Zatiaľ čo majstri historizmu reprodukovali a kombinovali najrozmanitejšie štýly minulosti, privádzali to do istého automatizmu, secesia vtrhla do umenia ako víchor, ako svieži morský vietor, oslobodzujúci, očisťujúci, inšpirujúci. Otvoril svet nových foriem, nových materiálov, nových kombinácií.
Secesia bola krátkodobým, no neskutočne krásnym a zároveň veľmi zložitým umeleckým fenoménom, ktorý obsiahol úplne všetky druhy umenia vrátane šperkov. Éra moderny dala svetu celú galaxiu veľkých majstrov, ktorí zase vdýchli nový život šperkárskemu umeniu a priviedli ho do popredia „posledného veľkého štýlu“. V tomto článku sa zoznámime s niektorými z hlavných postáv tejto éry – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever a Lucien Gaillard.
Šperkársky génius René Jules Lalique
Nesporným géniom a vodcom medzi klenotníkmi svojej doby bol vynikajúci majster René Laliquev ktorého diele bola zhmotnená samotná podstata francúzskej secesie. Jeho používanie vzácnych a často krehkých materiálov, najmä lisovaného skla, bolo na svoju dobu revolučné.
René Lalique sa narodil v roku 1860 v malom mestečku Ay, 28 kilometrov južne od Remeša. V roku 1876 začal študovať u popredného parížskeho klenotníka Louisa Ococka av roku 1878 odišiel do Londýna, kde ďalšie dva roky študoval výlučne dizajn. Práve toto komplexné vzdelanie mu umožnilo v budúcnosti samostatne vyrábať všetky svoje šperky – od tvorby náčrtov až po finálne úpravy hotových diel. V prvých rokoch práce Lalique robil náčrty pre takých slávnych majstrov ako Cartier, Boucheron, Vever.
Ten zas zohral dôležitú úlohu vo vývoji Laliqueho vlastného štýlu. V roku 1886 mu Jules Destape daroval svoju klenotnícku dielňu „ako uznanie jeho jedinečného talentu“. Teraz sa René Lalique, ktorý mal všetko potrebné pre prácu, obrátil k hľadaniu inšpirácie, ktorú našiel v myšlienkach hnutia Arts and Crafts, ktoré volalo po oživení umeleckých remesiel a propagovalo rastlinné a živočíšne motívy. Lalique, ktorý prijal tieto myšlienky, sa vyvinul v súlade s nimi a stal sa prvým, kto priniesol secesie do umenia šperkov.
Lalique predstavil svoje prvé secesné šperky na svetovej výstave v roku 1897 v Bruseli. Hlavnou udalosťou jeho tvorivej biografie však bola Svetová výstava v Paríži v roku 1900. Za vystavenie šperkov získal Lalique Grand Prix a vláda mu udelila Rád čestnej légie. Bol to skutočný triumf.
Francúzsky kritik Léonce Benedite o ňom napísal ako „Skutočný inovátor. On (Lalique) bol ten, kto zbúral staré bariéry, prevrátil silné tradície a vytvoril nový jazyk.“.
Výskumníci nazývajú René Lalique majstrom troch "F" - "femme", "flore", "faune". Boli to ženy, flóra a fauna, ktoré zaujímali ústredné miesto v práci majstra a ženy boli pomenované ako prvé z nejakého dôvodu. Krásne dlhovlasé maskaróny a akty sa stávajú opakujúcim sa motívom v šperkoch Lalique. A hoci bola secesia všeobecne považovaná za ženský štýl, keďže väčšina umelcov sa prikláňala k ženským obrazom, človek musel mať odvahu použiť v šperkoch pôvabné nahé ženské telo.
Jedným z najznámejších produktov Reného Laliqueho, v ktorom odkazuje na ženský obraz, je korsážová dekorácia „Vážka žena“, ktorú vyrobil v rokoch 1897-1898. Dnes je v zbierke Gulbenkianovho múzea v Lisabone, založeného finančníkom a ropným magnátom Calouste Gulbenkianom, ktorý zhromaždil unikátnu zbierku diel Lalique.
René Lalique v tomto šperku vytvára veľmi nevšedný look, ktorý v sebe spája ženu, vážku a chiméru. Doslova pred našimi očami sa odohráva fantastická premena – z úst chiméry s veľkými pazúrovitými labami vystupuje krásna žena s vážkovými krídlami namiesto rúk.
Je známe, že táto ozdoba živôtika bola súčasťou outfitu Sarah Bernhardtovej, v ktorej žiarila na divadelných doskách. A v roku 1900 „Žena vážky“, ako aj množstvo diel od Lalique, teraz v zbierke Gulbenkianského múzea (hrebeň „kohútik“, náhrdelník-choker „Lesná krajina“, šperky s živôtikmi „Hady“). boli vystavené na Svetovej výstave v Paríži a vyvolali prekvapenie a obdiv návštevníkov aj kritikov.
Náhrdelník Forest Landscape je rovnako výnimočným výtvorom od Lalique. Skladá sa z troch častí, ktoré predstavujú jedinú komplexnú a mnohostrannú kompozíciu. V popredí Lalique zobrazil zlaté kmene stromov, cez ktoré v strede vidíme jazero opálov, ktorých prepady vytvárajú ilúziu pohybu vody. V pozadí je breh jazera vytvorený z diamantov imitujúcich piesok. Táto dekorácia zaujme nielen svojou nevšednosťou, ale aj tým, ako realisticky sa ukázala zobrazená krajina.
Pôvabné sú asymetrické prívesky Lalique, na ktorých šperkárka zobrazuje fragmenty lesnej krajiny - zimy alebo jesene. Medzi nimi vyniká prívesok Zimná krajina, ktorý vznikol v rokoch 1900-1901. V komplexnom tvare Lalique kladie modrosivé vrstvené sklo s kmeňmi stromov, ktoré vyzerajú ako v opare zimného súmraku. Používanie skla sa stalo jednou z čŕt Laliqueho kreativity, iní známi šperkári sklo nepoužívali pre zložitý technologický proces jeho tvorby. Na vrch skleneného podkladu vpravo položil šperkár zasneženú jedľu vyrobenú technikou emailu. Kompozícia je orámovaná zlatými smrekovými vetvami s akvamarínovými vložkami a perlovým príveskom.
Rozmanitosť námetov v Laliqueho dielach bola obrovská - krajiny (les, zima, jar), jesenné lístie, letné kvety a bobule, zvieratá a vtáky, plazy a hmyz. Všetky ale spája komplexnosť a jedinečnosť kompozícií, množstvo dôkladne prepracovaných detailov a neštandardné materiály a techniky, s ktorými šperkár neustále experimentuje. Ako sám napísal:
„... musel som ísť do extrému, aby som sa vzdal všetkého, čo som predtým dosiahol. Pracoval som neúnavne: kreslil, modeloval, robil technický výskum a experimenty všetkého druhu, vždy som odhodlaný dotiahnuť veci do konca a vytvoriť niečo úplne nové.“
Po roku 1910 sa René Lalique sústredil na prácu so sklom a dosiahol v tom nebývalé výšky. V nasledujúcich desaťročiach sa objavovali jeho fantastické vázy, lampy, flakóny, ale aj automobiloví maskoti a architektonické dekorácie, vďaka ktorým jeho sláva nepohasla až do smrti majstra 1. mája 1945. A jeho firma prežila vojnu a úspešne existuje dodnes.
Klenotník Georges Fouquet
Ďalším ikonickým klenotníkom éry secesie bol Georges Fouquet. Narodil sa v roku 1862 slávnemu klenotníkovi Alfonsovi Fouquetovi, ktorý sa preslávil v 1870. rokoch 1880. storočia svojimi neorenesančnými šperkami. Georges študoval šperky so svojím otcom a v roku 1895 začal pracovať vo svojej klenotníckej firme. V roku XNUMX odovzdal Alfons Fouquet vedenie podniku svojmu synovi a on sa pustil do práce s nadšením, pretože chcel vdýchnuť nový život firme svojho otca.
Klenotník Henri Vever o ňom napísal: "Neúnavný pracovník, fascinovalo ho všetko nové a jeho hľadanie inšpirácie bolo neúnavné.".
V roku 1898 Fouquet predstavil svoje prvé secesné šperky. Zmyselné zakrivené línie, tlmené emaily a jemné textúry boli veľmi efektné a takmer sa vyrovnali šperkom René Lalique. Ale Fouquet sám, na rozdiel od Lalique, nebol dizajnérom a priťahoval veľa slávnych umelcov svojej doby k práci. Do histórie sa zapísala jeho spolupráca s Alfonsom Mariou Muchom, umelcom, ktorého tvorba sa stala aj živým symbolom secesie.
K ich zoznámeniu došlo vďaka Sarah Bernhardtovej, ktorá v roku 1898 prišla do klenotníctva Georges Fouquet s náčrtom hadieho náramku vytvoreného Alfonsom Muchom. Tento náramok bol súčasťou kostýmu Medei z rovnomenného predstavenia založeného na hre Katul Mendez, ktorá mala premiéru v tom istom roku 1898.
Na plagáte Alfonsa Muchu je podobný náramok vidieť na ruke Sary Medea. Herečka si pravdepodobne želala mať vo svojom živote takého a objednala Alfonsa Muchu, aby ho navrhol, a ako účinkujúceho si vybral Fouqueta. Klenotníka zaujal dizajn náramku natoľko, že navrhol, aby Alfons Mucha vytvoril kolekciu šperkov pre svetovú výstavu v roku 1900 v Paríži. Tak sa zrodila séria rozmarných náhrdelníkov, zložitých živôtových brošní a náramkov, ktoré, hoci boli nepohodlné a dosť ťažké, stelesňovali jedinečný štýl Alfonsa Muchu a demonštrovali zručnosť Georgesa Fouqueta.
Stelesnené šperky z Muchových plagátov videli návštevníci výstavy. Urobili silný dojem, ale kritici boli vo svojich hodnoteniach krutí a nazvali ich „podivnými dekoráciami s podivnými dekoráciami“. Spolupráca Fouqueta a Muchu trvala len pár rokov, no práve ona pomohla zmeniť štýl šperkov Georges Fouquet a priniesla slávu jeho spoločnosti.
Okrem vytvárania šperkov Fouquet písal články a knihy, v jednej z nich vyhlásil:
„Prežijú nie luxusné šperky, ale také, v ktorých je cena materiálov nižšia ako ich krása – akvamarín, ametyst, topaz, turmalín. Umenie, ktoré nikdy nezostarne, predĺži životnosť týchto šperkov. Nikdy sa nerozoberú na opätovné použitie kameňov. Tieto veci sú predovšetkým umelecké diela a nie spôsob, ako investovať peniaze.
Klenotník Henri Vever
Henri Vever je tretím hrdinom tohto príbehu a ďalším vynikajúcim majstrom éry secesie. Rovnako ako Fouquet, aj Vever bol začiatkom 1821. storočia šéfom rodinnej klenotníckej firmy Maison Vever, ktorú založil jeho starý otec v roku 1854. Henri Vever sa narodil v roku 1881 a od mladosti spolu s bratom Paulom študoval manažment rodinného podniku a tiež kreslenie, modelovanie a ornamentálny dizajn na Ecole des Beaux-Arts v Paríži. V čase, keď otec Henriho a Paula v roku XNUMX odišiel do dôchodku, mal teda dôstojných nástupcov. Paul bol zodpovedný za komerčný vývoj vo firme, zatiaľ čo Henri bol zodpovedný za dizajn a výrobu šperkov. Štýl klenotníckej firmy sa vďaka Henrimu Veverovi postupne pretransformoval z historizmu na modernu.
Na svetovej výstave v Paríži v roku 1900 získal Maison Vever druhú Grand Prix za svoje nádherné secesné šperky, považované za najlepšie úspechy spoločnosti. No hoci mali všetky charakteristické črty štýlu (rafinované ženské obrazy, flóru a faunu), šperky Henri Vever boli v porovnaní s extravagantnými výrobkami Reného Laliquea konzervatívnejšie.
Ďalším rozdielom "Maison Vever" bolo, že firma pracovala hlavne s drahými kovmi a drahými kameňmi. Henri nemal rovnakú odvahu a záujem o experimenty ako jeho kolegovia a oveľa menej často sa uchyľoval k lacným materiálom.
Henri Vever sa okrem šperkov preslávil aj ako zberateľ japonských rytín, ako aj autor jednej z najvýznamnejších vedeckých prác o šperkoch – „Francúzske šperky XNUMX. storočia“. V tejto knihe podrobne popisuje vývoj šperkov od éry konzulátu až po éru secesie.
Maestro Lucien Gaillard
A posledným hrdinom tohto článku bude Lucien Gaillard. Dnes je známy oveľa menej ako Lalique, Fouquet a dokonca aj Vever, ale je nemenej dôležitou postavou secesného šperkárskeho umenia. Hlavným rozdielom medzi jeho šperkami bola príťažlivosť k japonskému umeniu.
Japonské umenie bolo jedným z hlavných zdrojov secesie, inšpirovalo európskych majstrov dynamickým rytmom a flexibilitou rastlinných dekoračných línií, nekompletnosťou pohybu, ľahkosťou a osobitou štylizáciou, ktorá premenila prírodné motívy na dekoratívne vzory.
Lucien Gaillard sa narodil v roku 1861 a rovnako ako dvaja predchádzajúci remeselníci začal svoju kariéru ako žiak svojho otca, striebrotepca Ernesta Gaillarda. Počas svojho formovania dokonale ovládal techniky naháňania a rytia do zlata a striebra, navštevoval mnoho rôznych šperkárskych kurzov majstrov Dujardina a Salmona a nakoniec prekonal svojho otca. V roku 1892 dal Ernest Gaillard svoju dielňu svojmu synovi.
Už na začiatku svojej kariéry sa Lucien Gaillard začal zaujímať o japonské zliatiny a laky, ktoré sa vo Francúzsku nepoužívali, ale boli také rozkošné, že ohromili jeho súčasníkov aj budúce generácie bádateľov jeho práce.
Klenotník Henri Vever o ňom hovoril takto: "Vášnivo zamilovaný do svojej profesie, neúnavný výskumník, ktorý očaril svojou prácou, Gaillard nadšene, s nadšením pochopil všetky zložité technologické aspekty šperkov, ako sú zliatiny šperkov, pozlátenie, patinovanie, dosahoval vynikajúce výsledky."
Rovnako ako u ostatných vyššie spomenutých klenotníkov, aj rok 1900 mal pre Luciena Gaillarda veľký význam. V tom roku sa v jeho živote stalo niekoľko udalostí naraz - získal novú budovu, pozval do práce japonských majstrov, ktorí mu pomohli pochopiť spletitosť národného umenia a samozrejme sa zúčastnil Svetovej výstavy v Paríži, kde získal Grand Prix, a okrem toho sa zoznámil s najnovšími dielami Reného Laliqueho, ktorého nazval svojou inšpiráciou.
Títo dvaja majstri mali spoločnú črtu – obaja vymýšľali nové techniky a snažili sa dať svojim dielam osobitý charakter. Čo však odlišovalo Gaillarda od Lalique, bola jeho príťažlivosť pre japonské umenie a japonské techniky, vďaka čomu boli Gaillardove diela zdržanlivejšie vo farbe a kompozícii.
Jedným z najlepších diel Gaillarda je náramok Apple Branch. Klenotníkovi sa podarilo vytvoriť veľmi zaujímavé, až unikátne dielo. V každom prvku náramku vidíme nezávislý a harmonicky vybudovaný komorný obraz kvetov na vetvách, pričom všetky prvky sú spojené do jedinej, rovnako integrálnej kompozície. Toto je hlavný princíp japonských motívov, ktorým sa Gaillard riadi – zladená rytmická štruktúra všetkých kompozičných prvkov.
Hrebeň chryzantémy je ďalším odkazom na japonské motívy od Gaillarda. Majster voľne aranžuje dva kvety podľa princípov zobrazovania chryzantém v japonských rytinách. Gaillard pri tejto práci použil roh, z ktorého postupne odstraňoval vrstvy. Docielil tým priesvitnosť, proti ktorej sa mu ladné lupienky kvetov začali zdať objemné. Zdôraznite objem a mliečne modré opály vykladané v jadre chryzantém.
Nemenej zaujímavá je veľká vlásenka z amsterdamského Rijksmuseum, na ktorej Gaillard zobrazil dve vážky bojujúce o veľký citrín. Prírodný motív je veľmi naturalistický, dynamický a výrazný. Klenotník vykonal dekoráciu s veľkou realistickou autentickosťou, sprostredkoval bezprostrednosť rýchleho pohybu hmyzu.
Gaillard aj v tomto šperku odvážne kombinuje vzácne a polodrahokamy: krídla hmyzu sú vyrobené z priehľadného rohu a ozdobené smaragdmi. Špičky krídel sú pokryté smaltom orámovaným rozptylom malých diamantov. Telá vážok sú vyrobené zo zlata a zdobené pruhmi tmavozeleného a modrého champlevé emailu.
V roku 1902 bolo niekoľko diel Luciena Gaillarda predstavených na výstave v Glasgowe a zožalo taký úspech, že mu po nej francúzska vláda udelila Rad čestnej légie. Od tohto momentu sa Gaillard stal jedným z najznámejších francúzskych klenotníkov éry secesie, no po roku 1910 sa jeho tvorivá činnosť začala vytrácať, až sa definitívne skončila v roku 1925.
Každý z hrdinov tohto článku mal svoj vlastný jedinečný štýl a svoj vlastný prístup k tvorbe šperkov, ale všetkých spájala túžba vytvárať nielen vzácne šperky, ale skutočne umelecké veci s použitím drahých kameňov aj kovov a materiály, ktoré sa v šperkoch nepovažujú za cenné. Pôvodné nápady týchto veľkých majstrov premenili polodrahokamy a kamene na skutočné umelecké diela a sami sa navždy zapísali do svetových dejín.
