În timp ce maeștrii istoricismului au reprodus și combinat cele mai diverse stiluri ale trecutului, aducându-l la un anumit automatism, Art Nouveau a izbucnit în artă ca un vârtej, ca un vânt proaspăt de mare, eliberator, purificator, inspirator. El a deschis o lume de noi forme, noi materiale, noi combinații.
Art Nouveau a fost un fenomen artistic pe termen scurt, dar incredibil de frumos și în același timp foarte complex, care a îmbrățișat absolut toate tipurile de artă, inclusiv bijuteriile. Era Art Nouveau a oferit lumii o întreagă galaxie de mari maeștri, care, la rândul lor, au dat o nouă viață artei bijuteriilor și au adus-o în prim-planul „ultimului mare stil”. În acest articol, vom face cunoștință cu câteva dintre personajele principale ale epocii - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever și Lucien Gaillard.
Geniul bijuteriilor René Jules Lalique
Geniul incontestabil și liderul dintre bijutierii din vremea lui a fost maestru remarcabil René Laliqueîn a cărui operă a fost întruchipată însăși esența Art Nouveau-ului francez. Folosirea lui de materiale neprețioase și adesea fragile, în special sticlă turnată, a fost revoluționară pentru timpul său.
René Lalique s-a născut în 1860 în micul oraș Ay, la 28 de kilometri sud de Reims. În 1876 a început să studieze cu principalul bijutier parizian Louis Ocock, iar în 1878 a plecat la Londra, unde a studiat design exclusiv în următorii doi ani. Această educație cuprinzătoare i-a permis să-și fabrice în mod independent toate bijuteriile în viitor - de la crearea schițelor până la retușurile finale în lucrările finite. În primii ani de muncă, Lalique a făcut schițe pentru maeștri celebri precum Cartier, Boucheron, Vever.
Acesta din urmă, la rândul său, a jucat un rol important în dezvoltarea stilului propriu al lui Lalique. În 1886, Jules Destape i-a oferit atelierul său de bijuterii „în semn de recunoaștere a talentului său unic”. Acum, René Lalique, având tot ce este necesar pentru muncă, s-a îndreptat către căutarea inspirației, pe care a găsit-o în ideile mișcării Arts and Crafts, care a cerut renașterea artelor și meșteșugurilor și a promovat motivele vegetale și animale. Îmbrățișând aceste idei, Lalique a evoluat în sincronizare cu ele și a devenit primul care a adus Art Nouveau în arta bijuteriilor.
Lalique și-a prezentat primele bijuterii Art Nouveau la Expoziția Mondială din 1897 de la Bruxelles. Dar evenimentul principal al biografiei sale creative a fost Expoziția Mondială de la Paris în 1900. Pentru expoziția sa de bijuterii, Lalique a primit Marele Premiu, iar guvernul ia acordat Ordinul Legiunii de Onoare. A fost un adevărat triumf.
Criticul francez Léonce Benedite a scris despre el ca „Un adevărat inovator. El (Lalique) a fost cel care a dărâmat vechile bariere, a răsturnat tradiții puternice și a creat o nouă limbă”..
Cercetătorii îl numesc pe René Lalique maestrul a trei „F” - „femme”, „flore”, „faune”. Femeile, flora și fauna au ocupat un loc central în opera maestrului, iar femeile au fost numite primele pentru un motiv. Mascaroanele și nudurile frumoase cu păr lung devin un motiv recurent în bijuteriile Lalique. Și, deși Art Nouveau a fost în general considerat un stil feminin, deoarece majoritatea artiștilor s-au orientat către imagini feminine, trebuia să ai curajul să folosești corpul feminin gol grațios în bijuterii.
Unul dintre cele mai cunoscute produse ale lui René Lalique, în care se referă la imaginea feminină, este decorul de corsaj „Femeia Libelula”, realizat de acesta în anii 1897-1898. Astăzi se află în colecția Muzeului Gulbenkian din Lisabona, fondată de finanțatorul și magnatul petrolului Calouste Gulbenkian, care a adunat o colecție unică de lucrări Lalique.
În această bijuterie, René Lalique creează un aspect foarte neobișnuit care combină o femeie, o libelulă și o himeră. Literal, în fața ochilor noștri, are loc o transformare fantastică - o femeie frumoasă cu aripi de libelulă în loc de mâini apare din gura unei himere cu labe mari cu gheare.
Se știe că acest decor de corsaj făcea parte din ținuta lui Sarah Bernhardt, în care a strălucit pe scena teatrului. Și în 1900, „Femeia libelulă”, precum și o serie de lucrări ale lui Lalique, care se află astăzi în colecția Muzeului Gulbenkian (pieptene-tiara „Cocoș”, colier-choker „Peisajul pădurii”, bijuterii corsaj „Șerpi ”) au fost expuse la Expoziția Mondială de la Paris și au provocat surpriză și admirație, atât în rândul vizitatorilor, cât și al criticilor.
Colierul Choker Forest Landscape este o creație la fel de remarcabilă a lui Lalique. Este alcătuit din trei părți, care prezintă o singură compoziție complexă și cu mai multe fațete. În prim plan, Lalique a înfățișat trunchiuri de copaci aurii, prin care în mijlocul terenului vedem un lac de opal, ale căror revărsări creează iluzia mișcării apei. Pe fundal este malul lacului, creat din diamante care imit nisipul. Acest decor impresionează nu numai prin neobișnuit, ci și prin cât de realist s-a dovedit a fi peisajul reprezentat.
Fermecatoare sunt pandantivele asimetrice Lalique, pe care bijutierul infatiseaza fragmente de peisaje forestiere - iarna sau toamna. Dintre acestea, se remarcă pandantivul Peisaj de iarnă, creat în anii 1900-1901. Într-o formă complexă, Lalique pune sticlă stratificată de culoare albastru-gri cu trunchiuri de copaci care apar ca într-o ceață de amurg de iarnă. Utilizarea sticlei a devenit una dintre caracteristicile creativității lui Lalique, alți bijutieri cunoscuți nu au folosit sticlă din cauza procesului tehnologic complex al creării sale. Pe partea de sus a fundalului de sticlă din dreapta, bijutierul a așezat un brad acoperit de zăpadă realizat prin tehnica emailului. Compoziția este încadrată de crengi aurii de molid cu inserții acvamarin și un pandantiv de perle.
Varietatea subiectelor din lucrările lui Lalique a fost enormă - peisaje (pădure, iarnă, primăvară), frunze de toamnă, flori și fructe de vară, animale și păsări, reptile și insecte. Dar toate sunt unite de complexitatea și unicitatea compozițiilor, o mulțime de detalii bine elaborate și materiale și tehnici non-standard cu care bijutierul experimentează în mod constant. După cum a scris el însuși:
„... A trebuit să merg la extrem pentru a renunța la tot ce am realizat înainte. Am lucrat fără încetare: desenând, modelând, făcând cercetări tehnice și experimente de tot felul, mereu hotărâtă să duc la bun sfârșit lucrurile și să creez ceva complet nou.”
După 1910, René Lalique s-a concentrat pe lucrul cu sticla și a atins înălțimi fără precedent în acest sens. În următoarele decenii, au apărut vazele sale fantastice, lămpile, sticlele de parfum și chiar și mascotele de automobile și decorațiunile arhitecturale, datorită cărora faima sa nu a dispărut până la moartea maestrului la 1 mai 1945. Și compania lui a supraviețuit războiului și există cu succes astăzi.
Bijutierul Georges Fouquet
Un alt bijutier iconic al erei Art Nouveau a fost Georges Fouquet. S-a născut în 1862 din renumitul bijutier Alfons Fouquet, care a devenit celebru în anii 1870 pentru bijuteriile sale neo-renascentiste. Georges a studiat bijuterii cu tatăl său și în 1880 a început să lucreze în firma sa de bijuterii. În 1895, Alfons Fouquet i-a predat conducerea afacerii fiului său, iar acesta s-a apucat cu entuziasm, dorind să dea o nouă viață firmei tatălui său.
Bijutierul Henri Vever a scris despre el: „Un muncitor neobosit, era fascinat de tot ce este nou, iar căutarea lui de inspirație a fost neobosit”.
În 1898, Fouquet a introdus primele sale bijuterii Art Nouveau. Liniile curbe senzuale, emailurile decolorate și texturile subtile au fost foarte eficiente și aproape egale cu bijuteriile René Lalique. Dar Fouquet însuși, spre deosebire de Lalique, nu a fost designer și a atras mulți artiști celebri ai timpului său la muncă. Colaborarea sa cu Alfons Maria Mucha, un artist a cărui opera a devenit și un simbol viu al erei Art Nouveau, a rămas în istorie.
Cunoașterea lor a avut loc datorită lui Sarah Bernhardt, care în 1898 a venit la magazinul de bijuterii Georges Fouquet cu o schiță a unei brățări de șarpe creată de Alfons Mucha. Această brățară a făcut parte din costumul Medeei din spectacolul cu același nume bazat pe piesa lui Katul Mendez, care a avut premiera în același 1898.
Pe afișul lui Alfons Mucha, o brățară asemănătoare poate fi văzută pe mâna lui Sary Medea. Probabil, actrița și-a dorit să aibă unul în viața ei și i-a ordonat lui Alfons Mucha să-l proiecteze și l-a ales pe Fouquet ca interpret. Bijutierul a fost atât de fascinat de designul brățării, încât i-a sugerat lui Alfons Mucha să creeze o colecție de bijuterii pentru Expoziția Mondială din 1900 de la Paris. Astfel s-a născut o serie de coliere capricioase, broșe și brățări de corsaj complicate, care, deși incomode și destul de grele, au întruchipat stilul unic al lui Alfons Mucha și au demonstrat priceperea lui Georges Fouquet.
Vizitatorii expoziției au văzut bijuteriile întruchipate din afișele lui Mucha. Au făcut o impresie puternică, dar criticii au fost duri în aprecierile lor, numindu-le „decorări ciudate cu decorațiuni ciudate”. Colaborarea dintre Fouquet și Mucha a durat doar câțiva ani, dar tocmai aceasta a contribuit la schimbarea stilului bijuteriilor Georges Fouquet și a adus faimă companiei sale.
Pe lângă crearea de bijuterii, Fouquet a scris articole și cărți, într-una dintre care a proclamat:
„Nu bijuteriile de lux vor supraviețui, ci cele în care prețul materialelor este mai mic decât frumusețea lor - acvamarin, ametist, topaz, turmalină. Arta care nu îmbătrânește niciodată va prelungi viața acestor bijuterii. Ele nu vor fi niciodată demontate pentru a reutiliza pietrele. Aceste lucruri sunt în primul rând opere de artă și nu o modalitate de a investi bani.
Bijutierul Henri Vever
Henri Vever este al treilea erou al acestei povești și un alt maestru remarcabil al erei Art Nouveau. La fel ca Fouquet, Vever, la începutul secolului al XX-lea, era șeful companiei de bijuterii de familie Maison Vever, fondată de bunicul său în 1821. Henri Vever s-a născut în 1854 și din tinerețe, împreună cu fratele său Paul, a studiat conducerea afacerii de familie și a studiat desenul, modelajul și designul ornamental la Ecole des Beaux-Arts din Paris. Astfel, când tatăl lui Henri și Paul s-a pensionat în 1881, el a avut succesori demni. Paul a fost responsabil pentru dezvoltarea comercială la firmă, în timp ce Henri a fost responsabil pentru proiectarea și producția de bijuterii. Datorită lui Henri Vever, stilul companiei de bijuterii s-a transformat treptat de la istoricism la modernitate.
La Expoziția Mondială de la Paris din 1900, Maison Vever a primit un al doilea Grand Prix pentru bijuteriile sale rafinate Art Nouveau, considerate cele mai bune realizări ale companiei. Cu toate acestea, deși aveau toate trăsăturile caracteristice ale stilului (imagini feminine rafinate, floră și faună), bijuteriile Henri Vever au fost mai conservatoare în comparație cu produsele extravagante ale lui René Lalique.
O altă diferență a „Maison Vever” a fost că firma lucra în principal cu metale prețioase și pietre prețioase. Henric nu avea același curaj și interes pentru experimente ca colegii săi și mult mai rar recurgea la materiale ieftine.
Pe lângă bijuterii, Henri Vever a devenit faimos ca colecționar de gravuri japoneze, precum și autorul uneia dintre cele mai importante lucrări științifice despre bijuterii - „Bijuterii franceze ale secolului al XIX-lea”. În această carte, el descrie în detaliu dezvoltarea bijuteriilor, de la epoca Consulatului până la epoca Art Nouveau.
Maestrul Lucien Gaillard
Iar ultimul erou al acestui articol va fi Lucien Gaillard. El este cunoscut astăzi mult mai puțin decât Lalique, Fouquet și chiar Vever, dar nu este o figură mai puțin importantă în arta bijuteriilor Art Nouveau. Principala diferență între bijuteriile sale a fost apelul la arta japoneză.
Arta japoneză a fost una dintre principalele surse ale Art Nouveau, ea a inspirat maeștrii europeni cu ritmul dinamic și flexibilitatea liniilor de decorare a plantelor, incompletitudinea mișcării, lejeritatea și stilizarea deosebită care a transformat motivele naturale în modele decorative.
Lucien Gaillard s-a născut în 1861 și, la fel ca cei doi meșteri anteriori, și-a început cariera ca elev al tatălui său, argintarul Ernest Gaillard. În timpul formării sale, a stăpânit perfect tehnicile de urmărire și gravare pe aur și argint, a urmat multe cursuri diferite de bijuterii susținute de maeștrii Dujardin și Salmon și, în cele din urmă, și-a depășit tatăl. În 1892, Ernest Gaillard și-a oferit atelierul fiului său.
Deja la începutul carierei sale, Lucien Gaillard a devenit interesat de aliajele și lacurile japoneze, care nu erau folosite în Franța, dar erau atât de încântătoare încât i-au uimit atât pe contemporanii săi, cât și pe generațiile viitoare de cercetători ai lucrării sale.
Bijutierul Henri Vever a vorbit despre el astfel: „Îndrăgostit pasional de profesia sa, un cercetător neobosit care a încântat cu munca sa, Gaillard a înțeles cu entuziasm, cu extaz, toate aspectele tehnologice complexe ale bijuteriilor, precum aliajele de bijuterii, aurirea, patinarea, obținând rezultate excelente.”
Ca și în cazul celorlalți bijutieri menționați mai sus, anul 1900 a fost de mare importanță pentru Lucien Gaillard. În acel an, în viața lui s-au întâmplat simultan mai multe evenimente - a achiziționat o nouă clădire, a invitat maeștri japonezi să lucreze, ajutându-l să înțeleagă complexitățile artei naționale și, desigur, a participat la Expoziția Mondială de la Paris, unde a primit Grand Prix și, în plus, a făcut cunoștință cu cele mai recente lucrări ale lui René Lalique, pe care l-a numit inspirație.
Cei doi maeștri aveau o trăsătură comună - amândoi au inventat noi tehnici, încercând să dea un caracter aparte lucrărilor lor. Dar ceea ce l-a distins pe Gaillard de Lalique a fost apelul său pentru arta japoneză și tehnicile japoneze, datorită cărora lucrările lui Gaillard erau mai restrânse în culoare și compoziție.
Una dintre cele mai bune lucrări ale lui Gaillard este brățara Apple Branch. Bijutierul a reușit să creeze o lucrare foarte interesantă, chiar inedită. În fiecare element al brățării, vedem o imagine de cameră independentă și armonios construită de flori pe ramuri, în timp ce toate elementele sunt combinate într-o singură compoziție, la fel de integrală. Acesta este principiul principal al motivelor japoneze, pe care îl urmează Gaillard - o structură ritmică armonizată a tuturor elementelor compoziționale.
Creasta Crizantemei este o altă referință la motivele japoneze ale lui Gaillard. Maestrul aranjează liber două flori, urmând principiile înfățișării crizantemelor în gravurile japoneze. Gaillard a folosit un corn în această lucrare, din care a îndepărtat treptat straturile. Făcând acest lucru, a obținut transluciditatea, față de care petalele grațioase ale florilor au început să pară voluminoase. Subliniază volumul și opalele albastre lăptoase încrustate în miezul crizantemelor.
Nu mai puțin interesant este un ac de păr mare de la Amsterdam Rijksmuseum, pe care Gaillard a înfățișat două libelule luptă pentru un citrin mare. Motivul natural este foarte naturalist, dinamic și expresiv. Bijutierul a executat decorul cu o mare autenticitate realistă, transmițând imediatitatea mișcării rapide a insectelor.
De asemenea, Gaillard combină cu îndrăzneală materiale prețioase și semiprețioase în această bijuterie: aripile de insecte sunt realizate din corn transparent și împodobite cu smaralde. Vârfurile aripilor sunt acoperite cu email încadrat cu o împrăștiere de mici diamante. Corpurile de libelule sunt realizate din aur și decorate cu dungi de email champlevé verde închis și albastru.
În 1902, mai multe lucrări ale lui Lucien Gaillard au fost prezentate la o expoziție la Glasgow și au avut un succes atât de mare încât, după aceasta, guvernul francez i-a acordat Legiunea de Onoare. Din acel moment, Gaillard a devenit unul dintre cei mai faimoși bijutieri francezi ai epocii Art Nouveau, dar după 1910 activitatea sa creativă a început să se estompeze până când s-a încheiat în 1925.
Fiecare dintre eroii acestui articol a avut propriul stil unic și propria abordare a creării de bijuterii, dar toți au fost uniți de dorința de a crea nu doar bijuterii prețioase, ci și lucruri cu adevărat artistice, folosind pentru ei atât pietre prețioase, cât și metale și materiale, care nu sunt considerate valoroase în bijuterii. Ideile originale ale acestor mari maeștri au transformat metalele și pietrele semiprețioase în adevărate opere de artă și ele însele au fost înscrise pentru totdeauna în istoria lumii.
