Medtem ko so mojstri historicizma reproducirali in združevali najrazličnejše sloge preteklosti in jo pripeljali do določenega avtomatizma, je Art Nouveau vdrl v umetnost kot vihar, kot svež morski veter, osvobajajoč, očiščujoč, navdihujoč. Odprl je svet novih oblik, novih materialov, novih kombinacij.
Art Nouveau je bil kratkotrajen, a neverjetno lep in hkrati zelo kompleksen umetniški pojav, ki je zajel popolnoma vse zvrsti umetnosti, vključno z nakitom. Obdobje moderne je svetu dalo celo galaksijo velikih mojstrov, ki so nakitni umetnosti vdahnili novo življenje in jo postavili v ospredje »zadnjega velikega sloga«. V tem članku bomo spoznali nekatere glavne junake tega obdobja - Renéja Laliquea, Georgesa Fouqueta, Henrija Veverja in Luciena Gaillarda.
Genij nakita René Jules Lalique
Nesporen genij in vodja med draguljarji svojega časa je bil izjemni mojster René Laliquev čigar delu je bilo utelešeno samo bistvo francoske Art Nouveau. Njegova uporaba nedragocenih in pogosto krhkih materialov, zlasti oblikovanega stekla, je bila za svoj čas revolucionarna.
René Lalique se je rodil leta 1860 v mestecu Ay, 28 kilometrov južno od Reimsa. Leta 1876 se je začel izobraževati pri vodilnem pariškem zlatarju Louisu Ococku, leta 1878 pa je odšel v London, kjer je naslednji dve leti študiral izključno oblikovanje. Prav ta vsestranska izobrazba mu je omogočila, da je v prihodnje samostojno izdeloval ves svoj nakit – od izdelave skic do končnih posegov v končnih delih. V zgodnjih letih dela je Lalique naredil skice za znane mojstre, kot so Cartier, Boucheron, Vever.
Slednji pa je igral pomembno vlogo pri razvoju lastnega sloga Lalique. Leta 1886 mu je Jules Destape dal svojo delavnico za nakit "v znak priznanja njegovega edinstvenega talenta." Zdaj se je René Lalique, ki je imel vse potrebno za delo, posvetil iskanju navdiha, ki ga je našel v idejah gibanja Arts and Crafts, ki je pozivalo k oživitvi umetnosti in obrti ter spodbujalo rastlinske in živalske motive. S sprejetjem teh idej se je Lalique razvijal v skladu z njimi in postal prvi, ki je prinesel Art Nouveau v umetnost nakita.
Lalique je svoj prvi nakit v slogu Art Nouveau predstavil na svetovni razstavi leta 1897 v Bruslju. Toda glavni dogodek njegove ustvarjalne biografije je bila svetovna razstava v Parizu leta 1900. Za svojo razstavo nakita je Lalique prejel veliko nagrado, vlada pa ga je odlikovala z redom legije časti. To je bilo pravo zmagoslavje.
Francoski kritik Léonce Benedite je o njem pisal kot "Pravi inovator. On (Lalique) je bil tisti, ki je podrl stare ovire, prevrnil močne tradicije in ustvaril nov jezik.".
Raziskovalci imenujejo Renéja Laliquea mojstra treh "F" - "femme", "flore", "faune". Ženske, flora in favna so zavzemale osrednje mesto v mojstrovem delu in ženske so bile z razlogom imenovane prve. Čudoviti dolgolasi maskaroni in akti postanejo ponavljajoč se motiv v nakitu Lalique. In čeprav je Art Nouveau na splošno veljal za ženski slog, ker se je večina umetnikov obrnila na ženske podobe, je bilo treba imeti pogum, da bi v nakitu uporabili graciozno golo žensko telo.
Eden najbolj znanih izdelkov Renéja Laliquea, v katerem se sklicuje na žensko podobo, je korsažni okras "Dragonfly Woman", ki ga je izdelal v letih 1897-1898. Danes je v zbirki Muzeja Gulbenkian v Lizboni, ki ga je ustanovil finančnik in naftni magnat Calouste Gulbenkian, ki je zbral edinstveno zbirko Laliqueovih del.
V tem dragulju René Lalique ustvari zelo nenavaden videz, ki združuje žensko, kačjega pastirja in himero. Dobesedno pred našimi očmi se zgodi fantastična preobrazba - iz ust himere z velikimi kremplji se pojavi lepa ženska s krili kačjega pastirja namesto rok.
Znano je, da je bil ta korsažni okras del oprave Sarah Bernhardt, v kateri je blestela na gledališkem odru. In leta 1900, "Ženska kačji pastir", kot tudi številna dela Lalique, zdaj v zbirki muzeja Gulbenkian (glavnik-tiara "Petelin", ogrlica-davilica "Gozdna pokrajina", korzažni nakit "Kače") so bile prikazane na svetovni razstavi v Parizu in povzročile presenečenje in občudovanje tako med obiskovalci kot kritiki.
Ogrlica s čokerjem Forest Landscape je prav tako izjemna kreacija Lalique. Sestavljen je iz treh delov, ki predstavljajo eno samo kompleksno in večplastno kompozicijo. Lalique je v ospredju upodobil zlata drevesna debla, skozi katera v sredini vidimo jezero opalov, katerih prelivi ustvarjajo iluzijo gibanja vode. V ozadju je obala jezera, ustvarjena iz diamantov, ki posnemajo pesek. Ta dekoracija navdušuje ne le s svojo nenavadnostjo, ampak tudi s tem, kako realistična je bila upodobljena pokrajina.
Očarljivi so asimetrični obeski Lalique, na katerih draguljar upodablja drobce gozdnih pokrajin - pozimi ali jeseni. Med njimi izstopa obesek Zimska pokrajina, ustvarjen v letih 1900-1901. Lalique v kompleksno obliko postavi modro-sivo lepljeno steklo z drevesnimi debli, ki se zdijo kot v meglici zimskega somraka. Uporaba stekla je postala ena od značilnosti ustvarjalnosti Lalique, drugi znani draguljarji niso uporabljali stekla zaradi zapletenega tehnološkega procesa njegovega ustvarjanja. Na stekleno ozadje na desni strani je zlatar postavil zasneženo jelko, izdelano v tehniki emajla. Kompozicijo uokvirjajo zlate smrekove veje z vložki akvamarina in bisernim obeskom.
Raznolikost tem v Laliqueovih delih je bila ogromna - pokrajine (gozd, zima, pomlad), jesensko listje, poletne rože in jagode, živali in ptice, plazilci in žuželke. Toda vse jih združujejo kompleksnost in edinstvenost kompozicij, veliko temeljito obdelanih podrobnosti in nestandardnih materialov in tehnik, s katerimi draguljar nenehno eksperimentira. Kot je sam zapisal:
»... Moral sem iti v skrajnost, da sem opustil vse, kar sem dosegel prej. Vztrajno sem delal: risal, modeliral, opravljal tehnične raziskave in eksperimente vseh vrst, vedno odločen, da bom stvari dokončal in ustvaril nekaj povsem novega."
Po letu 1910 se je René Lalique osredotočil na delo s steklom in pri tem dosegel vrhunce brez primere. V naslednjih desetletjih so se pojavile njegove fantastične vaze, svetilke, stekleničke za parfume in celo avtomobilske maskote in arhitekturne dekoracije, zaradi katerih njegova slava ni izginila vse do smrti mojstra 1. maja 1945. In njegovo podjetje je preživelo vojno in uspešno obstaja še danes.
Draguljar Georges Fouquet
Še en ikonični draguljar iz obdobja Art Nouveau je bil Georges Fouquet. Rodil se je leta 1862 slavnemu draguljarju Alfonsu Fouquetu, ki je v 1870. letih 1880. stoletja zaslovel z neorenesančnim nakitom. Georges je študiral nakit pri svojem očetu in leta 1895 začel delati v njegovi draguljarski firmi. Leta XNUMX je Alfons Fouquet predal vodenje podjetja svojemu sinu, ta pa se je z navdušenjem lotil dela in želel očetovemu podjetju vdahniti novo življenje.
Draguljar Henri Vever je o njem zapisal: »Neumoren delavec, navdušen nad vsem novim, njegovo iskanje navdiha je bilo neumorno«.
Leta 1898 je Fouquet predstavil svoj prvi nakit v slogu Art Nouveau. Čutne ukrivljene linije, zamolkli emajli in subtilne teksture so bile zelo učinkovite in skoraj enake nakitu René Lalique. Toda sam Fouquet, za razliko od Lalique, ni bil oblikovalec in je k delu privabil številne znane umetnike svojega časa. V zgodovino se je zapisalo njegovo sodelovanje z Alfonsom Mario Mucho, umetnikom, čigar delo je postalo tudi živ simbol secesije.
Njihovo poznanstvo je potekalo po zaslugi Sarah Bernhardt, ki je leta 1898 prišla v zlatarno Georges Fouquet s skico kačje zapestnice, ki jo je ustvaril Alfons Mucha. Ta zapestnica je bila del kostuma Medeje iz istoimenske predstave po drami Katula Mendeza, ki je bila premierno uprizorjena istega leta 1898.
Na plakatu Alfonsa Muche je podobno zapestnico mogoče videti na roki Sary Medea. Verjetno si je igralka zaželela takšnega v svojem življenju in naročila Alfonsu Muchi, da ga oblikuje, za izvajalca pa je izbrala Fouqueta. Draguljar je bil tako očaran nad dizajnom zapestnice, da je predlagal, naj Alfons Mucha ustvari zbirko nakita za svetovno razstavo leta 1900 v Parizu. Tako se je rodila serija muhastih ogrlic, zapletenih korzažnih brošk in zapestnic, ki so, čeprav neudobne in precej težke, poosebljale edinstven slog Alfonsa Muche in dokazovale spretnost Georgesa Fouqueta.
Obiskovalci razstave so videli utelešene dragulje z Muchovih plakatov. Naredili so močan vtis, kritiki pa so bili v ocenah ostri in jih označili za "čudne dekoracije s čudnimi dekoracijami". Sodelovanje med Fouquetom in Mucho je trajalo le nekaj let, vendar je prav to pomagalo spremeniti slog nakita Georgesa Fouqueta in prineslo slavo njegovemu podjetju.
Poleg ustvarjanja nakita je Fouquet pisal članke in knjige, v eni od katerih je razglasil:
»Ne bo preživel razkošen nakit, ampak tisti, pri katerih je cena materialov nižja od njihove lepote - akvamarin, ametist, topaz, turmalin. Umetnost, ki se nikoli ne postara, bo tem draguljem podaljšala življenjsko dobo. Nikoli jih ne bodo razstavili za ponovno uporabo kamnov. Te stvari so predvsem umetniška dela in ne način vlaganja denarja.
Draguljar Henri Vever
Henri Vever je tretji junak te zgodbe in še en izjemen mojster dobe Art Nouveau. Tako kot Fouquet je bil tudi Vever na začetku 1821. stoletja vodja družinske draguljarske družbe Maison Vever, ki jo je leta 1854 ustanovil njegov dedek. Henri Vever se je rodil leta 1881 in je od mladosti skupaj z bratom Paulom študiral vodenje družinskega podjetja, študiral pa je tudi risanje, modeliranje in okrasno oblikovanje na Ecole des Beaux-Arts v Parizu. Tako je do upokojitve Henrijevega in Paulovega očeta leta XNUMX imel vredne naslednike. Paul je bil v podjetju odgovoren za komercialni razvoj, Henri pa za oblikovanje in proizvodnjo nakita. Zahvaljujoč Henriju Veverju se je slog nakitnega podjetja postopoma preoblikoval iz historicizma v sodobnost.
Na svetovni razstavi v Parizu leta 1900 je Maison Vever prejel drugo veliko nagrado za svoj izvrsten nakit v slogu Art Nouveau, ki velja za najboljše dosežke podjetja. Čeprav so imeli vse značilne značilnosti sloga (prefinjene ženske podobe, flora in favna), je bil nakit Henrija Veverja bolj konzervativen v primerjavi z ekstravagantnimi izdelki Renéja Laliquea.
Druga razlika "Maison Vever" je bila, da je podjetje delalo predvsem s plemenitimi kovinami in dragimi kamni. Henri ni imel enakega poguma in zanimanja za eksperimente kot njegovi kolegi, veliko redkeje pa je posegal po poceni materialih.
Poleg nakita je Henri Vever zaslovel kot zbiralec japonskih gravur, pa tudi kot avtor enega najpomembnejših znanstvenih del o nakitu - "Francoski nakit XNUMX. stoletja". V tej knjigi podrobno opisuje razvoj nakita, od dobe konzulata do dobe secesije.
Maestro Lucien Gaillard
In zadnji junak tega članka bo Lucien Gaillard. Danes je poznan veliko manj kot Lalique, Fouquet in celo Vever, vendar ni nič manj pomembna osebnost v nakitni umetnosti Art Nouveau. Glavna razlika med njegovim nakitom je bila privlačnost do japonske umetnosti.
Japonska umetnost je bila eden glavnih virov secesije, navdihnila je evropske mojstre z dinamičnim ritmom in fleksibilnostjo rastlinskih okrasnih linij, nedokončanostjo gibanja, lahkotnostjo in posebno stilizacijo, ki je naravne motive spremenila v dekorativne vzorce.
Lucien Gaillard se je rodil leta 1861 in je, tako kot oba prejšnja obrtnika, svojo poklicno pot začel kot učenec svojega očeta, srebrnarja Ernesta Gaillarda. V času svojega oblikovanja je do potankosti obvladal tehnike črtanja in graviranja na zlatu in srebru, obiskoval različne tečaje nakita pri mojstrih Dujardinu in Salmonu ter sčasoma presegel svojega očeta. Leta 1892 je Ernest Gaillard svojo delavnico podaril svojemu sinu.
Lucien Gaillard se je že na začetku svoje kariere začel zanimati za japonske zlitine in lake, ki jih v Franciji sicer niso uporabljali, a so bili tako prijetni, da so navduševali tako njegove sodobnike kot prihodnje generacije raziskovalcev njegovega dela.
Draguljar Henri Vever je o njem govoril takole: »Strastno zaljubljen v svoj poklic, neumorni raziskovalec, ki je očaral s svojim delom, je Gaillard navdušeno, z zanosom dojel vse kompleksne tehnološke vidike nakita, kot so nakitne zlitine, pozlačevanje, patiniranje, pri čemer je dobil odlične rezultate.«
Tako kot pri drugih zgoraj omenjenih zlatarnah je bilo leto 1900 za Luciena Gaillarda zelo pomembno. Tistega leta se je v njegovem življenju zgodilo več dogodkov hkrati - pridobil je novo stavbo, povabil k delu japonske mojstre, ki so mu pomagali razumeti zapletenost nacionalne umetnosti in seveda sodeloval na svetovni razstavi v Parizu, kjer je prejel nagrado Grand Prix, poleg tega pa se je seznanil z najnovejšimi deli Renéja Laliqueja, ki ga je imenoval njegov navdih.
Oba mojstra sta imela skupno lastnost - oba sta izumljala nove tehnike in skušala svojim delom dati poseben značaj. Toda tisto, kar je Gaillarda razlikovalo od Laliquea, je bila njegova privlačnost do japonske umetnosti in japonskih tehnik, zaradi česar so bila Gaillardova dela bolj zadržana v barvi in kompoziciji.
Eno najboljših Gaillardovih del je zapestnica Apple Branch. Draguljarju je uspelo ustvariti zelo zanimivo, celo unikatno delo. V vsakem elementu zapestnice vidimo samostojno in harmonično zgrajeno komorno podobo cvetov na vejah, vsi elementi pa so združeni v enotno, enako celostno kompozicijo. To je glavno načelo japonske motivike, ki mu sledi Gaillard - usklajena ritmična struktura vseh kompozicijskih elementov.
Grb krizanteme je še ena referenca na japonske motive Gaillarda. Mojster poljubno aranžira dve roži po načelih upodabljanja krizantem na japonskih gravurah. Gaillard je pri tem delu uporabil rog, s katerega je postopoma odstranil plasti. S tem je dosegel prosojnost, proti kateri so se graciozni cvetni listi začeli zdeti voluminozni. Poudarite volumen in mlečno modre opale, intarzirane v jedru krizantem.
Nič manj zanimiva ni velika lasnica iz amsterdamskega Rijksmuseuma, na kateri je Gaillard upodobil dva kačja pastirja, ki se borita za velik citrin. Naravni motiv je zelo naturalističen, dinamičen in ekspresiven. Draguljar je dekoracijo izvedel z veliko realistično pristnostjo, ki izraža neposrednost hitrega gibanja žuželk.
Tudi pri tem nakitu Gaillard pogumno kombinira dragocene in poldrage materiale: žuželčja krila so izdelana iz prozornega roga in okrašena s smaragdi. Konice kril so prekrite z emajlom, uokvirjenim z majhnimi diamanti. Trupi kačjih pastirjev so izdelani iz zlata in okrašeni s črtami temno zelenega in modrega emajla.
Leta 1902 je bilo na razstavi v Glasgowu predstavljenih več del Luciena Gaillarda, ki so bila tako uspešna, da mu je francoska vlada po tem podelila odlikovanje Legije časti. Od tistega trenutka dalje je Gaillard postal eden najslavnejših francoskih draguljarjev obdobja Art Nouveau, po letu 1910 pa je njegova ustvarjalna dejavnost začela usihati, dokler se leta 1925 dokončno ni končala.
Vsak od junakov tega članka je imel svoj edinstven slog in svoj pristop k ustvarjanju nakita, vendar jih je vse združila želja po ustvarjanju ne le dragocenega nakita, temveč resnično umetniških stvari, zanje pa so uporabili tako drage kamne kot kovine in materiali, ki niso dragoceni v nakitu. Izvirne zamisli teh velikih mojstrov so poldrage kovine in kamne spremenile v prave umetnine, sami pa so se za vedno zapisali v svetovno zgodovino.
