op, takket være hvilke hans berømmelse ikke forsvandt før mesterens død den 1. maj 1945. Og hans firma overlevede krigen og eksisterer med succes i dag.
Juveler Georges Fouquet
En anden ikonisk juveler fra jugendtiden var Georges Fouquet. Han blev født i 1862 af den berømte juveler Alfons Fouquet, som blev berømt i 1870'erne for sine neo-renæssancesmykker. Georges studerede smykker sammen med sin far og begyndte i 1880 at arbejde i sit smykkefirma. I 1895 overdrog Alfons Fouquet ledelsen af virksomheden til sin søn, og han gik i gang med entusiasme og ville puste nyt liv i sin fars firma.
Juveleren Henri Vever skrev om ham: "En utrættelig arbejder, han var fascineret af alt nyt, og hans søgen efter inspiration var utrættelig".
I 1898 introducerede Fouquet sine første Art Nouveau-smykker. Sensuelle buede linjer, dæmpede emaljer og subtile teksturer var meget effektive og næsten lig med René Lalique smykker. Men Fouquet selv, i modsætning til Lalique, var ikke en designer og tiltrak mange berømte kunstnere fra sin tid til at arbejde. Hans samarbejde med Alfons Maria Mucha, en kunstner, hvis arbejde også er blevet et levende symbol på jugendtiden, er gået over i historien.
Deres bekendtskab fandt sted takket være Sarah Bernhardt, som i 1898 kom til Georges Fouquet-smykkeforretningen med en skitse af et slangearmbånd skabt af Alfons Mucha. Dette armbånd var en del af Medeas kostume fra forestillingen af samme navn baseret på skuespillet af Katul Mendez, som havde premiere i samme 1898.
På Alfons Mucha-plakaten kan man se et lignende armbånd på Sary Medeas hånd. Sandsynligvis ønskede skuespillerinden at have en i sit liv og beordrede Alfons Mucha til at designe den og valgte Fouquet som performer. Juveleren var så fascineret af armbåndets design, at han foreslog, at Alfons Mucha lavede en kollektion af smykker til verdensudstillingen i 1900 i Paris. Således blev der født en række finurlige halskæder, indviklede corsage-brocher og armbånd, som, selv om de var ubehagelige og ret tunge, legemliggjorde Alfons Muchas unikke stil og demonstrerede Georges Fouquets dygtighed.
Besøgende på udstillingen så de legemliggjorte juveler fra Muchas plakater. De gjorde et stærkt indtryk, men kritikerne var hårde i deres vurderinger og kaldte dem "mærkelige dekorationer med mærkelige dekorationer." Samarbejdet mellem Fouquet og Mucha varede kun et par år, men det var det, der var med til at ændre stilen på Georges Fouquet-smykker og bragte berømmelse til hans virksomhed.
Ud over at skabe smykker skrev Fouquet artikler og bøger, hvoraf han proklamerede:
"Det er ikke luksuriøse smykker, der vil overleve, men dem, hvor prisen på materialer er mindre end deres skønhed - akvamarin, ametyst, topas, turmalin. Kunst, der aldrig bliver gammel, vil forlænge levetiden for disse juveler. De vil aldrig blive adskilt for at genbruge stenene. Disse ting er primært kunstværker, og ikke en måde at investere penge på.
Juveler Henri Vever
Henri Vever er den tredje helt i denne historie og en anden fremragende mester i Art Nouveau-æraen. Ligesom Fouquet var Vever i begyndelsen af det 1821. århundrede leder af familiens smykkefirma Maison Vever, grundlagt af hans bedstefar i 1854. Henri Vever blev født i 1881 og studerede fra sin ungdom sammen med sin bror Paul ledelsen af familievirksomheden og studerede også tegning, skulptur og ornamental design på École des Beaux-Arts i Paris. Da Henri og Pauls far gik på pension i XNUMX, havde han således værdige efterfølgere. Paul var ansvarlig for kommerciel udvikling i firmaet, mens Henri var ansvarlig for design og produktion af smykker. Takket være Henri Vever forvandlede smykkefirmaets stil sig gradvist fra historicisme til modernitet.
Ved verdensudstillingen i Paris i 1900 modtog Maison Vever endnu et Grand Prix for sine udsøgte jugendstil-smykker, der betragtes som virksomhedens bedste præstationer. Men selvom de havde alle stilens karakteristiske træk (raffinerede kvindebilleder, flora og fauna), var Henri Vever-smykker mere konservative sammenlignet med de ekstravagante produkter fra René Lalique.
En anden forskel på "Maison Vever" var, at firmaet hovedsageligt arbejdede med ædelmetaller og ædelsten. Henri havde ikke samme mod og interesse for eksperimenter som sine kolleger, og meget sjældnere tyede han til billige materialer.
Ud over smykker blev Henri Vever berømt som en samler af japanske graveringer, såvel som forfatteren af et af de vigtigste videnskabelige værker om smykker - "Franske smykker fra det XNUMX. århundrede". I denne bog beskriver han detaljeret udviklingen af smykker, fra konsulatets æra til Art Nouveau-æraen.
Maestro Lucien Gaillard
Og den sidste helt i denne artikel vil være Lucien Gaillard. Han er i dag kendt meget mindre end Lalique, Fouquet og endda Vever, men han er ikke mindre vigtig i jugend-smykkekunsten. Den største forskel mellem hans smykker var appellen til japansk kunst.
Japansk kunst var en af hovedkilderne til jugendstil, den inspirerede europæiske mestre med dynamisk rytme og fleksibilitet af plantedekorationslinjer, ufuldstændig bevægelse, lethed og speciel stilisering, der gjorde naturlige motiver til dekorative mønstre.
Lucien Gaillard blev født i 1861 og begyndte ligesom de to tidligere håndværkere sin karriere som elev af sin far, sølvsmed Ernest Gaillard. Under sin dannelse mestrede han perfekt teknikkerne til at jagte og gravere på guld og sølv, deltog i mange forskellige smykkekurser af mestre Dujardin og Salmon og overgik til sidst sin far. I 1892 gav Ernest Gaillard sit værksted til sin søn.
Allerede i begyndelsen af sin karriere blev Lucien Gaillard interesseret i japanske legeringer og lakker, som ikke blev brugt i Frankrig, men var så dejlige, at de forbløffede både hans samtidige og fremtidige generationer af forskere af hans arbejde.
Juveleren Henri Vever talte om ham på denne måde: "Lidenskabeligt forelsket i sit fag, en utrættelig forsker, der fortryllede med sit arbejde, Gaillard entusiastisk, med begejstring forstod alle de komplekse teknologiske aspekter af smykker, såsom smykkelegeringer, forgyldning, patinering, og fik fremragende resultater."
Som med de andre ovennævnte juvelerer var år 1900 af stor betydning for Lucien Gaillard. Det år skete der flere begivenheder i hans liv på én gang - han erhvervede en ny bygning, inviterede japanske mestre til at arbejde, hjalp ham med at forstå forviklingerne af national kunst og deltog selvfølgelig i verdensudstillingen i Paris, hvor han modtog Grand Prix, og desuden stiftede han bekendtskab med de seneste værker af René Lalique, som han kaldte sin inspiration.
De to mestre havde et fælles træk - de opfandt begge nye teknikker, der forsøgte at give deres værker en særlig karakter. Men det, der adskilte Gaillard fra Lalique, var hans appel til japansk kunst og japanske teknikker, takket være hvilke Gaillards værker var mere tilbageholdende i farve og komposition.
Et af Gaillards bedste værker er Apple Branch-armbåndet. Juveleren formåede at skabe et meget interessant, endda unikt værk. I hvert element i armbåndet ser vi et selvstændigt og harmonisk bygget kammerbillede af blomster på grene, mens alle elementerne er kombineret til en enkelt, lige så integreret komposition. Dette er hovedprincippet i japanske motiver, som Gaillard følger - en harmoniseret rytmisk struktur af alle kompositoriske elementer.
Krysantemumens kam er en anden reference til japanske motiver af Gaillard. Mesteren arrangerer frit to blomster efter principperne for at afbilde krysantemum i japanske graveringer. Gaillard brugte et horn i dette værk, hvorfra han gradvist fjernede lagene. Ved at gøre dette opnåede han gennemskinnelighed, mod hvilken de yndefulde blomsterblade begyndte at virke omfangsrige. Fremhæv volumen og mælkeblå opaler indlagt i kernen af krysantemum.
Ikke mindre interessant er en stor hårnål fra Amsterdam Rijksmuseum, hvorpå Gaillard afbildede to guldsmede, der kæmper om en stor citrin. Det naturlige motiv er meget naturalistisk, dynamisk og udtryksfuldt. Guldsmeden udførte dekorationen med stor realistisk ægthed, hvilket formidler umiddelbarheden af insekternes hurtige bevægelse.
Gaillard kombinerer også dristigt ædle og halvædelmaterialer i dette smykke: insektvinger er lavet af gennemsigtigt horn og prydet med smaragder. Vingespidserne er dækket af emalje indrammet med en spredning af små diamanter. Dragonfly-kroppe er lavet af guld og dekoreret med striber af mørkegrøn og blå champlevé-emalje.
I 1902 blev flere værker af Lucien Gaillard præsenteret på en udstilling i Glasgow og var så stor en succes, at den franske regering efter den tildelte ham Æreslegionen. Fra det øjeblik blev Gaillard en af de mest berømte franske juvelerer i art nouveau-æraen, men efter 1910 begyndte hans kreative aktivitet at forsvinde, indtil den endelig sluttede i 1925.
Hver af heltene i denne artikel havde deres egen unikke stil og deres egen tilgang til at skabe smykker, men de var alle forenet af ønsket om at skabe ikke bare ædle smykker, men virkelig kunstneriske ting, ved at bruge både ædelsten og metaller til dem, og materialer, der ikke anses for værdifulde i smykker. De originale ideer fra disse store mestre forvandlede halvædelmetaller og sten til rigtige kunstværker, og de selv blev for evigt indskrevet i verdenshistorien.
