Kol istorizmo meistrai atkartojo ir derino pačius įvairiausius praeities stilius, privesdami jį iki tam tikro automatizmo, Art Nouveau įsiveržė į meną kaip viesulas, kaip gaivus jūros vėjas, išlaisvindamas, išgrynindamas, įkvėpdamas. Jis atvėrė naujų formų, naujų medžiagų, naujų derinių pasaulį.
Art Nouveau buvo trumpalaikis, bet neįtikėtinai gražus ir kartu labai sudėtingas meninis reiškinys, apėmęs absoliučiai visas meno rūšis, įskaitant juvelyriką. Modernumo era davė pasauliui daugybę puikių meistrų, kurie savo ruožtu įkvėpė juvelyrikos menui naujos gyvybės ir iškėlė jį į „paskutinio didžiojo stiliaus“ priešakį. Šiame straipsnyje susipažinsime su kai kuriais pagrindiniais epochos veikėjais – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever ir Lucien Gaillard.
Juvelyrikos genijus René Jules Lalique
Neabejotinas genijus ir lyderis tarp savo laikų juvelyrų buvo puikus meistras René Laliquekurio kūryboje buvo įkūnyta pati prancūziškojo Art Nouveau esmė. Nebrangių ir dažnai trapių medžiagų, ypač liejo stiklo, naudojimas jo laikui buvo revoliucinis.
René Lalique gimė 1860 m. mažame Ay miestelyje, 28 km į pietus nuo Reimso. 1876 metais jis pradėjo studijuoti pas žymiausią Paryžiaus juvelyrą Louisą Ococką, o 1878 metais išvyko į Londoną, kur kitus dvejus metus studijavo tik dizainą. Būtent šis visapusiškas išsilavinimas leido jam ateityje savarankiškai gaminti visus savo papuošalus - nuo eskizų kūrimo iki galutinių gatavų kūrinių palietimų. Pirmaisiais darbo metais Lalique darė eskizus tokiems garsiems meistrams kaip Cartier, Boucheron, Vever.
Pastarasis savo ruožtu suvaidino svarbų vaidmenį kuriant paties Lalique stilių. 1886 m. Jules'as Destape'as padovanojo jam savo juvelyrikos dirbtuves „pripažindamas jo unikalų talentą“. Dabar René Lalique, turėdamas viską, ko reikia darbui, pasuko į įkvėpimo paieškas, kurias rado Menų ir amatų judėjimo idėjose, raginančioje atgaivinti menus ir amatus, propaguojančius augalų ir gyvūnų motyvus. Priimdama šias idėjas, Lalique vystėsi sinchroniškai su jomis ir tapo pirmuoju, atnešusiu Art Nouveau į juvelyrikos meną.
1897 metais Briuselyje vykusioje pasaulinėje parodoje Lalique pristatė savo pirmuosius Art Nouveau stiliaus papuošalus. Tačiau pagrindinis jo kūrybinės biografijos įvykis buvo pasaulinė paroda Paryžiuje 1900 m. Už papuošalų ekspoziciją Lalique'as gavo Didįjį prizą, o vyriausybė apdovanojo jį Garbės legiono ordinu. Tai buvo tikras triumfas.
Prancūzų kritikas Léonce Benedite rašė apie jį kaip „Tikras novatorius. Jis (Lalique) buvo tas, kuris sugriovė senus barjerus, sugriovė stiprias tradicijas ir sukūrė naują kalbą“..
Mokslininkai René Lalique vadina trijų „F“ – „femme“, „flore“, „faune“ – meistru. Moterys, flora ir fauna užėmė pagrindinę vietą meistro kūryboje, o moterys pirmą kartą buvo pavadintos ne be priežasties. Gražūs ilgaplaukiai maskaronai ir aktai tampa nuolatiniu Lalique papuošalų motyvu. Ir nors Art Nouveau paprastai buvo laikomas moterišku stiliumi, kadangi dauguma menininkių atsigręžė į moteriškus įvaizdžius, reikėjo turėti drąsos papuošaluose panaudoti grakštų nuogą moters kūną.
Vienas žinomiausių René Lalique gaminių, kuriame jis remiasi moters įvaizdžiu, yra korsažo puošmena „Laumžirgis moteris“, kurią jis gamino 1897–1898 m. Šiandien ji yra Lisabonos Gulbenkiano muziejaus kolekcijoje, kurią įkūrė finansininkas ir naftos magnatas Calouste Gulbenkian, sukaupęs unikalią Lalique darbų kolekciją.
Šiuo papuošalu René Lalique sukuria labai neįprastą įvaizdį, kuriame dera moteris, laumžirgis ir chimera. Žodžiu, prieš mūsų akis įvyksta fantastiška transformacija – iš chimeros burnos su didelėmis letenėlėmis išnyra graži moteris su laumžirgio sparnais vietoj rankų.
Žinoma, kad ši korsažo puošmena buvo Saros Bernhardt aprangos dalis, kuria ji spindėjo teatro scenoje. O 1900 m. „Moteris laumžirgis“, taip pat nemažai Lalique darbų, dabar esančių Gulbenkiano muziejaus kolekcijoje (šukos-tiara „Gaidė“, vėrinys-kaklelis „Miško peizažas“, korsažiniai papuošalai „Gyvatės“). buvo rodomi pasaulinėje parodoje Paryžiuje ir sukėlė nuostabą bei susižavėjimą tiek tarp lankytojų, tiek tarp kritikų.
Forest Landscape choker karoliai yra ne mažiau išskirtinis Lalique kūrinys. Jį sudaro trys dalys, kurios sudaro vieną sudėtingą ir daugialypę kompoziciją. Pirmame plane Lalique pavaizdavo auksinius medžių kamienus, pro kuriuos vidurio žemėje matome opalų ežerą, kurio išsiliejimas sukuria vandens judėjimo iliuziją. Fone – ežero pakrantė, sukurta iš smėlį imituojančių deimantų. Ši puošmena žavi ne tik savo neįprastumu, bet ir tuo, kaip tikroviškas pasirodė pavaizduotas peizažas.
Žavingi asimetriški Lalique pakabukai, ant kurių juvelyras vaizduoja miško peizažų – žiemos ar rudens – fragmentus. Tarp jų išsiskiria 1900-1901 metais sukurtas pakabukas Žiemos peizažas. Sudėtingos formos Lalique deda mėlynai pilką laminuotą stiklą su medžių kamienais, kurie atrodo tarsi žiemos prieblandoje. Stiklo panaudojimas tapo vienu iš Lalique kūrybos bruožų, kiti žinomi juvelyrai stiklo nenaudojo dėl sudėtingo technologinio jo kūrimo proceso. Ant stiklo fono dešinėje juvelyras įdėjo apsnigtą eglę, pagamintą emalio technika. Kompoziciją įrėmina auksinės eglės šakos su akvamarino intarpais ir perlų pakabukas.
Temų įvairovė Lalique kūryboje buvo didžiulė – peizažai (miškas, žiema, pavasaris), rudens lapai, vasaros gėlės ir uogos, gyvūnai ir paukščiai, ropliai ir vabzdžiai. Tačiau visas jas vienija kompozicijų sudėtingumas ir unikalumas, daug kruopščiai išdirbtų detalių ir nestandartinės medžiagos bei technikos, su kuriomis juvelyras nuolat eksperimentuoja. Kaip jis pats rašė:
„... Turėjau eiti į kraštutinumą, kad atsisakyčiau visko, ką pasiekiau anksčiau. Dirbau nenuilstamai: piešiau, modeliavau, dariau techninius tyrimus ir visokius eksperimentus, visada pasiryžau atlikti darbus ir sukurti kažką visiškai naujo.
Po 1910 m. René Lalique'as sutelkė dėmesį į darbą su stiklu ir pasiekė precedento neturinčių aukštumų. Vėlesniais dešimtmečiais pasirodė jo fantastiškos vazos, lempos, kvepalų buteliukai ir net automobilių talismanai bei architektūrinės dekoracijos, kurių dėka jo šlovė neišblėso iki pat meistro mirties 1 m. gegužės 1945 d. O jo įmonė išgyveno karą ir sėkmingai gyvuoja šiandien.
Juvelyras Georges Fouquet
Kitas ikoniškas Art Nouveau eros juvelyras buvo Georges Fouquet. Jis gimė 1862 m. garsaus juvelyro Alfonso Fouquet šeimoje, kuris 1870-aisiais išgarsėjo savo neorenesansiniais papuošalais. Georgesas mokėsi juvelyrikos su savo tėvu ir 1880 m. pradėjo dirbti jo juvelyrikos įmonėje. 1895 m. Alfonsas Fouquet perdavė verslo valdymą savo sūnui, o jis ėmėsi darbo su entuziazmu, norėdamas įpūsti naujos gyvybės savo tėvo įmonei.
Juvelyras Henri Veveris apie jį rašė: „Nenuilstantis darbuotojas, jį sužavėjo viskas, kas nauja, o įkvėpimo ieškojimas buvo nenuilstamas“.
1898 m. Fouquet pristatė savo pirmuosius Art Nouveau papuošalus. Jausmingos lenktos linijos, prislopinti emaliai ir subtilios tekstūros buvo labai veiksmingos ir beveik prilygo René Lalique papuošalams. Tačiau pats Fouquet, skirtingai nei Lalique, nebuvo dizaineris ir pritraukė dirbti daug garsių savo laikų menininkų. Jo bendradarbiavimas su Alfonsu Maria Mucha – menininku, kurio kūryba taip pat tapo ryškiu Art Nouveau eros simboliu, įėjo į istoriją.
Jų pažintis įvyko Saros Bernhardt dėka, kuri 1898 metais į Georges Fouquet juvelyrikos parduotuvę atėjo su Alfonso Muchos sukurtu gyvatės apyrankės eskizu. Ši apyrankė buvo Medėjos kostiumo dalis iš to paties pavadinimo spektaklio pagal Katulio Mendezo pjesę, kurios premjera įvyko tais pačiais 1898 m.
Ant Alfons Mucha plakato panašią apyrankę galima pamatyti ant Sary Medea rankos. Tikriausiai aktorė norėjo tokį turėti savo gyvenime, o dizainą užsakė Alfonsui Muchai, o atlikėju pasirinko Fouquet. Juvelyras taip susižavėjo apyrankės dizainu, kad pasiūlė Alfonsui Muchai sukurti papuošalų kolekciją 1900 m. pasaulinei parodai Paryžiuje. Taip gimė įnoringų karolių, įmantrių korsažinių segių ir apyrankių serija, kuri, nors ir buvo nepatogi ir gana sunki, įkūnijo unikalų Alfonso Muchos stilių ir pademonstravo Georges Fouquet meistriškumą.
Parodos lankytojai išvydo įkūnytas brangenybes iš Muchos plakatų. Jie padarė stiprų įspūdį, tačiau kritikai buvo griežti vertindami, vadindami juos „keistomis dekoracijomis su keistomis dekoracijomis“. Fouquet ir Mucha bendradarbiavimas truko vos keletą metų, tačiau būtent jis padėjo pakeisti Georges Fouquet papuošalų stilių ir atnešė šlovę jo kompanijai.
Be papuošalų kūrimo, Fouquet rašė straipsnius ir knygas, viename iš kurių paskelbė:
„Išliks ne prabangūs papuošalai, o tie, kuriuose medžiagų kaina mažesnė už grožį - akvamarinas, ametistas, topazas, turmalinas. Niekada nesenstantis menas prailgins šių brangenybių gyvenimą. Jie niekada nebus išardomi, kad būtų galima pakartotinai panaudoti akmenis. Šie dalykai pirmiausia yra meno kūriniai, o ne būdas investuoti pinigus.
Juvelyras Henri Veveris
Henris Veveris yra trečiasis šios istorijos herojus ir dar vienas išskirtinis Art Nouveau eros meistras. Kaip ir Fouquet, Veveris XX amžiaus pradžioje buvo šeimos juvelyrikos įmonės „Maison Vever“, kurią 1821 m. įkūrė jo senelis, vadovas. Henri Veveris gimė 1854 m. ir nuo jaunystės kartu su broliu Paulu studijavo šeimos verslo vadybą, taip pat studijavo piešimą, modeliavimą ir dekoratyvinį dizainą Paryžiaus meno mokykloje „Ecole des Beaux-Arts“. Taigi 1881 m., kai Henri ir Paulo tėvas išėjo į pensiją, jis turėjo vertų įpėdinių. Paulas buvo atsakingas už komercinę plėtrą firmoje, o Henri buvo atsakingas už papuošalų dizainą ir gamybą. Henri Veverio dėka juvelyrikos įmonės stilius pamažu transformavosi iš istorizmo į modernumą.
1900 m. pasaulinėje parodoje Paryžiuje Maison Vever gavo antrąjį Grand Prix už išskirtinius Art Nouveau papuošalus, kurie laikomi geriausiais įmonės pasiekimais. Tačiau, nors ir turėjo visas būdingas stiliaus savybes (rafinuotus moteriškus įvaizdžius, augaliją ir fauną), Henri Vever papuošalai buvo konservatyvesni, palyginti su ekstravagantiškais René Lalique gaminiais.
Kitas „Maison Vever“ skirtumas buvo tas, kad įmonė daugiausia dirbo su tauriaisiais metalais ir brangakmeniais. Henri neturėjo tokios drąsos ir susidomėjimo eksperimentais kaip jo kolegos ir daug rečiau griebėsi nebrangių medžiagų.
Be papuošalų, Henris Veveris išgarsėjo kaip japoniškų graviūrų kolekcionierius, taip pat vieno iš svarbiausių juvelyrikos mokslo darbų - „XIX amžiaus prancūzų papuošalai“ autorius. Šioje knygoje jis išsamiai aprašo juvelyrikos raidą nuo konsulato laikų iki Art Nouveau eros.
Maestro Lucienas Gaillardas
Ir paskutinis šio straipsnio herojus bus Lucienas Gaillardas. Šiandien jis žinomas daug mažiau nei Lalique, Fouquet ir net Vever, tačiau jis yra ne mažiau svarbi juvelyrikos meno figūra Art Nouveau. Pagrindinis skirtumas tarp jo papuošalų buvo patrauklumas japonų menui.
Japonijos menas buvo vienas iš pagrindinių Art Nouveau šaltinių, jis įkvėpė Europos meistrus dinamišku augalų dekoravimo linijų ritmu ir lankstumu, judesio neužbaigtumu, lengvumu ir ypatinga stilizacija, pavertusia gamtos motyvus dekoratyviniais raštais.
Lucienas Gaillardas gimė 1861 m. ir, kaip ir du ankstesni amatininkai, savo karjerą pradėjo būdamas savo tėvo sidabrakalio Ernesto Gaillardo mokinys. Kurdamasis jis puikiai įvaldė aukso ir sidabro gaudymo ir graviravimo technikas, lankė daugybę įvairių meistrų Dujardino ir Salmono juvelyrikos kursų ir galiausiai pralenkė savo tėvą. 1892 m. Ernestas Gaillardas atidavė savo dirbtuves sūnui.
Jau karjeros pradžioje Lucienas Gaillardas susidomėjo japoniškais lydiniais ir lakais, kurie Prancūzijoje nebuvo naudojami, tačiau buvo tokie žavūs, kad stebino tiek jo amžininkus, tiek ateities jo kūrybos tyrinėtojų kartas.
Juvelyras Henri Veveris apie jį kalbėjo taip: „Aistringai įsimylėjęs savo profesiją, nenuilstantis tyrinėtojas, žavėjęs savo darbais, Gaillardas entuziastingai, su pakylėjimu suvokė visus sudėtingus technologinius juvelyrikos aspektus, tokius kaip papuošalų lydiniai, auksavimas, patinavimas, pasiekęs puikių rezultatų.
Kaip ir kitiems aukščiau minėtiems juvelyrams, 1900-ieji buvo labai svarbūs Lucienui Gaillardui. Tais metais jo gyvenime nutiko keli įvykiai vienu metu - jis įsigijo naują pastatą, pakvietė dirbti japonų meistrus, padėdamas perprasti nacionalinio meno subtilybes ir, žinoma, dalyvavo pasaulinėje parodoje Paryžiuje, kur gavo Grand Prix, o be to, jis susipažino su naujausiais René Lalique, kurį pavadino savo įkvėpimu, darbais.
Abu meistrai turėjo bendrą bruožą – jiedu išrado naujas technikas, stengėsi savo darbams suteikti ypatingo charakterio. Tačiau Gaillard'ą nuo Lalique skyrė jo patrauklumas japonų menui ir japonų technikoms, dėl kurių Gaillard'o darbai buvo santūresni spalvomis ir kompozicijomis.
Vienas geriausių Gaillard’o darbų – „Apple Branch“ apyrankė. Juvelyrai pavyko sukurti labai įdomų, net unikalų kūrinį. Kiekviename apyrankės elemente matome nepriklausomą ir harmoningai pastatytą kamerinį gėlių ant šakų vaizdą, o visi elementai sujungti į vientisą, vienodai vientisą kompoziciją. Tai yra pagrindinis japoniškų motyvų principas, kuriuo vadovaujasi Gaillardas – suderinta ritminė visų kompozicijos elementų struktūra.
Chrizantemos ketera yra dar viena nuoroda į japoniškus Gaillardo motyvus. Meistras laisvai dėlioja dvi gėles, vadovaudamasis chrizantemų vaizdavimo japoniškomis graviūromis principais. Gaillardas šiame darbe panaudojo ragą, nuo kurio palaipsniui pašalino sluoksnius. Tai darydamas jis pasiekė permatomumą, prieš kurį grakštūs gėlių žiedlapiai pradėjo atrodyti dideli. Pabrėžkite tūrį ir pieno mėlynumo opalus, inkrustuotus chrizantemų šerdyje.
Ne mažiau įdomus yra didelis plaukų segtukas iš Amsterdamo Rijksmuseum, ant kurio Gaillardas pavaizdavo du laumžirgius, kovojančius dėl didelio citrino. Natūralus motyvas labai natūralistinis, dinamiškas ir išraiškingas. Dekoraciją juvelyras atliko itin tikroviškai, perteikdamas greito vabzdžių judėjimo betarpiškumą.
Taip pat Gaillard šiame papuošale drąsiai derina brangias ir pusbranges medžiagas: vabzdžių sparneliai pagaminti iš skaidraus rago ir puošti smaragdais. Sparnų galiukai padengti emaliu, įrėmintu smulkių deimantų išbarstymu. Laumžirgių kūnai yra pagaminti iš aukso ir dekoruoti tamsiai žalios ir mėlynos spalvos emalio juostelėmis.
1902 m. keli Lucieno Gaillardo darbai buvo pristatyti parodoje Glazge ir sulaukė tokio pasisekimo, kad po jos Prancūzijos vyriausybė jį apdovanojo Garbės legionu. Nuo tos akimirkos Gaillardas tapo vienu žymiausių Art Nouveau epochos prancūzų juvelyrų, tačiau po 1910-ųjų jo kūrybinė veikla ėmė blėsti, kol galiausiai 1925-aisiais baigėsi.
Kiekvienas šio straipsnio herojus turėjo savitą stilių ir savo požiūrį į papuošalų kūrimą, tačiau juos visus vienijo noras kurti ne tik brangius papuošalus, bet ir tikrai meniškus daiktus, naudojant jiems tiek brangakmenius, tiek metalus, medžiagos, nelaikomos vertingomis papuošaluose. Originalios šių didžiųjų meistrų idėjos pusbrangius metalus ir akmenis pavertė tikrais meno kūriniais, o patys amžiams buvo įrašyti į pasaulio istoriją.
