Dok su majstori historicizma reproducirali i kombinirali najrazličitije stilove prošlosti, dovodeći je do izvjesnog automatizma, secesija je upala u umjetnost poput vjetra, poput svježeg morskog vjetra, oslobađajući, pročišćujući, nadahnjujući. Otvorio je svijet novih oblika, novih materijala, novih kombinacija.
Secesija je bila kratkotrajna, ali nevjerojatno lijepa i ujedno vrlo složena umjetnička pojava koja je zahvatila apsolutno sve vrste umjetnosti, pa tako i nakit. Era secesije dala je svijetu čitavu galaksiju velikih majstora, koji su zauzvrat udahnuli novi život nakitnoj umjetnosti i doveli je na čelo "posljednjeg velikog stila". U ovom ćemo članku upoznati neke od glavnih likova tog doba - Renéa Laliquea, Georgesa Fouqueta, Henrija Vevera i Luciena Gaillarda.
Genij za nakit René Jules Lalique
Neosporni genij i vođa među draguljarima svog vremena bio je izvanredan majstor René Laliqueu čijem je djelu bila utjelovljena sama bit francuske secesije. Njegova uporaba neplemenitih i često lomljivih materijala, posebice lijevanog stakla, bila je revolucionarna za njegovo vrijeme.
René Lalique rođen je 1860. godine u gradiću Ay, 28 kilometara južno od Reimsa. Godine 1876. počeo je učiti kod vodećeg pariškog draguljara Louisa Ococka, a 1878. otišao je u London, gdje je sljedeće dvije godine studirao isključivo dizajn. Upravo to sveobuhvatno obrazovanje omogućilo mu je da u budućnosti samostalno izrađuje sav svoj nakit - od izrade skica do završnih detalja u gotovim radovima. U ranim godinama rada Lalique je napravio skice za poznate majstore kao što su Cartier, Boucheron, Vever.
Potonji je, pak, odigrao važnu ulogu u razvoju Laliqueova vlastitog stila. Godine 1886. Jules Destape dao mu je svoju radionicu nakita "u znak priznanja za njegov jedinstveni talent". Sada se René Lalique, imajući sve potrebno za rad, okrenuo potrazi za inspiracijom koju je pronašao u idejama pokreta Arts and Crafts koji je pozivao na oživljavanje umjetnosti i obrta te promicao biljne i životinjske motive. Prihvaćajući te ideje, Lalique je evoluirao u skladu s njima i postao prvi koji je donio secesiju u umjetnost nakita.
Lalique je svoj prvi nakit u stilu secesije predstavio na Svjetskoj izložbi u Bruxellesu 1897. Ali glavni događaj njegove kreativne biografije bila je Svjetska izložba u Parizu 1900. Za svoju izložbu nakita Lalique je dobio Grand Prix, a vlada mu je dodijelila Orden Legije časti. Bio je to pravi trijumf.
Francuski kritičar Léonce Benedite o njemu je pisao kao „Pravi inovator. On (Lalique) je bio taj koji je srušio stare barijere, preokrenuo jake tradicije i stvorio novi jezik.".
Istraživači nazivaju Renéa Laliquea majstorom tri "F" - "femme", "flore", "faune". Upravo su žene, flora i fauna zauzele središnje mjesto u majstorovom radu, a žene su s razlogom na prvom mjestu. Prekrasni dugokosi maskaroni i aktovi postaju stalni motiv u Lalique nakitu. I iako se secesija općenito smatrala ženskim stilom, budući da se većina umjetnika okrenula ženskim slikama, trebalo je imati hrabrosti koristiti graciozno golo žensko tijelo u nakitu.
Jedan od najpoznatijih proizvoda Renéa Laliquea, u kojem se referira na žensku sliku, je ukras korzaža "Žena vilin konjic", koji je izradio 1897.-1898. Danas se nalazi u zbirci Muzeja Gulbenkian u Lisabonu, koji je utemeljio financijer i naftni magnat Calouste Gulbenkian, koji je prikupio jedinstvenu zbirku Laliqueovih djela.
U ovom dragulju René Lalique stvara vrlo neobičan look koji spaja ženu, vretenca i himeru. Doslovno pred našim očima događa se fantastična transformacija - prekrasna žena s krilima vretenaca umjesto ruku pojavljuje se iz usta himere s velikim šapama s kandžama.
Poznato je da je ovaj korsažni ukras bio dio outfita Sarah Bernhardt u kojem je zablistala na kazališnoj pozornici. A 1900., „Žena vilin konjic“, kao i brojna Laliqueova djela, koja se danas nalaze u zbirci muzeja Gulbenkian (češalj-tijara „Pjetlić“, ogrlica-ogrlica „Šumski krajolik“, korsažni nakit „Zmije“ ”) prikazani su na Svjetskoj izložbi u Parizu i izazvali iznenađenje i divljenje, kako posjetitelja, tako i kritike.
Ogrlica s ogrlicom Forest Landscape jednako je izvanredna kreacija Laliquea. Sastoji se od tri dijela, koji predstavljaju jednu složenu i višestruku kompoziciju. Lalique je u prvom planu prikazao zlatna debla kroz koja u sredini vidimo jezero opala čiji preljevi stvaraju iluziju kretanja vode. U pozadini je obala jezera, stvorena od dijamanata koji imitiraju pijesak. Ovaj ukras impresionira ne samo svojom neobičnošću, već i koliko je prikazani krajolik bio realan.
Šarmantni su asimetrični Lalique privjesci, na kojima draguljar prikazuje fragmente šumskih krajolika - zime ili jeseni. Među njima se ističe privjesak Zimski krajolik, nastao 1900.-1901. U kompleksan oblik Lalique stavlja plavo-sivo laminirano staklo s deblima koja se pojavljuju kao u izmaglici zimskog sumraka. Upotreba stakla postala je jedna od značajki Laliqueove kreativnosti, drugi poznati draguljari nisu koristili staklo zbog složenog tehnološkog procesa njegovog stvaranja. Na staklenu podlogu s desne strane zlatar je postavio zasnježenu jelku izrađenu u tehnici emajla. Kompozicija je uokvirena zlatnim smrekovim granama s akvamarinskim umetcima i bisernim privjeskom.
Raznolikost tema u Laliqueovim djelima bila je golema - krajolici (šuma, zima, proljeće), jesensko lišće, ljetno cvijeće i bobice, životinje i ptice, gmazovi i kukci. No, sve ih spaja složenost i jedinstvenost kompozicija, mnoštvo temeljito razrađenih detalja i nestandardnih materijala i tehnika s kojima zlatar neprestano eksperimentira. Kako je sam napisao:
“... Morao sam ići u krajnost da se odreknem svega što sam prije postigao. Neumorno sam radio: crtao, modelirao, provodio tehnička istraživanja i eksperimente svih vrsta, uvijek odlučan obaviti stvari i stvoriti nešto potpuno novo."
Nakon 1910. René Lalique se usredotočio na rad sa staklom i u tome postigao neviđene visine. Sljedećih desetljeća pojavile su se njegove fantastične vaze, svjetiljke, bočice za parfeme, pa čak i automobilske maskote i arhitektonski ukrasi, zahvaljujući kojima njegova slava nije jenjavala sve do smrti majstora 1. svibnja 1945. godine. A njegova tvrtka je preživjela rat i uspješno postoji i danas.
Zlatar Georges Fouquet
Još jedan ikonski draguljar ere secesije bio je Georges Fouquet. Rođen je 1862. godine u obitelji poznatog draguljara Alfonsa Fouqueta, koji se proslavio 1870-ih po svom neorenesansnom nakitu. Georges je učio nakit sa svojim ocem i 1880. počeo je raditi u njegovoj draguljarskoj tvrtki. Godine 1895. Alfons Fouquet predao je upravljanje poslom svom sinu, a on je s entuzijazmom prionuo na posao želeći udahnuti novi život očevoj firmi.
Draguljar Henri Vever o njemu je napisao: „Neumoran radnik, fasciniralo ga je sve novo, a njegova potraga za inspiracijom bila je neumorna“.
Godine 1898. Fouquet je predstavio svoj prvi secesijski nakit. Senzualne zaobljene linije, prigušeni emajli i suptilne teksture bili su vrlo efektni i gotovo jednaki nakitu René Lalique. Ali sam Fouquet, za razliku od Laliquea, nije bio dizajner i privukao je mnoge poznate umjetnike svog vremena na rad. U povijest je ušla njegova suradnja s Alfonsom Marijom Muchom, umjetnikom čiji je rad također postao živopisan simbol ere secesije.
Njihovo poznanstvo dogodilo se zahvaljujući Sarah Bernhardt, koja je 1898. godine došla u draguljarnicu Georges Fouquet sa skicom zmijske narukvice koju je stvorio Alfons Mucha. Ova narukvica bila je dio kostima Medeje iz istoimene predstave prema drami Katula Mendeza, koja je premijerno izvedena iste 1898. godine.
Na posteru Alfonsa Muche slična se narukvica može vidjeti na ruci Sary Medea. Vjerojatno je glumica poželjela imati takav u životu, te je naručila Alfonsa Muchu da ga dizajnira, a za izvođača je odabrala Fouqueta. Draguljar je bio toliko fasciniran dizajnom narukvice da je predložio da Alfons Mucha napravi kolekciju nakita za Svjetsku izložbu u Parizu 1900. godine. Tako je rođena serija otkačenih ogrlica, zamršenih broševa od korža i narukvica, koje su, iako neudobne i prilično teške, utjelovile jedinstveni stil Alfonsa Muche i demonstrirale vještinu Georgesa Fouqueta.
Posjetitelji izložbe vidjeli su utjelovljene dragulje s Muchinih plakata. Ostavili su snažan dojam, no kritičari su bili oštri u ocjenama, nazivajući ih "čudnim ukrasima s čudnim ukrasima". Suradnja između Fouqueta i Muche trajala je samo nekoliko godina, ali upravo je ona pomogla promijeniti stil nakita Georgesa Fouqueta i donijela slavu njegovoj tvrtki.
Osim izrade nakita, Fouquet je pisao članke i knjige, u jednoj od kojih je proglasio:
“Neće preživjeti luksuzni nakit, već onaj kod kojeg je cijena materijala manja od ljepote - akvamarin, ametist, topaz, turmalin. Umjetnost koja nikada ne stari produžit će život ovim draguljima. Nikada se neće rastaviti da bi se kamenje ponovno upotrijebilo. Te stvari su prije svega umjetnička djela, a ne način ulaganja novca.
Zlatar Henri Vever
Henri Vever treći je junak ove priče i još jedan izvanredan majstor ere secesije. Poput Fouqueta, Vever je početkom 1821. stoljeća bio na čelu obiteljske draguljarnice Maison Vever koju je osnovao njegov djed 1854. godine. Henri Vever rođen je 1881. godine i od mladosti je zajedno sa svojim bratom Paulom studirao upravljanje obiteljskom tvrtkom, a studirao je i crtanje, modeliranje i ukrasni dizajn na Ecole des Beaux-Arts u Parizu. Tako je do trenutka kada je Henrijev i Paulov otac otišao u mirovinu XNUMX. godine, imao dostojne nasljednike. Paul je bio odgovoran za komercijalni razvoj u tvrtki, dok je Henri bio odgovoran za dizajn i proizvodnju nakita. Zahvaljujući Henriju Veveru, stil tvrtke za nakit postupno se transformirao iz historicizma u modernost.
Na Svjetskoj izložbi u Parizu 1900. godine, Maison Vever je dobio drugu Grand Prix za svoj izuzetan secesijski nakit, koji se smatra najboljim dostignućima tvrtke. Međutim, iako su imali sve karakteristične značajke stila (profinjene ženske slike, floru i faunu), Henri Vever nakit je bio konzervativniji u usporedbi s ekstravagantnim proizvodima René Lalique.
Još jedna razlika "Maison Vever" bila je u tome što je tvrtka radila uglavnom s plemenitim metalima i dragim kamenjem. Henri nije imao istu hrabrost i interes za eksperimente kao njegovi kolege, a mnogo je rjeđe posezao za jeftinim materijalima.
Osim po nakitu, Henri Vever proslavio se i kao kolekcionar japanskih gravura, kao i autor jednog od najvažnijih znanstvenih djela o nakitu - “Francuski nakit XNUMX. stoljeća”. U ovoj knjizi detaljno opisuje razvoj nakita, od doba konzulata do doba secesije.
Maestro Lucien Gaillard
I posljednji heroj ovog članka bit će Lucien Gaillard. Danas je poznat mnogo manje od Laliquea, Fouqueta pa čak i Vevera, ali nije ništa manje važna figura u secesijskoj nakitnoj umjetnosti. Glavna razlika između njegova nakita bila je privlačnost japanskoj umjetnosti.
Japanska umjetnost bila je jedan od glavnih izvora secesije, nadahnjivala je europske majstore dinamičnim ritmom i gipkošću linija biljnog ukrasa, nedovršenošću pokreta, lakoćom i posebnom stilizacijom koja je prirodne motive pretvarala u ukrasne uzorke.
Lucien Gaillard rođen je 1861. i, kao i prethodna dva obrtnika, započeo je svoju karijeru kao učenik svog oca, kujundžije Ernesta Gaillarda. Tijekom svog školovanja savršeno je savladao tehnike brušenja i graviranja na zlatu i srebru, pohađao razne tečajeve nakita kod majstora Dujardina i Salmona i na kraju nadmašio svog oca. Godine 1892. Ernest Gaillard je svoju radionicu dao svom sinu.
Lucien Gaillard se već na početku svoje karijere zainteresirao za japanske legure i lakove, koji se nisu koristili u Francuskoj, ali su bili toliko divni da su zadivili kako njegove suvremenike, tako i buduće generacije istraživača njegova rada.
Draguljar Henri Vever ovako je govorio o njemu: “Strastveno zaljubljen u svoju profesiju, neumorni istraživač koji je očaravao svojim radom, Gaillard je entuzijastično, sa zanosom shvaćao sve složene tehnološke aspekte nakita, poput legura nakita, pozlate, patiniranja, postižući izvrsne rezultate.”
Kao i kod drugih gore spomenutih zlatara, godina 1900. bila je od velike važnosti za Luciena Gaillarda. Te se godine u njegovom životu dogodilo nekoliko događaja odjednom - kupio je novu zgradu, pozvao japanske majstore da rade, pomažući mu da shvati zamršenost nacionalne umjetnosti i, naravno, sudjelovao je na Svjetskoj izložbi u Parizu, gdje je dobio nagradu Grand Prix, a osim toga, upoznao se s najnovijim djelima Renéa Laliquea, kojeg je nazvao svojom inspiracijom.
Dvojica majstora imala su zajedničku osobinu - obojica su izmislili nove tehnike, pokušavajući svojim djelima dati poseban karakter. Ali ono što je Gaillarda razlikovalo od Laliquea bila je njegova privlačnost japanskoj umjetnosti i japanskim tehnikama, zahvaljujući čemu su Gaillardova djela bila suzdržanija u boji i kompoziciji.
Jedno od Gaillardovih najboljih djela je narukvica Apple Branch. Zlatar je uspio stvoriti vrlo zanimljivo, čak jedinstveno djelo. U svakom elementu narukvice vidimo samostalnu i skladno izgrađenu komornu sliku cvijeća na granama, dok su svi elementi spojeni u jedinstvenu, jednako cjelovitu kompoziciju. To je glavno načelo japanskih motiva koje Gaillard slijedi - usklađena ritmička struktura svih kompozicijskih elemenata.
Grb krizanteme još je jedna referenca na Gaillardove japanske motive. Majstor slobodno aranžira dva cvijeta, slijedeći principe prikaza krizantema u japanskim gravurama. Gaillard je u ovom radu koristio rog s kojeg je postupno uklanjao slojeve. Time je postigao prozirnost, naspram koje su graciozne latice cvijeća počele djelovati voluminozno. Volumen naglašavaju i mliječnoplavi opali umetnuti u jezgru krizantema.
Ništa manje zanimljiva nije ni velika ukosnica iz amsterdamskog Rijksmuseuma, na kojoj je Gaillard prikazao dva vretenca kako se bore oko velikog citrina. Prirodni motiv je vrlo naturalističan, dinamičan i ekspresivan. Zlatar je izveo ukras s velikom realističnom autentičnošću, prenoseći neposrednost brzog kretanja insekata.
Gaillard također hrabro kombinira dragocjene i poludragocjene materijale u ovom komadu nakita: krila kukca izrađena su od prozirnog roga i ukrašena smaragdima. Vrhovi krila prekriveni su emajlom uokvirenim raspršenim malim dijamantima. Tijela vretenaca izrađena su od zlata i ukrašena prugama tamnozelenog i plavog emajla.
Godine 1902. nekoliko radova Luciena Gaillarda predstavljeno je na izložbi u Glasgowu i postiglo je takav uspjeh da ga je nakon toga francuska vlada odlikovala Legijom časti. Od tog trenutka Gaillard postaje jedan od najpoznatijih francuskih draguljara ere secesije, no nakon 1910. njegova stvaralačka aktivnost počinje jenjavati dok konačno ne završava 1925. godine.
Svaki od junaka ovog članka imao je svoj jedinstveni stil i vlastiti pristup stvaranju nakita, ali sve ih je ujedinila želja za stvaranjem ne samo dragocjenog nakita, već istinski umjetničkih stvari, koristeći za njih i drago kamenje i metale, i materijala, koji se ne smatraju vrijednim u nakitu. Izvorne ideje ovih velikih majstora pretvorile su poludrage metale i kamenje u prava umjetnička djela, a oni sami zauvijek su upisani u svjetsku povijest.
