역사주의의 거장들이 과거의 가장 다양한 스타일을 재현하고 결합하여 특정 자동화로 가져온 반면, 아르누보는 회오리 바람처럼, 신선한 바닷 바람처럼 자유롭게, 정화하고, 영감을주는 예술로 폭발했습니다. 그는 새로운 형태, 새로운 재료, 새로운 조합의 세계를 열었습니다.
아르누보는 단기적이었지만 엄청나게 아름다웠고 동시에 보석을 포함한 모든 유형의 예술을 절대적으로 포괄하는 매우 복잡한 예술적 현상이었습니다. 근대성의 시대는 전 세계에 위대한 거장들의 은하계 전체를 제공했으며, 그들은 차례로 보석 예술에 새로운 생명을 불어넣고 "마지막 위대한 스타일"의 최전선으로 가져왔습니다. 이 기사에서는 René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever 및 Lucien Gaillard와 같은 시대의 주인공에 대해 알아볼 것입니다.
보석 천재 René Jules Lalique
그 시대의 보석상들 사이에서 논란의 여지가 없는 천재이자 지도자는 뛰어난 거장 René Lalique그의 작품에는 프랑스 아르누보의 정수가 구현되었습니다. 귀중하지 않고 깨지기 쉬운 재료, 특히 성형 유리를 사용한 그의 사용은 당시로서는 혁명적이었습니다.
René Lalique는 1860년 Reims에서 남쪽으로 28km 떨어진 작은 마을 Ay에서 태어났습니다. 1876년에 그는 파리의 유명한 보석상인 Louis Ocock과 함께 공부하기 시작했고, 1878년에는 런던으로 가서 다음 XNUMX년 동안 전적으로 디자인을 공부했습니다. 스케치 제작부터 완성품의 최종 손질에 이르기까지 향후 모든 주얼리를 독립적으로 제작할 수 있었던 것은 이러한 포괄적인 교육 덕분이었습니다. 작업 초기에 Lalique는 Cartier, Boucheron, Vever와 같은 유명한 거장을 위해 스케치를 만들었습니다.
후자는 차례로 Lalique 자신의 스타일 개발에 중요한 역할을했습니다. 1886년에 Jules Destape는 "그의 독특한 재능을 인정하여" 보석 작업장을 그에게 제공했습니다. 이제 작업에 필요한 모든 것을 갖춘 René Lalique는 예술과 공예의 부흥을 요구하고 식물과 동물 모티프를 장려하는 예술 및 공예 운동의 아이디어에서 찾은 영감을 찾기 시작했습니다. 이러한 아이디어를 수용한 Lalique는 이러한 아이디어와 함께 발전하여 주얼리 예술에 아르누보를 도입한 최초의 인물이 되었습니다.
Lalique는 1897년 브뤼셀에서 열린 세계 전시회에서 최초의 아르누보 주얼리를 선보였습니다. 그러나 그의 창작 전기의 주요 사건은 1900년 파리 만국박람회였다. 그의 보석 박람회를 위해 Lalique는 Grand Prix를 받았으며 정부는 그에게 Legion of Honor 훈장을 수여했습니다. 진정한 승리였습니다.
프랑스 비평가 Léonce Benedite는 그에 대해 다음과 같이 썼습니다. "진정한 혁신가. 그(라리크)는 오래된 장벽을 허물고 강한 전통을 뒤엎고 새로운 언어를 창조한 사람입니다.".
연구원들은 René Lalique를 세 가지 "F"- "femme", "flore", "faune"의 마스터라고 부릅니다. 주인의 작업에서 중심 위치를 차지한 것은 여성, 동식물이었고 여성은 이유 때문에 첫 번째로 명명되었습니다. 아름다운 긴 머리의 마스카론과 누드는 Lalique 주얼리에서 반복되는 모티프가 됩니다. 그리고 아르누보는 일반적으로 여성적인 스타일로 간주되었지만 대부분의 예술가가 여성 이미지로 전환했기 때문에 우아한 나체 여성의 몸을 보석으로 사용할 용기가 있어야했습니다.
René Lalique가 여성 이미지를 언급한 가장 유명한 제품 중 하나는 1897-1898년에 그가 만든 "Dragonfly Woman" 코사지 장식입니다. 오늘날 그것은 Lalique 작품의 독특한 컬렉션을 모은 금융가이자 석유 거물인 Calouste Gulbenkian이 설립한 리스본의 Gulbenkian 박물관 컬렉션에 있습니다.
르네 라리크는 이 주얼리에서 여성, 잠자리, 키메라를 결합한 매우 특이한 룩을 연출합니다. 말 그대로 우리 눈앞에서 환상적인 변신이 일어납니다. 손 대신 잠자리 날개를 가진 아름다운 여성이 큰 발톱이 달린 키메라의 입에서 나타납니다.
이 코사지 장식은 연극 무대에서 빛을 발한 사라 베른하르트의 의상의 일부였던 것으로 알려져 있다. 그리고 1900 년에 "Dragonfly Woman"과 오늘날 Gulbenkian Museum 컬렉션에있는 Lalique의 여러 작품 (comb-tiara "Cockerel", 목걸이 초커 "Forest Landscape", 코사지 보석 "Snakes") ”) 파리 세계 전시회에 전시되어 방문객과 비평가 모두에게 놀라움과 감탄을 불러 일으켰습니다.
포레스트 랜드스케이프 초커 네크리스도 Lalique의 뛰어난 작품입니다. 그것은 하나의 복잡하고다면적인 구성을 나타내는 세 부분으로 구성됩니다. 전경에서 Lalique는 황금 나무 줄기를 묘사했으며 중간 지점에서 우리는 오팔 호수를 볼 수 있으며 그 범람은 물의 움직임의 환상을 만듭니다. 배경에는 모래를 모방한 다이아몬드로 만들어진 호숫가가 있습니다. 이 장식은 독특함뿐만 아니라 묘사된 풍경이 얼마나 사실적인지 보여줍니다.
비대칭 Lalique 펜던트는 매력적이며 보석상은 겨울 또는 가을의 숲 풍경 조각을 묘사합니다. 그중에서도 1900~1901년에 제작된 겨울 풍경 펜던트가 눈에 띈다. 복잡한 형태로 Lalique는 겨울 황혼의 아지랑이처럼 보이는 나무 줄기가 있는 청회색 합판 유리를 넣습니다. 유리의 사용은 Lalique의 창의성의 특징 중 하나가 되었으며, 다른 유명한 보석상들은 복잡한 제작 과정으로 인해 유리를 사용하지 않았습니다. 오른쪽의 유리 배경 위에 보석상은 에나멜 기법을 사용하여 만든 눈 덮인 전나무를 배치했습니다. 구성은 아쿠아마린 인서트와 진주 펜던트가 있는 황금 가문비나무 가지로 둘러싸여 있습니다.
Lalique 작품의 주제는 풍경 (숲, 겨울, 봄), 단풍, 여름 꽃과 열매, 동물과 새, 파충류와 곤충 등 엄청났습니다. 그러나 그들 모두는 구성의 복잡성과 독창성, 보석상이 지속적으로 실험하는 많은 세부 사항과 비표준 재료 및 기술로 통합됩니다. 그 자신이 쓴 것처럼 :
“... 이전에 이룬 모든 것을 포기하기 위해 극단으로 가야했습니다. 드로잉, 모델링, 기술 연구 및 모든 종류의 실험을 하면서 끈질기게 일했고, 항상 일을 완수하고 완전히 새로운 것을 창조하기로 결심했습니다."
1910년 이후 René Lalique는 유리 작업에 집중했고 이 분야에서 전례 없는 높이를 달성했습니다. 그 후 수십 년 동안 그의 환상적인 꽃병, 램프, 향수병, 심지어 자동차 마스코트와 건축 장식까지 등장하여 1년 1945월 XNUMX일 주인이 사망할 때까지 그의 명성은 사라지지 않았습니다. 그리고 그의 회사는 전쟁에서 살아 남았고 오늘날 성공적으로 존재합니다.
보석상 조르주 푸케
아르누보 시대의 또 다른 상징적 보석상은 Georges Fouquet입니다. 그는 1862년 네오 르네상스 보석으로 1870년대에 유명해진 유명한 보석상인 Alfons Fouquet에게서 태어났습니다. Georges는 아버지와 함께 보석을 공부했고 1880년에 보석 회사에서 일하기 시작했습니다. 1895년 Alfons Fouquet는 경영권을 아들에게 물려주고 아버지의 회사에 새 생명을 불어넣고자 열정적으로 일하기 시작했습니다.
보석상 앙리 베베르는 그에 대해 다음과 같이 썼습니다. "지칠 줄 모르는 일꾼인 그는 새로운 모든 것에 매료되었고 영감을 찾기 위해 끊임없이 노력했습니다.".
1898년 푸케는 최초의 아르누보 주얼리를 선보였습니다. 관능적인 곡선, 차분한 에나멜, 미묘한 질감은 매우 효과적이었고 르네 라리크 주얼리와 거의 동일했습니다. 그러나 Fouquet 자신은 Lalique와 달리 디자이너가 아니었고 당시의 많은 유명한 예술가들을 끌어 들였습니다. 그의 작품이 아르누보 시대의 생생한 상징이 되기도 한 예술가 알폰스 마리아 무하와의 협업은 역사에 기록되었습니다.
그들의 지인은 1898 년 Alfons Mucha가 만든 뱀 팔찌 스케치를 가지고 Georges Fouquet 보석 가게에 온 Sarah Bernard 덕분에 이루어졌습니다. 이 팔찌는 같은 1898년 초연된 Katul Mendez의 연극을 기반으로 한 동명의 공연에서 Medea 의상의 일부였습니다.
Alfons Mucha 포스터에서 Sary Medea의 손에 비슷한 팔찌를 볼 수 있습니다. 아마도 여배우는 그녀의 인생에서 하나를 갖고 싶었고 Alfons Mucha에게 그것을 디자인하도록 명령했고 Fouquet를 연기자로 선택했습니다. 보석상은 팔찌 디자인에 너무 매료되어 Alfons Mucha에게 1900년 파리 세계 박람회를 위한 보석 컬렉션을 만들 것을 제안했습니다. 그리하여 일련의 기발한 목걸이, 복잡한 코사지 브로치 및 팔찌가 탄생했습니다. 불편하고 다소 무겁지만 Alfons Mucha의 독특한 스타일을 구현하고 Georges Fouquet의 기술을 보여주었습니다.
전시회 방문객들은 무하의 포스터에서 구현된 보석을 보았습니다. 그들은 강한 인상을 남겼지만 비평가들은 그들을 "이상한 장식이있는 이상한 장식"이라고 평가하는 데 가혹했습니다. Fouquet와 Mucha의 협력은 불과 몇 년 동안 지속되었지만 Georges Fouquet 보석의 스타일을 바꾸고 그의 회사에 명성을 가져다 준 것은 바로 그것이었습니다.
Fouquet는 보석을 만드는 것 외에도 기사와 책을 썼으며 그중 하나에서 다음과 같이 선언했습니다.
“살아남는 것은 고급스러운 보석이 아니라 아쿠아 마린, 자수정, 토파즈, 전기석과 같이 재료 가격이 아름다움보다 저렴한 보석입니다. 결코 늙지 않는 예술은 이 보석들의 수명을 연장할 것입니다. 그들은 돌을 재사용하기 위해 분해되지 않을 것입니다. 이것들은 주로 예술 작품이며 돈을 투자하는 방법이 아닙니다.
보석상 앙리 베베르
Henri Vever는 이 이야기의 세 번째 영웅이자 아르누보 시대의 또 다른 걸출한 거장입니다. Fouquet와 마찬가지로 Vever는 1821세기 초 그의 할아버지가 1854년에 설립한 가족 보석 회사인 Maison Vever의 대표였습니다. Henri Vever는 1881년에 태어나 어린 시절부터 형 Paul과 함께 가족 사업 경영을 공부했으며 파리의 Ecole des Beaux-Arts에서 드로잉, 모델링 및 장식 디자인도 공부했습니다. 따라서 Henri와 Paul의 아버지가 XNUMX년에 은퇴할 무렵에는 합당한 후계자가 있었습니다. Paul은 회사에서 상업 개발을 담당했고 Henri는 보석 디자인 및 생산을 담당했습니다. Henri Vever 덕분에 주얼리 회사의 스타일은 점차 역사주의에서 현대로 바뀌었습니다.
1900년 파리 세계 박람회에서 Maison Vever는 회사 최고의 업적으로 여겨지는 정교한 아르누보 주얼리로 두 번째 그랑프리를 수상했습니다. 그러나 그들은 스타일의 모든 특징 (세련된 여성 이미지, 동식물)을 가지고 있었지만 Henri Vever 보석은 René Lalique의 사치스러운 제품에 비해 더 보수적이었습니다.
"Maison Vever"의 또 다른 차이점은 회사가 귀금속과 보석을 주로 사용한다는 것입니다. Henri는 동료와 같은 실험에 대한 용기와 관심이 없었고 값싼 재료에 의존하는 빈도가 훨씬 적었습니다.
보석 외에도 Henri Vever는 일본 판화 수집가이자 보석에 관한 가장 중요한 과학 작품 중 하나 인 "XNUMX 세기 프랑스 보석"의 저자로 유명해졌습니다. 이 책에서 그는 영사관 시대부터 아르누보 시대에 이르기까지 주얼리의 발전 과정을 자세히 기술하고 있다.
마에스트로 루시앙 가이야르
그리고 이 기사의 마지막 영웅은 Lucien Gaillard가 될 것입니다. 그는 오늘날 Lalique, Fouquet 및 심지어 Vever보다 훨씬 덜 알려져 있지만 Art Nouveau 보석 예술에서 덜 중요한 인물은 아닙니다. 그의 보석의 주요 차이점은 일본 미술에 대한 매력이었습니다.
일본 미술은 아르누보의 주요 원천 중 하나였으며 식물 장식 선의 역동적인 리듬과 유연성, 움직임의 불완전성, 가벼움 및 자연 모티프를 장식 패턴으로 바꾸는 특별한 양식화로 유럽 거장들에게 영감을 주었습니다.
Lucien Gaillard는 1861년에 태어나 이전의 두 장인과 마찬가지로 아버지인 은세공인 Ernest Gaillard의 학생으로 경력을 시작했습니다. 형성 과정에서 그는 금과 은에 조각하는 기술을 완벽하게 마스터했으며 Dujardin과 Salmon 마스터의 다양한 보석 과정에 참석하여 결국 아버지를 능가했습니다. 1892년 Ernest Gaillard는 자신의 작업장을 아들에게 선물했습니다.
이미 그의 경력 초기에 Lucien Gaillard는 프랑스에서 사용되지 않은 일본 합금 및 바니시에 관심을 갖게되었지만 너무 기뻐서 그의 동시대 사람들과 미래 세대의 연구자들 모두를 놀라게했습니다.
보석상 앙리 베베르는 그에 대해 이렇게 말했습니다. "자신의 직업을 열정적으로 사랑하는 지칠 줄 모르는 연구원인 Gaillard는 열정적으로 보석 합금, 도금, 패티네이션과 같은 보석의 모든 복잡한 기술적 측면을 황홀하게 이해하여 탁월한 결과를 얻었습니다."
위에서 언급한 다른 보석상들과 마찬가지로 1900년은 Lucien Gaillard에게 매우 중요한 해였습니다. 그해에 그의 인생에서 한 번에 여러 사건이 발생했습니다. 그는 새 건물을 구입하고 일본 거장을 초대하여 국가 예술의 복잡성을 이해하도록 돕고 물론 파리에서 열린 세계 전시회에 참가하여 그랑프리, 그 외에도 그는 영감을 얻은 René Lalique의 최신 작품에 대해 알게되었습니다.
두 거장에게는 공통된 특징이 있었습니다. 둘 다 새로운 기술을 발명하여 작품에 특별한 특징을 부여하려고 했습니다. 그러나 Gaillard와 Lalique를 구별하는 것은 Gaillard의 작품이 색상과 구성이 더 제한되어 있기 때문에 일본 예술과 일본 기술에 대한 그의 호소였습니다.
Gaillard의 최고의 작품 중 하나는 Apple Branch 팔찌입니다. 보석상은 매우 흥미롭고 독특한 작품을 만들었습니다. 팔찌의 각 요소에서 우리는 가지에 꽃이 있는 독립적이고 조화롭게 만들어진 챔버 이미지를 볼 수 있으며 모든 요소는 하나의 동등하게 통합된 구성으로 결합됩니다. 이것은 Gaillard가 따르는 일본 모티프의 주요 원칙입니다. 모든 구성 요소의 조화로운 리듬 구조입니다.
국화 문장은 Gaillard의 일본 모티프에 대한 또 다른 참조입니다. 주인은 일본 판화에서 국화를 묘사하는 원칙에 따라 두 송이의 꽃을 자유롭게 배치합니다. Gaillard는 이 작업에서 뿔을 사용했으며 점차 레이어를 제거했습니다. 이를 통해 그는 우아한 꽃잎이 볼륨감있게 보이기 시작하는 반투명성을 얻었습니다. 국화의 중심부에 박힌 밀키 블루 오팔과 볼륨감을 강조합니다.
덜 흥미로운 것은 Gaillard가 큰 황수정을 놓고 싸우는 두 마리의 잠자리를 묘사 한 Amsterdam Rijksmuseum의 큰 머리핀입니다. 자연 모티프는 매우 자연스럽고 역동적이며 표현력이 뛰어납니다. 보석 세공인은 곤충의 빠른 움직임의 직접성을 전달하면서 매우 사실적인 진정성으로 장식을 실행했습니다.
Gaillard는 또한 이 장신구에 귀중한 재료와 준보석 재료를 대담하게 결합합니다. 곤충의 날개는 투명한 뿔로 만들어지고 에메랄드로 장식되어 있습니다. 날개 끝은 작은 다이아몬드가 흩어져 있는 에나멜로 덮여 있습니다. 잠자리 몸체는 금으로 만들어졌으며 짙은 녹색과 파란색의 샹르베 에나멜 줄무늬로 장식되어 있습니다.
1902년에 Lucien Gaillard의 여러 작품이 Glasgow에서 열린 전시회에서 발표되었고 큰 성공을 거둔 후 프랑스 정부는 그에게 Legion of Honor를 수여했습니다. 그 순간부터 Gaillard는 아르누보 시대의 가장 유명한 프랑스 보석상 중 한 사람이 되었지만 1910년 이후 그의 창작 활동은 쇠퇴하기 시작하여 1925년에 마침내 끝났습니다.
이 기사의 각 영웅은 고유 한 스타일과 보석 제작에 대한 접근 방식을 가지고 있었지만 귀중한 보석뿐만 아니라 보석과 금속을 모두 사용하여 진정으로 예술적인 것을 만들고자하는 열망으로 모두 뭉쳤습니다. 귀중품으로 간주되지 않는 재료. 이 위대한 거장들의 독창적인 아이디어는 준귀금속과 돌을 실제 예술 작품으로 바꾸어 놓았고, 그들 자신은 영원히 세계사에 새겨졌습니다.
