Ενώ οι μάστορες του ιστορικισμού αναπαρήγαγαν και συνδύαζαν τα πιο διαφορετικά στυλ του παρελθόντος, φέρνοντάς το σε έναν ορισμένο αυτοματισμό, το Art Nouveau ξέσπασε στην τέχνη σαν ανεμοστρόβιλος, σαν φρέσκος θαλάσσιος άνεμος, απελευθερώνοντας, εξαγνίζοντας, εμπνέοντας. Άνοιξε έναν κόσμο νέων μορφών, νέων υλικών, νέων συνδυασμών.
Το Art Nouveau ήταν ένα βραχυπρόθεσμο, αλλά απίστευτα όμορφο και ταυτόχρονα πολύ σύνθετο καλλιτεχνικό φαινόμενο που αγκάλιαζε απολύτως όλα τα είδη τέχνης, συμπεριλαμβανομένων των κοσμημάτων. Η εποχή της Art Nouveau έδωσε στον κόσμο έναν ολόκληρο γαλαξία μεγάλων δασκάλων, οι οποίοι, με τη σειρά τους, έδωσαν νέα πνοή στην τέχνη του κοσμήματος και την έφεραν στο προσκήνιο του «τελευταίου μεγάλου στυλ». Σε αυτό το άρθρο, θα γνωρίσουμε μερικούς από τους βασικούς χαρακτήρες της εποχής - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever και Lucien Gaillard.
Η ιδιοφυΐα του κοσμήματος René Jules Lalique
Η αδιαμφισβήτητη ιδιοφυΐα και ηγέτης ανάμεσα στους κοσμηματοπώλες της εποχής του ήταν εξαιρετικός δάσκαλος René Laliqueστο έργο του οποίου ενσαρκώθηκε η ίδια η ουσία της γαλλικής αρ νουβό. Η χρήση μη πολύτιμων και συχνά εύθραυστων υλικών, ειδικά χυτευμένου γυαλιού, ήταν επαναστατική για την εποχή του.
Ο René Lalique γεννήθηκε το 1860 στη μικρή πόλη Ay, 28 χιλιόμετρα νότια της Reims. Το 1876 άρχισε να σπουδάζει με τον κορυφαίο Παριζιάνο κοσμηματοπώλη Louis Ocock και το 1878 πήγε στο Λονδίνο, όπου σπούδασε αποκλειστικά σχέδιο για τα επόμενα δύο χρόνια. Ήταν αυτή η ολοκληρωμένη εκπαίδευση που του επέτρεψε να κατασκευάζει ανεξάρτητα όλα τα κοσμήματά του στο μέλλον - από τη δημιουργία σκίτσων έως τις τελευταίες πινελιές σε τελειωμένα έργα. Στα πρώτα χρόνια της δουλειάς, ο Lalique έκανε σκίτσα για διάσημους δασκάλους όπως οι Cartier, Boucheron, Vever.
Ο τελευταίος, με τη σειρά του, έπαιξε σημαντικό ρόλο στην ανάπτυξη του στυλ του ίδιου του Lalique. Το 1886, ο Ζυλ Ντεστάπ του παραχώρησε το εργαστήρι του κοσμήματος «σε αναγνώριση του μοναδικού του ταλέντου». Τώρα ο René Lalique, έχοντας όλα τα απαραίτητα για δουλειά, στράφηκε στην αναζήτηση έμπνευσης, την οποία βρήκε στις ιδέες του κινήματος Arts and Crafts, που ζητούσε την αναβίωση των τεχνών και της χειροτεχνίας και προωθούσε τα φυτικά και ζωικά μοτίβα. Αγκαλιάζοντας αυτές τις ιδέες, η Lalique εξελίχθηκε σε συγχρονισμό με αυτές και έγινε η πρώτη που έφερε την Art Nouveau στην τέχνη του κοσμήματος.
Η Lalique παρουσίασε τα πρώτα της κοσμήματα Art Nouveau στην Παγκόσμια Έκθεση του 1897 στις Βρυξέλλες. Αλλά το κύριο γεγονός της δημιουργικής βιογραφίας του ήταν η Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1900. Για την έκθεσή του στα κοσμήματα, ο Lalique έλαβε το Grand Prix και η κυβέρνηση του απένειμε το παράσημο της Λεγεώνας της Τιμής. Ήταν ένας πραγματικός θρίαμβος.
Ο Γάλλος κριτικός Léonce Benedite έγραψε για αυτόν ως «Πραγματικός καινοτόμος. Αυτός (ο Lalique) ήταν αυτός που γκρέμισε παλιά εμπόδια, ανέτρεψε ισχυρές παραδόσεις και δημιούργησε μια νέα γλώσσα»..
Οι ερευνητές αποκαλούν τον René Lalique τον κύριο των τριών "F" - "femme", "flore", "faune". Οι γυναίκες, η χλωρίδα και η πανίδα ήταν που κατείχαν κεντρική θέση στο έργο του πλοιάρχου και οι γυναίκες ονομάστηκαν πρώτες για κάποιο λόγο. Τα όμορφα μακρυμάλλη μασκαρόν και τα γυμνά γίνονται ένα επαναλαμβανόμενο μοτίβο στα κοσμήματα Lalique. Και παρόλο που η Art Nouveau θεωρούνταν γενικά γυναικείο στυλ, αφού οι περισσότεροι καλλιτέχνες στράφηκαν στις γυναικείες εικόνες, έπρεπε κανείς να έχει το θάρρος να χρησιμοποιήσει το χαριτωμένο γυμνό γυναικείο σώμα στα κοσμήματα.
Ένα από τα πιο διάσημα προϊόντα του René Lalique, στο οποίο αναφέρεται στη γυναικεία εικόνα, είναι η διακόσμηση κορσάζ «Dragonfly Woman», που έφτιαξε ο ίδιος το 1897-1898. Σήμερα βρίσκεται στη συλλογή του Μουσείου Gulbenkian στη Λισαβόνα, που ιδρύθηκε από τον χρηματιστή και μεγιστάνα του πετρελαίου Calouste Gulbenkian, ο οποίος συγκέντρωσε μια μοναδική συλλογή έργων Lalique.
Σε αυτό το κόσμημα, ο René Lalique δημιουργεί μια πολύ ασυνήθιστη εμφάνιση που συνδυάζει μια γυναίκα, μια λιβελλούλη και μια χίμαιρα. Κυριολεκτικά μπροστά στα μάτια μας, λαμβάνει χώρα μια φανταστική μεταμόρφωση - μια όμορφη γυναίκα με φτερά λιβελλούλης αντί για χέρια εμφανίζεται από το στόμα μιας χίμαιρας με μεγάλα πόδια με νύχια.
Είναι γνωστό ότι αυτή η διακόσμηση κορσάζ ήταν μέρος της στολή της Sarah Bernhardt, στην οποία έλαμπε στη σκηνή του θεάτρου. Και το 1900, η "Dragonfly Woman", καθώς και μια σειρά από έργα της Lalique, τώρα στη συλλογή του Μουσείου Gulbenkian (χτένα-τιάρα "Cockerel", κολιέ-choker "Forest Landscape", κοσμήματα κορσάζ "Snakes") παρουσιάστηκαν στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι και προκάλεσαν έκπληξη και θαυμασμό, τόσο στους επισκέπτες όσο και στους κριτικούς.
Το κολιέ Forest Landscape choker είναι μια εξίσου εξαιρετική δημιουργία της Lalique. Αποτελείται από τρία μέρη, τα οποία παρουσιάζουν μια ενιαία σύνθετη και πολύπλευρη σύνθεση. Σε πρώτο πλάνο, ο Lalique απεικόνιζε χρυσούς κορμούς δέντρων, μέσα από τους οποίους στο μεσαίο έδαφος βλέπουμε μια λίμνη από οπάλια, οι υπερχειλίσεις των οποίων δημιουργούν την ψευδαίσθηση της κίνησης του νερού. Στο βάθος διακρίνεται η όχθη της λίμνης, που δημιουργήθηκε από διαμάντια που μιμούνται την άμμο. Αυτή η διακόσμηση εντυπωσιάζει όχι μόνο με την ασυνήθιστα, αλλά και με το πόσο ρεαλιστικό αποδείχθηκε το εικονιζόμενο τοπίο.
Τα ασύμμετρα μενταγιόν Lalique είναι γοητευτικά, στα οποία ο κοσμηματοπώλης απεικονίζει θραύσματα δασικών τοπίων - χειμώνα ή φθινόπωρο. Ανάμεσά τους ξεχωρίζει το μενταγιόν Winter Landscape, που δημιουργήθηκε το 1900-1901. Σε πολύπλοκο σχήμα, η Lalique βάζει μπλε-γκρι πλαστικοποιημένο γυαλί με κορμούς δέντρων που φαίνονται σαν σε μια ομίχλη του χειμωνιάτικου λυκόφωτος. Η χρήση γυαλιού έχει γίνει ένα από τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητας του Lalique, άλλοι γνωστοί κοσμηματοπώλες δεν χρησιμοποίησαν γυαλί λόγω της περίπλοκης τεχνολογικής διαδικασίας δημιουργίας του. Πάνω από το γυάλινο φόντο στα δεξιά, ο κοσμηματοπώλης έχει τοποθετήσει ένα χιονισμένο έλατο φτιαγμένο με την τεχνική του σμάλτου. Η σύνθεση πλαισιώνεται από χρυσά κλαδιά ελάτης με ένθετα γαλαζοπράσινα και μενταγιόν από μαργαριτάρι.
Η ποικιλία των θεμάτων στα έργα του Lalique ήταν τεράστια - τοπία (δάσος, χειμώνας, άνοιξη), φθινοπωρινά φύλλα, καλοκαιρινά λουλούδια και μούρα, ζώα και πουλιά, ερπετά και έντομα. Αλλά όλα τα ενώνει η πολυπλοκότητα και η μοναδικότητα των συνθέσεων, πολλές λεπτομερώς επεξεργασμένες λεπτομέρειες και μη τυποποιημένα υλικά και τεχνικές με τις οποίες ο κοσμηματοπώλης πειραματίζεται συνεχώς. Όπως έγραψε ο ίδιος:
«... Έπρεπε να φτάσω στα άκρα για να εγκαταλείψω όλα όσα είχα πετύχει πριν. Δούλεψα ακατάπαυστα: σχέδιο, μοντελοποίηση, κάνοντας τεχνική έρευνα και πειράματα κάθε είδους, πάντα αποφασισμένος να κάνω πράγματα και να δημιουργήσω κάτι εντελώς νέο».
Μετά το 1910, ο René Lalique επικεντρώθηκε στην εργασία με το γυαλί και πέτυχε πρωτοφανή ύψη σε αυτό. Τις επόμενες δεκαετίες εμφανίστηκαν τα φανταστικά του βάζα, λάμπες, μπουκάλια αρωμάτων, ακόμη και μασκότ αυτοκινήτων και αρχιτεκτονικές διακοσμήσεις, χάρη στις οποίες η φήμη του δεν έσβησε μέχρι τον θάνατο του πλοιάρχου την 1η Μαΐου 1945. Και η εταιρεία του επέζησε του πολέμου και υπάρχει με επιτυχία σήμερα.
Ο κοσμηματοπώλης Georges Fouquet
Ένας άλλος εμβληματικός κοσμηματοπώλης της εποχής της Art Nouveau ήταν ο Georges Fouquet. Γεννήθηκε το 1862 από τον διάσημο κοσμηματοπώλη Alfons Fouquet, ο οποίος έγινε διάσημος τη δεκαετία του 1870 για τα νεοαναγεννησιακά κοσμήματά του. Ο Georges σπούδασε κοσμήματα με τον πατέρα του και το 1880 άρχισε να εργάζεται στην εταιρεία κοσμημάτων του. Το 1895, ο Alfons Fouquet παρέδωσε τη διαχείριση της επιχείρησης στον γιο του και άρχισε να εργάζεται με ενθουσιασμό, θέλοντας να δώσει νέα πνοή στην εταιρεία του πατέρα του.
Ο κοσμηματοπώλης Henri Vever έγραψε γι 'αυτόν: "Ένας ακούραστος εργάτης, γοητευόταν από κάθε τι νέο και η αναζήτησή του για έμπνευση ήταν ακούραστη".
Το 1898, η Fouquet παρουσίασε το πρώτο της κόσμημα Art Nouveau. Οι αισθησιακές καμπύλες γραμμές, τα σβησμένα σμάλτα και οι λεπτές υφές ήταν πολύ αποτελεσματικές και σχεδόν ίσες με τα κοσμήματα René Lalique. Αλλά ο ίδιος ο Fouquet, σε αντίθεση με τον Lalique, δεν ήταν σχεδιαστής και προσέλκυσε πολλούς διάσημους καλλιτέχνες της εποχής του να εργαστούν. Η συνεργασία του με τον Alfons Maria Mucha, έναν καλλιτέχνη του οποίου το έργο έχει επίσης γίνει ένα ζωντανό σύμβολο της εποχής της Art Nouveau, έχει μείνει στην ιστορία.
Η γνωριμία τους έγινε χάρη στη Sarah Bernhardt, η οποία το 1898 ήρθε στο κοσμηματοπωλείο Georges Fouquet με ένα σκίτσο ενός βραχιολιού φιδιού που δημιούργησε ο Alfons Mucha. Αυτό το βραχιόλι ήταν μέρος της φορεσιάς της Μήδειας από την ομώνυμη παράσταση βασισμένη στο έργο του Katul Mendez, που έκανε πρεμιέρα το ίδιο 1898.
Στην αφίσα του Alfons Mucha, ένα παρόμοιο βραχιόλι φαίνεται στο χέρι της Sary Medea. Πιθανώς, η ηθοποιός ήθελε να έχει ένα στη ζωή της και διέταξε τον Alfons Mucha να το σχεδιάσει και επέλεξε τον Fouquet ως ερμηνευτή. Ο κοσμηματοπώλης γοητεύτηκε τόσο πολύ από το σχέδιο του βραχιολιού που πρότεινε στον Alfons Mucha να δημιουργήσει μια συλλογή κοσμημάτων για την Παγκόσμια Έκθεση του 1900 στο Παρίσι. Έτσι γεννήθηκε μια σειρά από ιδιότροπα περιδέραια, περίπλοκες καρφίτσες και βραχιόλια από κορσάζ, τα οποία, αν και ήταν άβολα και μάλλον βαριά, ενσάρκωναν το μοναδικό στυλ του Alfons Mucha και απέδειξαν την ικανότητα του Georges Fouquet.
Οι επισκέπτες της έκθεσης είδαν τα ενσωματωμένα κοσμήματα από τις αφίσες του Mucha. Έκαναν έντονη εντύπωση, αλλά οι κριτικοί ήταν σκληροί στις εκτιμήσεις τους, αποκαλώντας τους «περίεργες διακοσμήσεις με περίεργες διακοσμήσεις». Η συνεργασία μεταξύ του Fouquet και του Mucha κράτησε μόνο λίγα χρόνια, αλλά ήταν αυτό που βοήθησε να αλλάξει το στυλ των κοσμημάτων Georges Fouquet και έφερε φήμη στην εταιρεία του.
Εκτός από τη δημιουργία κοσμημάτων, ο Fouquet έγραψε άρθρα και βιβλία, σε ένα από τα οποία διακήρυξε:
«Δεν είναι πολυτελή κοσμήματα που θα επιβιώσουν, αλλά εκείνα στα οποία η τιμή των υλικών είναι μικρότερη από την ομορφιά τους - ακουαμαρίνα, αμέθυστος, τοπάζι, τουρμαλίνη. Η τέχνη που δεν παλιώνει ποτέ θα παρατείνει τη ζωή αυτών των κοσμημάτων. Δεν θα αφαιρεθούν ποτέ για να επαναχρησιμοποιηθούν οι πέτρες. Αυτά τα πράγματα είναι κυρίως έργα τέχνης και όχι τρόπος επένδυσης χρημάτων.
Ο κοσμηματοπώλης Henri Vever
Ο Henri Vever είναι ο τρίτος ήρωας αυτής της ιστορίας και άλλος ένας εξαιρετικός δάσκαλος της εποχής της Art Nouveau. Όπως και ο Fouquet, ο Vever στις αρχές του 1821ου αιώνα ήταν ο επικεφαλής της οικογενειακής εταιρείας κοσμημάτων Maison Vever, που ιδρύθηκε από τον παππού του το 1854. Ο Henri Vever γεννήθηκε το 1881 και από τα νιάτα του, μαζί με τον αδερφό του Paul, σπούδασε τη διαχείριση της οικογενειακής επιχείρησης και επίσης σπούδασε σχέδιο, μόντελινγκ και διακοσμητικό σχέδιο στην Ecole des Beaux-Arts στο Παρίσι. Έτσι, τη στιγμή που ο Henri και ο πατέρας του Paul συνταξιοδοτήθηκαν το XNUMX, είχε άξιους διαδόχους. Ο Paul ήταν υπεύθυνος για την εμπορική ανάπτυξη στην εταιρεία, ενώ ο Henri ήταν υπεύθυνος για το σχεδιασμό και την παραγωγή κοσμημάτων. Χάρη στον Henri Vever, το στυλ της εταιρείας κοσμημάτων μετατράπηκε σταδιακά από ιστορικισμός σε νεωτερισμό.
Στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι το 1900, η Maison Vever έλαβε ένα δεύτερο Grand Prix για τα εξαίσια αρ νουβό κοσμήματά της, που θεωρούνται τα καλύτερα επιτεύγματα της εταιρείας. Ωστόσο, αν και είχαν όλα τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ (εκλεπτυσμένες γυναικείες εικόνες, χλωρίδα και πανίδα), τα κοσμήματα Henri Vever ήταν πιο συντηρητικά σε σύγκριση με τα εξωφρενικά προϊόντα της René Lalique.
Μια άλλη διαφορά του "Maison Vever" ήταν ότι η εταιρεία δούλευε κυρίως με πολύτιμα μέταλλα και πολύτιμους λίθους. Ο Henri δεν είχε το ίδιο θάρρος και ενδιαφέρον για τα πειράματα με τους συναδέλφους του και πολύ λιγότερο συχνά κατέφευγε σε φθηνά υλικά.
Εκτός από τα κοσμήματα, ο Henri Vever έγινε διάσημος ως συλλέκτης ιαπωνικών χαρακτικών, καθώς και ως συγγραφέας ενός από τα πιο σημαντικά επιστημονικά έργα για το κόσμημα - "Γαλλικά κοσμήματα του XNUMXου αιώνα". Σε αυτό το βιβλίο, περιγράφει λεπτομερώς την εξέλιξη του κοσμήματος, από την εποχή του Προξενείου μέχρι την εποχή της Art Nouveau.
Μαέστρος Lucien Gaillard
Και ο τελευταίος ήρωας αυτού του άρθρου θα είναι ο Lucien Gaillard. Σήμερα είναι πολύ λιγότερο γνωστός από τον Lalique, τον Fouquet, ακόμη και τον Vever, αλλά δεν είναι λιγότερο σημαντική φυσιογνωμία στην τέχνη του κοσμήματος Art Nouveau. Η κύρια διαφορά μεταξύ των κοσμημάτων του ήταν η απήχηση στην ιαπωνική τέχνη.
Η ιαπωνική τέχνη ήταν μια από τις κύριες πηγές της Art Nouveau, ενέπνευσε τους Ευρωπαίους δασκάλους με δυναμικό ρυθμό και ευελιξία φυτικών διακοσμητικών γραμμών, ατελή κίνηση, ελαφρότητα και ιδιαίτερο στυλιζάρισμα που μετέτρεψε τα φυσικά μοτίβα σε διακοσμητικά μοτίβα.
Ο Lucien Gaillard γεννήθηκε το 1861 και, όπως και οι δύο προηγούμενοι τεχνίτες, ξεκίνησε την καριέρα του ως μαθητής του πατέρα του, αργυροχόου Ernest Gaillard. Κατά τη διάρκεια του σχηματισμού του, κατέκτησε τέλεια τις τεχνικές του κυνηγιού και της χαρακτικής σε χρυσό και ασήμι, παρακολούθησε πολλά διαφορετικά μαθήματα κοσμήματος από τους δασκάλους Dujardin και Salmon και τελικά ξεπέρασε τον πατέρα του. Το 1892, ο Ernest Gaillard έδωσε το εργαστήριό του στον γιο του.
Ήδη στην αρχή της καριέρας του, ο Lucien Gaillard ενδιαφέρθηκε για τα ιαπωνικά κράματα και βερνίκια, τα οποία δεν χρησιμοποιήθηκαν στη Γαλλία, αλλά ήταν τόσο ευχάριστα που κατέπληξαν τόσο τους συγχρόνους του όσο και τις μελλοντικές γενιές ερευνητών του έργου του.
Ο κοσμηματοπώλης Henri Vever μίλησε για αυτόν ως εξής: «Ερωτευμένος με πάθος με το επάγγελμά του, ένας ακούραστος ερευνητής που μάγεψε με το έργο του, ο Γκαγιάρ με ενθουσιασμό, με αρπαγή κατανόησε όλες τις περίπλοκες τεχνολογικές πτυχές του κοσμήματος, όπως κράματα κοσμημάτων, επιχρύσωση, πατινάρισμα, άριστα αποτελέσματα».
Όπως και με τους άλλους κοσμηματοπώλες που αναφέρθηκαν παραπάνω, το έτος 1900 είχε μεγάλη σημασία για τον Lucien Gaillard. Εκείνη τη χρονιά, πολλά γεγονότα συνέβησαν στη ζωή του ταυτόχρονα - απέκτησε ένα νέο κτίριο, κάλεσε Ιάπωνες δασκάλους να εργαστούν, βοηθώντας τον να κατανοήσει τις περιπλοκές της εθνικής τέχνης και, φυσικά, πήρε μέρος στην Παγκόσμια Έκθεση στο Παρίσι, όπου έλαβε το Grand Prix, και εκτός αυτού, γνώρισε τα τελευταία έργα του René Lalique, τον οποίο ονόμασε έμπνευσή του.
Οι δύο μάστορες είχαν ένα κοινό χαρακτηριστικό - και οι δύο επινόησαν νέες τεχνικές, προσπαθώντας να δώσουν έναν ιδιαίτερο χαρακτήρα στα έργα τους. Αλλά αυτό που ξεχώριζε τον Γκαγιάρ από τον Λαλίκ ήταν η έφεσή του στην ιαπωνική τέχνη και τις ιαπωνικές τεχνικές, χάρη στις οποίες τα έργα του Γκαγιάρ ήταν πιο συγκρατημένα σε χρώμα και σύνθεση.
Ένα από τα καλύτερα έργα του Gaillard είναι το βραχιόλι Apple Branch. Ο κοσμηματοπώλης κατάφερε να δημιουργήσει ένα πολύ ενδιαφέρον, ακόμη και μοναδικό έργο. Σε κάθε στοιχείο του βραχιολιού, βλέπουμε μια ανεξάρτητη και αρμονικά χτισμένη εικόνα δωματίου από λουλούδια σε κλαδιά, ενώ όλα τα στοιχεία συνδυάζονται σε μια ενιαία, εξίσου ολοκληρωμένη σύνθεση. Αυτή είναι η κύρια αρχή των ιαπωνικών μοτίβων, την οποία ακολουθεί ο Gaillard - μια εναρμονισμένη ρυθμική δομή όλων των συνθετικών στοιχείων.
Η κορυφή του Χρυσάνθεμου είναι άλλη μια αναφορά σε ιαπωνικά μοτίβα του Gaillard. Ο πλοίαρχος τακτοποιεί ελεύθερα δύο λουλούδια, ακολουθώντας τις αρχές της απεικόνισης χρυσάνθεμων σε ιαπωνικά χαρακτικά. Ο Gaillard χρησιμοποίησε ένα κέρατο σε αυτό το έργο, από το οποίο αφαίρεσε σταδιακά τα στρώματα. Κάνοντας αυτό, πέτυχε ημιδιαφάνεια, έναντι της οποίας τα κομψά πέταλα λουλουδιών άρχισαν να φαίνονται ογκώδη. Δώστε έμφαση στον όγκο και στα γαλακτώδη μπλε οπάλια που είναι ένθετα στον πυρήνα των χρυσάνθεμων.
Όχι λιγότερο ενδιαφέρουσα είναι μια μεγάλη φουρκέτα από το Amsterdam Rijksmuseum, στην οποία ο Gaillard απεικόνισε δύο λιβελλούλες να παλεύουν πάνω από μια μεγάλη κιτρίνη. Το φυσικό μοτίβο είναι πολύ νατουραλιστικό, δυναμικό και εκφραστικό. Ο κοσμηματοπώλης εκτέλεσε τη διακόσμηση με μεγάλη ρεαλιστική αυθεντικότητα, μεταφέροντας την αμεσότητα της γρήγορης κίνησης των εντόμων.
Ο Gaillard συνδυάζει επίσης με τόλμη πολύτιμα και ημιπολύτιμα υλικά σε αυτό το κόσμημα: τα φτερά των εντόμων είναι κατασκευασμένα από διαφανές κέρατο και στολισμένα με σμαράγδια. Οι άκρες των φτερών καλύπτονται με σμάλτο πλαισιωμένο με μια διασπορά από μικρά διαμάντια. Τα σώματα της λιβελλούλης είναι κατασκευασμένα από χρυσό και διακοσμημένα με ρίγες από σκούρο πράσινο και μπλε σμάλτο champlevé.
Το 1902, πολλά έργα του Lucien Gaillard παρουσιάστηκαν σε μια έκθεση στη Γλασκώβη και γνώρισαν τέτοια επιτυχία που μετά από αυτήν η γαλλική κυβέρνηση του απένειμε το παράσημο της Λεγεώνας της Τιμής. Από εκείνη τη στιγμή, ο Gaillard έγινε ένας από τους πιο διάσημους Γάλλους κοσμηματοπώλες της εποχής της Art Nouveau, αλλά μετά το 1910 η δημιουργική του δραστηριότητα άρχισε να σβήνει μέχρι που τελικά τελείωσε το 1925.
Καθένας από τους ήρωες αυτού του άρθρου είχε το δικό του μοναδικό στυλ και τη δική του προσέγγιση στη δημιουργία κοσμημάτων, αλλά όλοι τους ένωνε η επιθυμία να δημιουργήσουν όχι μόνο πολύτιμα κοσμήματα, αλλά πραγματικά καλλιτεχνικά πράγματα, χρησιμοποιώντας για αυτούς τόσο πολύτιμους λίθους όσο και μέταλλα, και υλικά, που δεν θεωρούνται πολύτιμα στα κοσμήματα. Οι πρωτότυπες ιδέες αυτών των μεγάλων δασκάλων μετέτρεψαν τα ημιπολύτιμα μέταλλα και τις πέτρες σε πραγματικά έργα τέχνης και οι ίδιοι εγγράφηκαν για πάντα στην παγκόσμια ιστορία.
