Mientras los maestros del historicismo reproducían y combinaban los más diversos estilos del pasado, llevándolo a un cierto automatismo, el Art Nouveau irrumpía en el arte como un torbellino, como un fresco viento marino, liberador, purificador, inspirador. Abrió un mundo de nuevas formas, nuevos materiales, nuevas combinaciones.
El Art Nouveau fue un fenómeno artístico a corto plazo, pero increíblemente hermoso y al mismo tiempo muy complejo que abarcó absolutamente todos los tipos de arte, incluida la joyería. La era del Art Nouveau le dio al mundo toda una galaxia de grandes maestros, quienes, a su vez, dieron nueva vida al arte de la joyería y lo llevaron al frente del "último gran estilo". En este artículo, conoceremos a algunos de los personajes principales de la época: René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever y Lucien Gaillard.
El genio de la joyería René Jules Lalique
El genio indiscutible y líder entre los joyeros de su tiempo fue destacado maestro René Laliqueen cuya obra se encarnó la esencia misma del Art Nouveau francés. Su uso de materiales no preciosos ya menudo quebradizos, especialmente vidrio moldeado, fue revolucionario para su época.
René Lalique nació en 1860 en el pequeño pueblo de Ay, 28 kilómetros al sur de Reims. En 1876 comenzó a estudiar con el destacado joyero parisino Louis Ocock, y en 1878 se trasladó a Londres, donde estudió diseño exclusivamente durante los dos años siguientes. Fue esta educación integral la que le permitió fabricar de forma independiente todas sus joyas en el futuro, desde la creación de bocetos hasta los toques finales en los trabajos terminados. En los primeros años de trabajo, Lalique hizo bocetos para maestros tan famosos como Cartier, Boucheron, Vever.
Este último, a su vez, jugó un papel importante en el desarrollo del estilo propio de Lalique. En 1886, Jules Destape le cedió su taller de joyería "en reconocimiento a su talento único". Ahora René Lalique, teniendo todo lo necesario para el trabajo, se volcó a la búsqueda de inspiración, que encontró en las ideas del movimiento Arts and Crafts, que pedía el renacimiento de las artes y oficios y promovía motivos vegetales y animales. Adoptando estas ideas, Lalique evolucionó en sincronía con ellas y se convirtió en el primero en llevar el Art Nouveau al arte de la joyería.
Lalique presentó su primera joyería Art Nouveau en la Exposición Mundial de 1897 en Bruselas. Pero el evento principal de su biografía creativa fue la Exposición Universal de París en 1900. Por su exposición de joyería, Lalique recibió el Gran Premio y el gobierno le otorgó la Orden de la Legión de Honor. Fue un verdadero triunfo.
El crítico francés Léonce Benedite escribió sobre él como "Un verdadero innovador. Él (Lalique) fue quien derribó viejas barreras, anuló fuertes tradiciones y creó un nuevo idioma"..
Los investigadores llaman a René Lalique el maestro de las tres "F" - "femme", "flore", "faune". Fueron las mujeres, la flora y la fauna las que ocuparon un lugar central en la obra del maestro, y las mujeres fueron nombradas primero por una razón. Bellos mascarones de pelo largo y nudes se convierten en un motivo recurrente en la joyería Lalique. Y aunque el Art Nouveau generalmente se consideraba un estilo femenino, dado que la mayoría de los artistas recurrían a imágenes femeninas, uno tenía que tener el coraje de usar el elegante cuerpo femenino desnudo en joyería.
Uno de los productos más famosos de René Lalique, en el que se refiere a la imagen femenina, es el adorno de ramillete "Mujer Libélula", realizado por él en 1897-1898. Hoy se encuentra en la colección del Museo Gulbenkian de Lisboa, fundado por el magnate financiero y petrolero Calouste Gulbenkian, quien acumuló una colección única de obras de Lalique.
En esta joya, René Lalique crea un look muy inusual que combina una mujer, una libélula y una quimera. Literalmente ante nuestros ojos, se lleva a cabo una transformación fantástica: una hermosa mujer con alas de libélula en lugar de manos aparece de la boca de una quimera con grandes patas con garras.
Se sabe que esta decoración de ramillete formaba parte del atuendo de Sarah Bernhardt, con el que brilló en el escenario del teatro. Y en 1900, la "Mujer libélula", así como una serie de obras de Lalique, que hoy se encuentran en la colección del Museo Gulbenkian (peine-tiara "Gallo", collar-gargantilla "Paisaje forestal", ramillete de joyas "Serpientes ”) se mostraron en la Exposición Universal de París y causaron sorpresa y admiración, tanto entre los visitantes como entre la crítica.
El collar gargantilla Forest Landscape es una creación igualmente destacada de Lalique. Consta de tres partes, que presentan una única composición compleja y multifacética. En primer plano, Lalique representó troncos de árboles dorados, a través de los cuales, en el medio, vemos un lago de ópalos, cuyos desbordamientos crean la ilusión del movimiento del agua. Al fondo está la orilla del lago, creada a partir de diamantes que imitan la arena. Esta decoración impresiona no solo por su originalidad, sino también por lo realista que resultó ser el paisaje representado.
Los colgantes asimétricos Lalique son encantadores, en los que el joyero representa fragmentos de paisajes forestales, invierno u otoño. Entre ellos destaca el colgante Paisaje de Invierno, creado en 1900-1901. En una forma compleja, Lalique pone vidrio laminado gris azulado con troncos de árboles que parecen estar en una neblina de crepúsculo invernal. El uso del vidrio se ha convertido en una de las características de la creatividad de Lalique, otros reconocidos joyeros no usaban vidrio debido al complejo proceso tecnológico de su creación. Sobre el fondo de cristal de la derecha, el joyero ha colocado un abeto cubierto de nieve realizado con la técnica del esmalte. La composición está enmarcada por ramas de abeto doradas con inserciones de aguamarina y un colgante de perlas.
La variedad de temas en las obras de Lalique era enorme: paisajes (bosque, invierno, primavera), hojas de otoño, flores y bayas de verano, animales y pájaros, reptiles e insectos. Pero todos ellos están unidos por la complejidad y la singularidad de las composiciones, muchos detalles cuidadosamente trabajados y materiales y técnicas no estándar con los que el joyero experimenta constantemente. Como él mismo escribió:
“... Tuve que llegar al extremo de renunciar a todo lo que había logrado antes. Trabajé sin descanso: dibujando, modelando, haciendo investigaciones técnicas y experimentos de todo tipo, siempre decidido a hacer las cosas y crear algo completamente nuevo".
Después de 1910, René Lalique se concentró en trabajar con vidrio y alcanzó alturas sin precedentes en esto. En las décadas siguientes aparecieron sus fantásticos jarrones, lámparas, frascos de perfume e incluso mascotas de automóviles y decoraciones arquitectónicas, gracias a los cuales su fama no se desvaneció hasta la muerte del maestro el 1 de mayo de 1945. Y su empresa sobrevivió a la guerra y existe hoy con éxito.
Joyero Georges Fouquet
Otro joyero icónico de la era Art Nouveau fue Georges Fouquet. Nació en 1862 del famoso joyero Alfons Fouquet, quien se hizo famoso en la década de 1870 por sus joyas neorrenacentistas. Georges estudió joyería con su padre y en 1880 comenzó a trabajar en su firma de joyería. En 1895, Alfons Fouquet cede la dirección del negocio a su hijo, y se pone manos a la obra con ilusión, queriendo insuflar nueva vida a la firma de su padre.
El joyero Henri Vever escribió sobre él: "Trabajador incansable, le fascinaba todo lo nuevo, y su búsqueda de inspiración era incansable".
En 1898, Fouquet presentó su primera joyería Art Nouveau. Sensuales líneas curvas, esmaltes apagados y texturas sutiles fueron muy efectivos y casi iguales a las joyas de René Lalique. Pero el propio Fouquet, a diferencia de Lalique, no era un diseñador y atrajo a muchos artistas famosos de su tiempo para trabajar. Su colaboración con Alfons Maria Mucha, artista cuya obra se ha convertido también en un símbolo vívido de la época del Art Nouveau, ha pasado a la historia.
Su conocimiento se produjo gracias a Sarah Bernhardt, quien en 1898 llegó a la joyería Georges Fouquet con un boceto de un brazalete de serpiente creado por Alfons Mucha. Este brazalete formaba parte del traje de Medea de la representación del mismo nombre basada en la obra de teatro de Katul Méndez, que se estrenó en el mismo 1898.
En el cartel de Alfons Mucha, se puede ver un brazalete similar en la mano de Sary Medea. Probablemente, la actriz deseaba tener uno en su vida, y encargó a Alfons Mucha que lo diseñara, y eligió a Fouquet como intérprete. El joyero quedó tan fascinado con el diseño de la pulsera que le sugirió a Alfons Mucha que creara una colección de joyas para la Exposición Universal de 1900 en París. Así nació una serie de collares caprichosos, intrincados broches de ramillete y pulseras que, aunque incómodos y bastante pesados, encarnaban el estilo único de Alfons Mucha y demostraban la habilidad de Georges Fouquet.
Los visitantes de la exposición vieron las joyas encarnadas de los carteles de Mucha. Causaron una fuerte impresión, pero los críticos fueron duros en sus evaluaciones, llamándolos "decoraciones extrañas con decoraciones extrañas". La colaboración entre Fouquet y Mucha duró solo unos años, pero fue lo que ayudó a cambiar el estilo de las joyas de Georges Fouquet y dio fama a su empresa.
Además de crear joyas, Fouquet escribió artículos y libros, en uno de los cuales proclamó:
“No son las joyas lujosas las que sobrevivirán, sino aquellas en las que el precio de los materiales es menor que su belleza: aguamarina, amatista, topacio, turmalina. El arte que nunca pasa de moda prolongará la vida de estas joyas. Nunca se desmontarán para reutilizar las piedras. Estas cosas son principalmente obras de arte y no una forma de invertir dinero.
El joyero Henri Vever
Henri Vever es el tercer héroe de esta historia y otro destacado maestro de la era del Art Nouveau. Al igual que Fouquet, Vever a principios del siglo XX era el jefe de la empresa familiar de joyería Maison Vever, fundada por su abuelo en 1821. Henri Vever nació en 1854 y desde su juventud, junto con su hermano Paul, estudió la gestión de la empresa familiar, y también estudió dibujo, modelado y diseño ornamental en la Ecole des Beaux-Arts de París. Así, cuando el padre de Henri y Paul se jubiló en 1881, tenía dignos sucesores. Paul era responsable del desarrollo comercial de la firma, mientras que Henri era responsable del diseño y producción de joyas. Gracias a Henri Vever, el estilo de la empresa de joyería se transformó gradualmente del historicismo a la modernidad.
En la Exposición Universal de París de 1900, Maison Vever recibió un segundo Gran Premio por sus exquisitas joyas Art Nouveau, consideradas los mejores logros de la empresa. Sin embargo, aunque tenían todos los rasgos característicos del estilo (refinadas imágenes femeninas, flora y fauna), las joyas de Henri Vever eran más conservadoras frente a los extravagantes productos de René Lalique.
Otra diferencia de "Maison Vever" era que la firma trabajaba principalmente con metales preciosos y piedras preciosas. Henri no tenía el mismo coraje e interés en los experimentos que sus colegas, y con mucha menos frecuencia recurría a materiales económicos.
Además de las joyas, Henri Vever se hizo famoso como coleccionista de grabados japoneses, así como autor de uno de los trabajos científicos más importantes sobre joyería: "Joyería francesa del siglo XIX". En este libro, describe en detalle el desarrollo de la joyería, desde la era del Consulado hasta la era del Art Nouveau.
Maestro Lucien Gaillard
Y el último héroe de este artículo será Lucien Gaillard. Hoy es mucho menos conocido que Lalique, Fouquet e incluso Vever, pero no es una figura menos importante en el arte de la joyería Art Nouveau. La principal diferencia entre sus joyas fue la apelación al arte japonés.
El arte japonés fue una de las principales fuentes del Art Nouveau, inspiró a los maestros europeos con el ritmo dinámico y la flexibilidad de las líneas de decoración de plantas, la incompletitud del movimiento, la ligereza y la estilización especial que convirtió los motivos naturales en patrones decorativos.
Lucien Gaillard nació en 1861 y, como los dos artesanos anteriores, comenzó su carrera como alumno de su padre, el platero Ernest Gaillard. Durante su formación, dominó a la perfección las técnicas de cincelado y grabado en oro y plata, asistió a diferentes cursos de joyería de los maestros Dujardin y Salmon, y finalmente superó a su padre. En 1892, Ernest Gaillard cede su taller a su hijo.
Ya al comienzo de su carrera, Lucien Gaillard se interesó por las aleaciones y barnices japoneses, que no se usaban en Francia, pero eran tan deliciosos que asombraron tanto a sus contemporáneos como a las futuras generaciones de investigadores de su obra.
El joyero Henri Vever habló de él de esta manera: “Apasionadamente enamorado de su profesión, investigador incansable que encantaba con su trabajo, Gaillard comprendió con entusiasmo, con arrobamiento, todos los aspectos tecnológicos complejos de la joyería, como aleaciones de joyería, dorado, patinado, obteniendo excelentes resultados.”
Al igual que con los otros joyeros mencionados anteriormente, el año 1900 fue de gran importancia para Lucien Gaillard. Ese año, sucedieron varios eventos en su vida a la vez: adquirió un nuevo edificio, invitó a trabajar a maestros japoneses, ayudándolo a comprender las complejidades del arte nacional y, por supuesto, participó en la Exposición Mundial de París, donde recibió el premio. Grand Prix, y además, se familiarizó con las últimas obras de René Lalique, a quien llamó su inspiración.
Los dos maestros tenían una característica común: ambos inventaron nuevas técnicas, tratando de dar un carácter especial a sus obras. Pero lo que distinguió a Gaillard de Lalique fue su apelación al arte japonés y las técnicas japonesas, gracias a las cuales las obras de Gaillard fueron más restringidas en color y composición.
Uno de los mejores trabajos de Gaillard es el brazalete Apple Branch. El joyero logró crear un trabajo muy interesante, incluso único. En cada elemento del brazalete, vemos una imagen de cámara independiente y armoniosamente construida de flores en las ramas, mientras que todos los elementos se combinan en una sola composición igualmente integral. Este es el principio principal de los motivos japoneses, que sigue Gaillard: una estructura rítmica armonizada de todos los elementos compositivos.
La cresta del Crisantemo es otra referencia a los motivos japoneses de Gaillard. El maestro arregla libremente dos flores, siguiendo los principios de representar crisantemos en grabados japoneses. Gaillard usó un cuerno en este trabajo, al que fue quitando las capas gradualmente. Al hacer esto, logró la translucidez, contra la cual los elegantes pétalos de las flores comenzaron a parecer voluminosos. Destacan el volumen y los ópalos azul lechoso incrustados en el centro de los crisantemos.
No menos interesante es una gran horquilla del Rijksmuseum de Ámsterdam, en la que Gaillard representó a dos libélulas peleándose por un gran citrino. El motivo natural es muy naturalista, dinámico y expresivo. El joyero ejecutó la decoración con gran autenticidad realista, transmitiendo la inmediatez del rápido movimiento de los insectos.
Gaillard también combina audazmente materiales preciosos y semipreciosos en esta joya: las alas de los insectos están hechas de cuerno transparente y adornadas con esmeraldas. Las puntas de las alas están cubiertas con esmalte enmarcado con una dispersión de pequeños diamantes. Los cuerpos de libélula están hechos de oro y decorados con rayas de esmalte champlevé verde oscuro y azul.
En 1902, varias obras de Lucien Gaillard se presentaron en una exposición en Glasgow y tuvieron tal éxito que después el gobierno francés le otorgó la Legión de Honor. A partir de ese momento, Gaillard se convirtió en uno de los joyeros franceses más famosos de la época del Art Nouveau, pero a partir de 1910 su actividad creativa comenzó a desvanecerse hasta que finalmente finalizó en 1925.
Cada uno de los héroes de este artículo tenía su propio estilo único y su propio enfoque para crear joyas, pero todos estaban unidos por el deseo de crear no solo joyas preciosas, sino cosas verdaderamente artísticas, utilizando para ellas piedras y metales preciosos, y materiales, no considerados valiosos en joyería. Las ideas originales de estos grandes maestros convirtieron los metales y piedras semipreciosas en verdaderas obras de arte, y ellos mismos quedaron inscritos para siempre en la historia mundial.
