Míg a historizmus mesterei a múlt legkülönfélébb stílusait reprodukálták és ötvözték, bizonyos automatizmusba juttatva azt, addig a szecesszió forgószélként, friss tengeri szélként tört be a művészetbe, felszabadítva, megtisztítva, inspirálva. Új formák, új anyagok, új kombinációk világát nyitotta meg.
A szecesszió egy rövid távú, de hihetetlenül szép és egyben nagyon összetett művészi jelenség volt, amely felölelte a művészet abszolút minden fajtáját, beleértve az ékszereket is. A szecesszió korszaka nagy mesterek egész galaxisát adta a világnak, akik viszont új életet leheltek az ékszerművészetbe, és az „utolsó nagy stílus” élére hozták azt. Ebben a cikkben megismerjük a korszak néhány főszereplőjét - René Lalique-ot, Georges Fouquet-t, Henri Vevert és Lucien Gaillard-ot.
Az ékszerzseni René Jules Lalique
Korának ékszerészei között vitathatatlan zseni és vezető volt kiváló mester René Laliqueakinek munkásságában éppen a francia szecesszió lényege öltött testet. A nem értékes és gyakran törékeny anyagok, különösen az öntött üveg használata forradalmi volt a maga korában.
René Lalique 1860-ban született Ay kisvárosában, Reimstől 28 kilométerre délre. 1876-ban a vezető párizsi ékszerésznél, Louis Ococknál kezdett tanulni, majd 1878-ban Londonba ment, ahol a következő két évben kizárólag tervezést tanult. Ez az átfogó oktatás tette lehetővé számára, hogy a jövőben önállóan készítse el az összes ékszerét - a vázlatok létrehozásától a kész munkák utolsó simításáig. A munka kezdeti éveiben Lalique vázlatokat készített olyan híres mestereknek, mint Cartier, Boucheron, Vever.
Ez utóbbi viszont fontos szerepet játszott Lalique saját stílusának kialakulásában. 1886-ban Jules Destape „egyedülálló tehetsége elismeréseként” ajándékozta neki ékszerműhelyét. Most, hogy René Lalique mindennel megvolt, ami a munkához szükséges, az ihlet keresése felé fordult, amelyet az Arts and Crafts mozgalom ötleteiben talált meg, amelyek a kézművesség újjáélesztését szorgalmazták, valamint a növényi és állati motívumokat népszerűsítették. Ezeket az ötleteket felkarolva Lalique velük szinkronban fejlődött, és ő lett az első, aki elhozta a szecessziót az ékszerművészetbe.
Lalique az 1897-es brüsszeli világkiállításon mutatta be első szecessziós ékszereit. De kreatív életrajzának fő eseménye az 1900-as párizsi világkiállítás volt. Ékszerkiállításáért Lalique nagydíjat kapott, a kormány pedig a Becsületrend érdemrendjével tüntette ki. Igazi diadal volt.
A francia kritikus, Léonce Benedite így írt róla "Igazi újító. Ő (Lalique) volt az, aki lebontotta a régi korlátokat, felborította az erős hagyományokat és új nyelvet teremtett.".
A kutatók René Lalique-ot a három „F” mesterének nevezik – „femme”, „flore”, „faune”. A nők, a növény- és állatvilág központi helyet foglalt el a mester munkásságában, és okkal nevezték elsőnek a nőket. A gyönyörű hosszú hajú mascaronok és aktok a Lalique ékszerek visszatérő motívumaivá válnak. És bár a szecessziót általában nőies stílusnak tartották, mivel a legtöbb művész a női képek felé fordult, bátornak kellett lenni ahhoz, hogy a kecses meztelen női testet ékszerekben is felhasználják.
René Lalique egyik leghíresebb terméke, amelyben a női imázsra hivatkozik, az általa 1897-1898-ban készített "Sárkánynő" fűződísz. Ma a lisszaboni Gulbenkian Múzeum gyűjteményében található, amelyet Calouste Gulbenkian pénzember és olajmágnás alapított, aki egyedülálló gyűjteményt halmozott fel Lalique-művekből.
Ebben az ékszerben René Lalique nagyon szokatlan megjelenést hoz létre, amely egyesíti a nőt, a szitakötőt és a kimérát. Szó szerint a szemünk előtt fantasztikus átalakulás játszódik le - egy gyönyörű nő, akinek keze helyett szitakötő szárnya van, megjelenik egy nagy karmos mancsú kiméra szájából.
Ismeretes, hogy ez a fűződísz Sarah Bernhardt ruhájának része volt, amelyben a színház színpadán tündökölt. 1900-ban pedig a „szitakötő nő”, valamint Lalique számos alkotása, amelyek ma a Gulbenkian Múzeum gyűjteményében találhatók (fésű-tiara „Kakas”, nyaklánc-choker „Erdei táj”, „Kígyók” fűzős ékszerek ”) a párizsi világkiállításon mutatták be, és meglepetést és csodálatot váltottak ki a látogatók és a kritikusok körében egyaránt.
A Forest Landscape choker nyaklánc hasonlóan kiemelkedő alkotás Lalique-tól. Három részből áll, amelyek egyetlen összetett és sokrétű kompozíciót mutatnak be. Az előtérben Lalique arany fatörzseket ábrázolt, amelyeken keresztül a középső térben egy opálos tavat látunk, melynek túlfolyása a víz mozgásának illúzióját kelti. A háttérben a tó homokot utánzó gyémántokból kialakított partja. Ez a díszítés nemcsak szokatlanságával nyűgöz le, hanem azzal is, hogy mennyire valósághűre sikerült az ábrázolt táj.
Bájosak az aszimmetrikus Lalique medálok, amelyeken az ékszerész erdei tájak töredékeit ábrázolja - télen vagy ősszel. Közülük is kiemelkedik az 1900-1901-ben készült Téli táj medál. Lalique összetett formába helyezi a kékes-szürke laminált üveget, fatörzsekkel, amelyek úgy tűnnek, mintha a téli szürkület ködében lennének. Az üveghasználat Lalique kreativitásának egyik jellemzőjévé vált, más ismert ékszerészek nem használtak üveget a létrehozásának összetett technológiai folyamata miatt. A jobb oldali üvegháttér tetejére az ékszerész zománctechnikával készült, behavazott fenyőfát helyezett el. A kompozíciót aranyszínű lucfenyő ágak keretezik akvamarin betétekkel és gyöngy medállal.
Lalique munkáiban óriási volt a témák sokfélesége – tájak (erdő, tél, tavasz), őszi levelek, nyári virágok és bogyók, állatok és madarak, hüllők és rovarok. De mindegyiket egyesíti a kompozíciók összetettsége és egyedisége, a rengeteg alaposan kidolgozott részlet és a nem szabványos anyagok és technikák, amelyekkel az ékszerész folyamatosan kísérletezik. Ahogy ő maga írta:
„... a végletekig kellett elmennem, hogy feladjak mindent, amit korábban elértem. Szüntelenül dolgoztam: rajzoltam, modelleztem, műszaki kutatásokat és mindenféle kísérletet végeztem, mindig elhatároztam, hogy véghezviszem a dolgokat, és valami teljesen újat alkotok."
1910 után René Lalique az üveggel való megmunkálásra koncentrált, és ebben soha nem látott magasságokat ért el. A következő évtizedekben megjelentek fantasztikus vázái, lámpái, parfümös üvegei, sőt autós kabalája és építészeti dekorációi is, melyeknek köszönhetően hírneve a mester 1. május 1945-jén bekövetkezett haláláig sem fogyott el. Cége pedig túlélte a háborút, és ma is sikeresen létezik.
Georges Fouquet ékszerész
A szecessziós korszak másik ikonikus ékszerésze Georges Fouquet volt. 1862-ben született a híres ékszerész, Alfons Fouquet gyermekeként, aki az 1870-es években vált híressé neoreneszánsz ékszereivel. Georges édesapjával tanult ékszert, és 1880-ban ékszercégében kezdett dolgozni. 1895-ben Alfons Fouquet fiának adta át a vállalkozás irányítását, aki lelkesen hozzálátott a munkához, új életet akarva lehelni apja cégébe.
Henri Vever ékszerész ezt írta róla: "Fáradhatatlan munkás, minden új lenyűgözte, és az inspiráció keresése fáradhatatlan volt.".
1898-ban a Fouquet bemutatta első szecessziós ékszereit. Az érzéki ívelt vonalak, a tompított zománcok és a finom textúrák nagyon hatásosak voltak, és majdnem megegyeztek a René Lalique ékszerekkel. De maga Fouquet, Lalique-kal ellentétben, nem volt tervező, és korának számos híres művészét vonzotta a munkába. Együttműködése Alfons Maria Mucha művésszel, akinek munkássága a szecessziós korszak élénk szimbólumává is vált, bevonult a történelembe.
Ismerkedésük Sarah Bernhardtnak köszönhető, aki 1898-ban egy Alfons Mucha által készített kígyó karkötő vázlatával érkezett a Georges Fouquet ékszerüzletbe. Ez a karkötő Medea jelmezének része volt a Katul Mendez drámája alapján készült, azonos című előadásból, amelynek bemutatója ugyanabban az 1898-ban volt.
Az Alfons Mucha plakáton egy hasonló karkötő látható Sary Medea kezén. Valószínűleg a színésznő szeretett volna egyet az életében, Alfons Muchát bízta meg a tervezéssel, és Fouquet-t választotta előadónak. Az ékszerészt annyira lenyűgözte a karkötő dizájnja, hogy azt javasolta Alfons Muchának, hogy készítsen ékszerkollekciót az 1900-as párizsi világkiállításra. Így született meg a szeszélyes nyakláncok, bonyolult fűzős brossok és karkötők sorozata, amelyek bár kényelmetlenek és meglehetősen súlyosak, megtestesítették Alfons Mucha egyedi stílusát, és Georges Fouquet ügyességét mutatták be.
A kiállítás látogatói Mucha plakátjain láthatták a megtestesült ékszereket. Erős benyomást keltettek, de a kritikusok keményen értékelték őket, és "furcsa dekorációknak furcsa díszítéssel" nevezték őket. Fouquet és Mucha együttműködése csak néhány évig tartott, de ez segített megváltoztatni a Georges Fouquet ékszerek stílusát, és hírnevet hozott cégének.
Az ékszerek készítése mellett Fouquet cikkeket és könyveket írt, amelyek egyikében a következőket hirdette:
„Nem a fényűző ékszerek maradnak életben, hanem azok, amelyekben az anyagok ára kisebb, mint a szépségük – akvamarin, ametiszt, topáz, turmalin. A soha nem öregedő művészet meghosszabbítja ezen ékszerek élettartamát. Soha nem fogják szétszedni, hogy újra felhasználják a köveket. Ezek a dolgok elsősorban műalkotások, és nem pénzbefektetési módok.
Henri Vever ékszerész
Henri Vever ennek a történetnek a harmadik hőse és a szecessziós korszak másik kiemelkedő mestere. Fouquet-hoz hasonlóan Vever a 1821. század elején a nagyapja által 1854-ben alapított Maison Vever családi ékszercég vezetője volt. Henri Vever 1881-ben született, és ifjúkorától fogva testvérével, Paullal a családi vállalkozás vezetését tanulta, valamint rajzot, modellezést és díszítőtervezést tanult a párizsi Ecole des Beaux-Arts-ban. Így mire Henri és Paul apja XNUMX-ben nyugdíjba vonult, méltó utódai voltak. Paul a kereskedelmi fejlesztésért volt felelős a cégnél, míg Henri az ékszerek tervezéséért és gyártásáért volt felelős. Henri Vevernek köszönhetően az ékszergyártó cég stílusa fokozatosan átalakult a historizmusból a modernitásba.
Az 1900-as párizsi világkiállításon a Maison Vever második nagydíjat kapott a remek szecessziós ékszereiért, amelyeket a cég legjobb teljesítményének tartanak. Azonban bár a stílus minden jellegzetes vonása (kifinomult női képek, növény- és állatvilág) megvolt bennük, a Henri Vever ékszerek konzervatívabbak voltak René Lalique extravagáns termékeihez képest.
A "Maison Vever" másik különbsége az volt, hogy a cég főként nemesfémekkel és drágakövekkel dolgozott. Henrinek nem volt olyan bátorsága és érdeklődése a kísérletek iránt, mint kollégái, és sokkal ritkábban folyamodott olcsó anyagokhoz.
Az ékszerek mellett Henri Vever a japán metszetek gyűjtőjeként, valamint az ékszerekkel foglalkozó egyik legfontosabb tudományos mű szerzőjeként, a „XIX. századi francia ékszerként” vált híressé. Ebben a könyvben részletesen ismerteti az ékszerek fejlődését a konzulátus korától a szecesszió korszakáig.
Lucien Gaillard mester
A cikk utolsó hőse pedig Lucien Gaillard lesz. Manapság sokkal kevésbé ismerik, mint Lalique-ot, Fouquet-t és még Vevert is, de nem kevésbé fontos alakja a szecessziós ékszerművészetnek. A fő különbség ékszerei között a japán művészet iránti vonzalom volt.
A japán művészet a szecesszió egyik fő forrása volt, dinamikus ritmusával és a növényi dekorációs vonalak rugalmasságával, a mozgás befejezetlenségével, a könnyedséggel és a természetes motívumokat dekoratív mintákká alakító különleges stilizációval inspirálta az európai mestereket.
Lucien Gaillard 1861-ben született, és a két korábbi kézműveshez hasonlóan apja, Ernest Gaillard ezüstműves tanítványaként kezdte pályafutását. Megalakulása során tökéletesen elsajátította az aranyra és ezüstre való hajszolás és gravírozás technikáit, számos különféle ékszertanfolyamon vett részt Dujardin és Salmon mestereknél, és végül megelőzte apját. Ernest Gaillard 1892-ben fiának adta műhelyét.
Lucien Gaillard már pályafutása elején érdeklődni kezdett a japán ötvözetek és lakkok iránt, amelyeket Franciaországban nem használtak, de annyira elragadóak voltak, hogy mind kortársait, mind pedig munkásságának kutatóinak jövő generációit lenyűgözték.
Henri Vever ékszerész így beszélt róla: „A hivatása iránt szenvedélyesen szerelmes, fáradhatatlan kutató, aki elbűvölte munkáját, Gaillard lelkesen, elragadtatással értette meg az ékszerek összes összetett technológiai vonatkozását, mint például az ékszerötvözetek, aranyozás, patinálás, kiváló eredményeket érve el.”
A többi fent említett ékszerészhez hasonlóan az 1900-as év nagy jelentőséggel bírt Lucien Gaillard számára. Abban az évben egyszerre több esemény is történt az életében - új épületet szerzett, japán mestereket hívott munkára, segítve megérteni a nemzeti művészet fortélyait, és természetesen részt vett a párizsi világkiállításon, ahol megkapta a Grand Prix, és emellett megismerkedett René Lalique legújabb munkáival, akit ihletőjeként nevezett.
A két mesterben volt egy közös vonás - mindketten új technikákat találtak ki, igyekeztek különleges karaktert adni munkáiknak. Gaillardot azonban az különböztette meg Lalique-tól, hogy vonzó volt a japán művészethez és a japán technikákhoz, aminek köszönhetően Gaillard művei színben és kompozícióban visszafogottabbak voltak.
Gaillard egyik legjobb munkája az Apple Branch karkötő. Az ékszerésznek nagyon érdekes, sőt egyedi alkotást sikerült alkotnia. A karkötő minden elemében egy független és harmonikusan felépített kamraképet látunk virágok ágain, miközben az összes elemet egyetlen, egyformán egységes kompozícióvá egyesítik. Ez a japán motívumok fő elve, amelyet Gaillard követ – az összes kompozíciós elem harmonizált ritmikus szerkezete.
A krizantém címere egy másik utalás Gaillard japán motívumaira. A mester szabadon rendez két virágot, követve a krizantémok japán metszeteken való ábrázolásának elveit. Gaillard kürtöt használt ebben a munkában, amelyről fokozatosan eltávolította a rétegeket. Ezzel elérte az áttetszőséget, amivel szemben a kecses virágszirmok terjedelmesnek tűntek. Hangsúlyozza a térfogatot és a krizantém magjába berakott tejkék opálokat.
Nem kevésbé érdekes egy nagy hajtű az amszterdami Rijksmuseumból, amelyen Gaillard két szitakötőt ábrázolt, akik egy nagy citrin felett harcolnak. A természetes motívum nagyon naturalista, dinamikus és kifejező. Az ékszerész a díszítést nagy valósághű hitelességgel, a rovarok gyors mozgásának közvetlenségét közvetítve készítette el.
Gaillard ebben az ékszerben is bátran ötvözi az értékes és féldrágaanyagokat: a rovarszárnyak átlátszó szarvból készülnek, smaragddal díszítve. A szárnyak hegyét kis gyémántokkal keretezett zománc borítja. A szitakötő testek aranyból készültek, és sötétzöld és kék champlevé zománc csíkokkal díszítették.
1902-ben Lucien Gaillard több művét is bemutatták egy kiállításon Glasgow-ban, és akkora sikert aratott, hogy ezt követően a francia kormány a Becsület légiójával tüntette ki. Ettől a pillanattól kezdve Gaillard a szecessziós korszak egyik leghíresebb francia ékszerésze lett, de 1910 után kreatív tevékenysége kezdett elhalványulni, míg végül 1925-ben véget ért.
A cikk mindegyik hősének megvolt a maga egyedi stílusa és saját megközelítése az ékszerek készítéséhez, de mindannyiukat egyesítette az a vágy, hogy ne csak értékes ékszereket, hanem valóban művészi dolgokat alkossanak, drágaköveket és fémeket egyaránt felhasználva. olyan anyagok, amelyek nem tekinthetők értékesnek az ékszerekben. E nagy mesterek eredeti ötletei a féldrágafémeket és a köveket valódi műalkotásokká változtatták, és maguk is örökre beírták magukat a világtörténelembe.
