Mens historisismens mestere reproduserte og kombinerte de mest forskjellige stilene fra fortiden, og førte den til en viss automatisme, brast jugendstilen inn i kunst som en virvelvind, som en frisk havvind, frigjørende, rensende, inspirerende. Han åpnet en verden av nye former, nye materialer, nye kombinasjoner.
Art Nouveau var et kortvarig, men utrolig vakkert og samtidig svært komplekst kunstnerisk fenomen som favnet absolutt alle typer kunst, også smykker. Tiden med jugendstil ga verden en hel galakse av store mestere, som på sin side blåste nytt liv i smykkekunst og brakte den i forkant av den "siste store stilen". I denne artikkelen skal vi bli kjent med noen av tidens hovedkarakterer - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever og Lucien Gaillard.
Smykkegeniet René Jules Lalique
Det ubestridte geni og leder blant gullsmedene i sin tid var fremragende mester René Laliquei hvis verk selve essensen av fransk jugendstil ble nedfelt. Hans bruk av ikke-edle og ofte sprø materialer, spesielt støpt glass, var revolusjonerende for hans tid.
René Lalique ble født i 1860 i den lille byen Ay, 28 kilometer sør for Reims. I 1876 begynte han å studere hos den ledende parisiske gullsmeden Louis Ocock, og i 1878 dro han til London, hvor han utelukkende studerte design de neste to årene. Det var denne omfattende utdannelsen som gjorde at han selvstendig kunne produsere alle smykkene sine i fremtiden - fra opprettelsen av skisser til siste finpuss i ferdige arbeider. I de første årene av arbeidet laget Lalique skisser for så kjente mestere som Cartier, Boucheron, Vever.
Sistnevnte spilte på sin side en viktig rolle i utviklingen av Laliques egen stil. I 1886 ga Jules Destape ham sitt smykkeverksted "som anerkjennelse av hans unike talent." Nå vendte René Lalique, som hadde alt nødvendig for arbeid, til søket etter inspirasjon, som han fant i ideene til Arts and Crafts-bevegelsen, som ba om gjenoppliving av kunst og håndverk og fremmet plante- og dyremotiver. Ved å omfavne disse ideene, utviklet Lalique seg synkront med dem og ble den første til å bringe jugendstil til smykkekunsten.
Lalique presenterte sine første jugendstilsmykker på verdensutstillingen i Brussel i 1897. Men hovedbegivenheten i hans kreative biografi var verdensutstillingen i Paris i 1900. For sin smykkeutstilling mottok Lalique Grand Prix, og regjeringen tildelte ham æreslegionens orden. Det var en sann triumf.
Den franske kritikeren Léonce Benedite skrev om ham som "En ekte innovatør. Han (Lalique) var den som rev ned gamle barrierer, veltet sterke tradisjoner og skapte et nytt språk.".
Forskere kaller René Lalique mesteren av tre "F" - "femme", "flore", "faune". Det var kvinner, flora og fauna som inntok en sentral plass i mesterens arbeid, og kvinner ble kåret først av en grunn. Vakre langhårede maskaroner og nakenbilder blir et tilbakevendende motiv i Lalique-smykker. Og selv om jugendstil generelt ble ansett som en feminin stil, siden de fleste kunstnere vendte seg mot kvinnelige bilder, måtte man ha mot til å bruke den grasiøse nakne kvinnekroppen i smykker.
Et av René Laliques mest kjente produkter, der han refererer til kvinnebildet, er corsage-dekorasjonen «Dragonfly Woman», laget av ham i 1897-1898. I dag er den i samlingen til Gulbenkian-museet i Lisboa, grunnlagt av finansmannen og oljemagnaten Calouste Gulbenkian, som samlet en unik samling av Lalique-verk.
I denne juvelen skaper René Lalique et veldig uvanlig utseende som kombinerer en kvinne, en øyenstikker og en kimær. Bokstavelig talt foran øynene våre finner en fantastisk transformasjon sted - en vakker kvinne med øyenstikkervinger i stedet for hender dukker opp fra munnen til en kimær med store klørpoter.
Det er kjent at denne corsage-dekorasjonen var en del av Sarah Bernhardts antrekk, der hun strålte på teaterscenen. Og i 1900, "Dragonfly Woman", samt en rekke verk av Lalique, som i dag er i samlingen til Gulbenkian Museum (kam-tiara "Cockerel", halskjede-choker "Forest Landscape", corsage smykker "Snakes ”) ble vist på verdensutstillingen i Paris og vakte overraskelse og beundring, både blant besøkende og kritikere.
Forest Landscape choker-kjede er en like enestående kreasjon av Lalique. Den består av tre deler, som presenterer en enkelt kompleks og mangefasettert komposisjon. I forgrunnen avbildet Lalique gylne trestammer, gjennom hvilke vi i mellomgrunnen ser en innsjø av opaler, hvis overløp skaper en illusjon av vannbevegelse. I bakgrunnen er bredden av innsjøen, laget av diamanter som imiterer sand. Denne dekorasjonen imponerer ikke bare med sin uvanlighet, men også med hvor realistisk det avbildede landskapet viste seg å være.
Asymmetriske Lalique-anheng er sjarmerende, hvor gullsmeden skildrer fragmenter av skoglandskap - vinter eller høst. Blant dem skiller Vinterlandskap-anhenget, laget i 1900-1901, seg ut. I en kompleks form setter Lalique blågrått laminert glass med trestammer som fremstår som i en dis av vinterskumring. Bruken av glass har blitt en av egenskapene til Laliques kreativitet, andre kjente gullsmeder brukte ikke glass på grunn av den komplekse teknologiske prosessen med opprettelsen. På toppen av glassbakgrunnen til høyre har gullsmeden plassert et snødekt grantre laget med emaljeteknikk. Komposisjonen er innrammet av gylne grangrener med akvamarininnsatser og et perleanheng.
Variasjonen av emner i Laliques arbeider var enorm - landskap (skog, vinter, vår), høstløv, sommerblomster og bær, dyr og fugler, krypdyr og insekter. Men alle er forent av kompleksiteten og unikheten til komposisjonene, mange gjennomarbeidede detaljer og ikke-standardiserte materialer og teknikker som gullsmeden konstant eksperimenterer med. Som han selv skrev:
«... Jeg måtte gå til det ekstreme for å gi opp alt jeg hadde oppnådd før. Jeg jobbet nådeløst: tegnet, modellerte, gjorde tekniske undersøkelser og eksperimenter av alle slag, alltid fast bestemt på å få ting gjort og skape noe helt nytt."
Etter 1910 konsentrerte René Lalique seg om arbeidet med glass og oppnådde enestående høyder i dette. I de følgende tiårene dukket hans fantastiske vaser, lamper, parfymeflasker og til og med bilmaskoter og arkitektoniske dekorasjoner opp, takket være at hans berømmelse ikke bleknet før mesterens død 1. mai 1945. Og selskapet hans overlevde krigen og eksisterer med suksess i dag.
Juveler Georges Fouquet
En annen ikonisk juveler fra jugendtiden var Georges Fouquet. Han ble født i 1862 av den berømte gullsmeden Alfons Fouquet, som ble berømt på 1870-tallet for sine nyrenessansesmykker. Georges studerte smykker sammen med sin far og begynte i 1880 å jobbe i smykkefirmaet sitt. I 1895 overlot Alfons Fouquet ledelsen av virksomheten til sønnen, og han satte i gang med entusiasme, og ønsket å blåse nytt liv i farens firma.
Juveleren Henri Vever skrev om ham: "En utrettelig arbeider, han var fascinert av alt nytt, og søken etter inspirasjon var utrettelig".
I 1898 introduserte Fouquet sine første jugendsmykker. Sensuelle buede linjer, dempet emaljer og subtile teksturer var veldig effektive og nesten like René Lalique-smykker. Men Fouquet selv, i motsetning til Lalique, var ikke en designer og tiltrakk seg mange kjente kunstnere fra sin tid til å jobbe. Samarbeidet hans med Alfons Maria Mucha, en kunstner hvis arbeid også har blitt et levende symbol på jugendtiden, har gått over i historien.
Bekjentskapet deres fant sted takket være Sarah Bernhardt, som i 1898 kom til smykkebutikken Georges Fouquet med en skisse av et slangearmbånd laget av Alfons Mucha. Dette armbåndet var en del av kostymet til Medea fra forestillingen med samme navn basert på skuespillet av Katul Mendez, som hadde premiere i 1898.
På Alfons Mucha-plakaten kan man se et lignende armbånd på hånden til Sary Medea. Sannsynligvis ønsket skuespillerinnen å ha en i livet hennes, og beordret Alfons Mucha til å designe den, og valgte Fouquet som utøver. Gullsmeden var så fascinert av utformingen av armbåndet at han foreslo at Alfons Mucha skulle lage en samling smykker til verdensutstillingen i Paris i 1900. Dermed ble det født en serie lunefulle halskjeder, intrikate corsage-brosjer og armbånd, som, selv om de var ubehagelige og ganske tunge, legemliggjorde den unike stilen til Alfons Mucha og demonstrerte dyktigheten til Georges Fouquet.
Besøkende på utstillingen så de legemliggjorte juvelene fra Muchas plakater. De gjorde et sterkt inntrykk, men kritikerne var harde i sine vurderinger og kalte dem «rare dekorasjoner med merkelige dekorasjoner». Samarbeidet mellom Fouquet og Mucha varte bare noen få år, men det var det som bidro til å endre stilen til Georges Fouquet-smykker og brakte berømmelse til selskapet hans.
I tillegg til å lage smykker, skrev Fouquet artikler og bøker, hvorav han forkynte:
"Det er ikke luksuriøse smykker som vil overleve, men de der prisen på materialer er mindre enn deres skjønnhet - akvamarin, ametyst, topas, turmalin. Kunst som aldri blir gammel vil forlenge levetiden til disse juvelene. De vil aldri bli tatt fra hverandre for å gjenbruke steinene. Disse tingene er først og fremst kunstverk, og ikke en måte å investere penger på.
Juveler Henri Vever
Henri Vever er den tredje helten i denne historien og en annen fremragende mester i jugendtiden. I likhet med Fouquet var Vever på begynnelsen av 1821-tallet leder av familiesmykkefirmaet Maison Vever, grunnlagt av bestefaren i 1854. Henri Vever ble født i 1881 og fra ungdommen studerte han sammen med broren Paul ledelsen av familiebedriften, og studerte også tegning, modellering og ornamental design ved Ecole des Beaux-Arts i Paris. Da Henri og Pauls far trakk seg tilbake i XNUMX, hadde han altså verdige etterfølgere. Paul var ansvarlig for kommersiell utvikling i firmaet, mens Henri var ansvarlig for design og produksjon av smykker. Takket være Henri Vever forvandlet stilen til smykkefirmaet seg gradvis fra historisisme til modernitet.
På verdensutstillingen i Paris i 1900 mottok Maison Vever en andre Grand Prix for sine utsøkte jugendsmykker, ansett som selskapets beste prestasjoner. Men selv om de hadde alle de karakteristiske trekkene til stilen (raffinerte kvinnelige bilder, flora og fauna), var Henri Vever-smykker mer konservative sammenlignet med de ekstravagante produktene til René Lalique.
En annen forskjell på «Maison Vever» var at firmaet hovedsakelig arbeidet med edle metaller og edelstener. Henri hadde ikke det samme motet og interessen for eksperimenter som kollegene, og mye sjeldnere tydde han til rimelige materialer.
I tillegg til smykker, ble Henri Vever berømt som en samler av japanske graveringer, samt forfatteren av et av de viktigste vitenskapelige verkene om smykker - "French Jewelry of the XNUMXth Century". I denne boken beskriver han i detalj utviklingen av smykker, fra konsulatets tid til jugendtiden.
Maestro Lucien Gaillard
Og den siste helten i denne artikkelen vil være Lucien Gaillard. Han er i dag mye mindre kjent enn Lalique, Fouquet og til og med Vever, men han er ikke mindre viktig i jugend-smykkekunsten. Hovedforskjellen mellom smykkene hans var appellen til japansk kunst.
Japansk kunst var en av hovedkildene til jugendstil, den inspirerte europeiske mestere med dynamisk rytme og fleksibilitet i plantedekorasjonslinjer, ufullstendig bevegelse, letthet og spesiell stilisering som gjorde naturlige motiver til dekorative mønstre.
Lucien Gaillard ble født i 1861 og begynte i likhet med de to tidligere håndverkerne sin karriere som elev av sin far, sølvsmed Ernest Gaillard. Under dannelsen mestret han perfekt teknikkene for å jage og gravere på gull og sølv, deltok på mange forskjellige smykkekurs av mestere Dujardin og Salmon, og overgikk til slutt faren. I 1892 ga Ernest Gaillard verkstedet sitt til sønnen.
Allerede i begynnelsen av karrieren ble Lucien Gaillard interessert i japanske legeringer og lakk, som ikke ble brukt i Frankrike, men var så herlige at de forbløffet både hans samtidige og fremtidige generasjoner av forskere av hans arbeid.
Juvelereren Henri Vever snakket om ham på denne måten: "Lenskapelig forelsket i yrket sitt, en utrettelig forsker som fortryllet med arbeidet sitt, Gaillard entusiastisk, med henrykkelse forsto alle de komplekse teknologiske aspektene ved smykker, som smykkelegeringer, forgylling, patinering, og fikk utmerkede resultater."
Som med de andre gullsmederne nevnt ovenfor, var år 1900 av stor betydning for Lucien Gaillard. Det året skjedde flere hendelser i livet hans på en gang - han skaffet seg en ny bygning, inviterte japanske mestere til å jobbe, hjalp ham med å forstå forviklingene i nasjonal kunst og deltok selvfølgelig på verdensutstillingen i Paris, hvor han mottok Grand Prix, og i tillegg ble han kjent med de siste verkene til René Lalique, som han kalte sin inspirasjon.
De to mesterne hadde et fellestrekk - de oppfant begge nye teknikker, og prøvde å gi verkene deres en spesiell karakter. Men det som skilte Gaillard fra Lalique var hans appell til japansk kunst og japanske teknikker, takket være hvilke Gaillards verk var mer tilbakeholdne i farge og komposisjon.
Et av Gaillards beste verk er Apple Branch-armbåndet. Juveleren klarte å lage et veldig interessant, til og med unikt verk. I hvert element i armbåndet ser vi et uavhengig og harmonisk bygget kammerbilde av blomster på grener, mens alle elementene er kombinert til en enkelt, like integrert komposisjon. Dette er hovedprinsippet for japanske motiver, som Gaillard følger - en harmonisert rytmisk struktur av alle komposisjonselementer.
Krysantemumens topp er en annen referanse til japanske motiver av Gaillard. Mesteren arrangerer fritt to blomster, etter prinsippene for å avbilde krysantemum i japanske graveringer. Gaillard brukte et horn i dette arbeidet, hvorfra han gradvis fjernet lagene. Ved å gjøre dette oppnådde han gjennomskinnelighet, mot hvilken de grasiøse blomsterbladene begynte å virke omfangsrike. Fremhev volum og melkeblå opaler innlagt i kjernen av krysantemum.
Ikke mindre interessant er en stor hårnål fra Amsterdam Rijksmuseum, hvor Gaillard avbildet to øyenstikkere som kjemper om en stor citrin. Naturmotivet er svært naturalistisk, dynamisk og uttrykksfullt. Juveleren utførte dekorasjonen med stor realistisk autentisitet, og formidlet umiddelbarheten til den raske bevegelsen av insekter.
Gaillard kombinerer også dristig edle og halvedle materialer i dette smykket: insektvinger er laget av gjennomsiktig horn og utsmykket med smaragder. Vingespissene er dekket med emalje innrammet med en spredning av små diamanter. Dragonfly-kropper er laget av gull og dekorert med striper av mørkegrønn og blå champlevé-emalje.
I 1902 ble flere verk av Lucien Gaillard presentert på en utstilling i Glasgow og var en slik suksess at etter den tildelte den franske regjeringen ham Æreslegionen. Fra det øyeblikket ble Gaillard en av de mest kjente franske juvelerene i juvelertiden, men etter 1910 begynte hans kreative aktivitet å forsvinne til den endelig tok slutt i 1925.
Hver av heltene i denne artikkelen hadde sin egen unike stil og sin egen tilnærming til å lage smykker, men de ble alle forent av ønsket om å lage ikke bare edle smykker, men virkelig kunstneriske ting, ved å bruke både edelstener og metaller, og materialer, ikke ansett som verdifulle i smykker. De originale ideene til disse store mestrene gjorde halvedle metaller og steiner til ekte kunstverk, og de selv ble for alltid skrevet inn i verdenshistorien.
