Док су мајстори историзма репродуковали и комбиновали најразличитије стилове прошлости, доводећи је до извесног аутоматизма, сецесија је улетела у уметност као вихор, као свеж морски ветар, ослобађајући, прочишћавајући, надахњујући. Отворио је свет нових облика, нових материјала, нових комбинација.
Арт Ноувеау је био краткотрајан, али невероватно леп и истовремено веома сложен уметнички феномен који је обухватао апсолутно све врсте уметности, укључујући и накит. Ера сецесије дала је свету читаву плејаду великих мајстора, који су, заузврат, удахнули нови живот уметности накита и довели је на чело „последњег великог стила“. У овом чланку ћемо упознати неке од главних ликова епохе - Рене Лаликуе, Георгес Фоукует, Анри Вевер и Луциен Гаиллард.
Геније за накит Рене Јулес Лаликуе
Неоспорни геније и вођа међу драгуљарима свог времена био је изузетан мајстор Рене Лалику чијем је делу оличена сама суштина француског сецесије. Његова употреба недрагоцених и често крхких материјала, посебно ливеног стакла, била је револуционарна за његово време.
Рене Лалик је рођен 1860. године у градићу Ај, 28 километара јужно од Ремса. Године 1876. почео је да учи код водећег париског златара Луиса Окока, а 1878. отишао је у Лондон, где је наредне две године студирао искључиво дизајн. Управо ово свеобухватно образовање му је омогућило да у будућности самостално производи сав свој накит - од креирања скица до завршних детаља у готовим радовима. У раним годинама рада, Лалик је направио скице за познате мајсторе као што су Цартиер, Боуцхерон, Вевер.
Овај други је, заузврат, играо важну улогу у развоју Лаликуеовог сопственог стила. Године 1886, Јулес Дестапе му је поклонио своју радионицу за накит „као признање за његов јединствени таленат“. Сада се Рене Лалик, располажући свим потребним за рад, окренуо потрази за инспирацијом, коју је пронашао у идејама покрета уметности и заната, који је позивао на оживљавање уметности и заната и промовисао биљне и животињске мотиве. Прихватајући ове идеје, Лаликуе је еволуирао у складу са њима и постао је први који је увео Арт Ноувеау у уметност накита.
Лаликуе је представио свој први накит у стилу Арт Ноувеау на Светској изложби у Бриселу 1897. године. Али главни догађај његове креативне биографије била је Светска изложба у Паризу 1900. За своју изложбу накита, Лалик је добио Гран при, а влада га је одликовала Орденом Легије части. Био је то прави тријумф.
Француски критичар Леонце Бенедите писао је о њему као „Прави иноватор. Он (Лалик) је био тај који је срушио старе баријере, преокренуо јаке традиције и створио нови језик.".
Истраживачи називају Рене Лаликуе мајстором три "Ф" - "фемме", "флоре", "фауне". Управо су жене, флора и фауна заузимале централно место у раду мајстора, а жене су с разлогом прве именоване. Прелепе дугокосе маскарене и актови постају стални мотив у Лаликуе накиту. И иако се сецесија генерално сматрала женственим стилом, пошто се већина уметника окренула женским сликама, требало је имати храбрости да искористи грациозно наго женско тело у накиту.
Један од најпознатијих производа Ренеа Лаликуеа, у којем се он позива на женску слику, је украс корсажа "Жена вилиног коњица", који је направио 1897-1898. Данас се налази у колекцији Музеја Гулбенкијан у Лисабону, који је основао финансијер и нафтни магнат Калуст Гулбенкијан, који је сакупио јединствену колекцију Лаликуеових дела.
У овом драгуљу Рене Лаликуе ствара веома необичан изглед који комбинује жену, вретенца и химеру. Буквално пред нашим очима дешава се фантастична трансформација - из уста химере са великим канџастим шапама појављује се прелепа жена са крилима вретенца уместо руку.
Познато је да је ова декорација корсажа била део оутфита Саре Бернхард, у којој је заблистала на позоришној сцени. А 1900. године „Жена вилин коњиц“, као и бројна Лаликуеова дела, која се данас налазе у колекцији Музеја Гулбенкијан (чешаљ-тијара „Петлук“, огрлица-гушилица „Шумски пејзаж“, корсажни накит „Змије ”) приказани су на Светској изложби у Паризу и изазвали су изненађење и дивљење, како посетилаца, тако и критичара.
Огрлица Форест Ландсцапе је једнако изванредна креација Лаликуе-а. Састоји се од три дела, који представљају једну сложену и вишеструку композицију. У првом плану Лалик је приказао златна стабла кроз која у средини видимо језеро опала чији преливи стварају илузију кретања воде. У позадини је обала језера, створена од дијаманата који имитирају песак. Ова декорација импресионира не само својом необичношћу, већ и колико је приказани пејзаж испао реалистичан.
Шармантни су асиметрични привесци Лаликуе, на којима златар приказује фрагменте шумских пејзажа - зиме или јесени. Међу њима се издваја привезак Зимски пејзаж, настао 1900-1901. У сложеном облику, Лаликуе ставља плаво-сиво ламинирано стакло са стаблима дрвећа који се појављују као у измаглици зимског сумрака. Употреба стакла је постала једна од одлика Лаликуеове креативности, други познати златари нису користили стакло због сложеног технолошког процеса његовог стварања. На стаклену подлогу са десне стране, златар је поставио снегом прекривену јелу направљену техником емајла. Композиција је уоквирена златним гранчицама смрче са аквамаринским уметцима и бисерним привеском.
Разноврсност тема у Лаликовим делима била је огромна – пејзажи (шума, зима, пролеће), јесење лишће, летње цвеће и бобице, животиње и птице, гмизавци и инсекти. Али све их обједињује сложеност и јединственост композиција, пуно темељно разрађених детаља и нестандардних материјала и техника са којима златар непрестано експериментише. Како је сам написао:
„... Морао сам да одем до крајности да се одрекнем свега што сам раније постигао. Неуморно сам радио: цртао, моделирао, радио техничка истраживања и експерименте свих врста, увек одлучан да завршим ствари и створим нешто потпуно ново."
После 1910, Рене Лалик се концентрисао на рад са стаклом и постигао невиђене висине у томе. У наредним деценијама појавиле су се његове фантастичне вазе, лампе, бочице парфема, па чак и аутомобилске маскоте и архитектонски украси, захваљујући којима његова слава није нестала све до смрти мајстора 1. маја 1945. године. А његова фирма је преживела рат и успешно постоји и данас.
Златар Георгес Фоукует
Још један култни златар ере сецесије био је Георгес Фоукует. Рођен је 1862. од славног златара Алфонса Фукеа, који се прославио 1870-их по свом неоренесансном накиту. Жорж је студирао накит са својим оцем и 1880. почео је да ради у својој фирми за накит. Године 1895. Алфонс Фоукует је предао управљање послом свом сину, а он је са ентузијазмом прионуо на посао, желећи да удахне нови живот очевој фирми.
Драгуљар Анри Вевер писао је о њему: "Неуморан радник, фасциниран је свим новим, а његова потрага за инспирацијом била је неуморна".
Године 1898. Фоукует је представио свој први накит у стилу Арт Ноувеау. Сензуалне закривљене линије, пригушени емајли и суптилне текстуре били су веома ефектни и готово једнаки накиту Рене Лаликуе. Али сам Фоукует, за разлику од Лаликуеа, није био дизајнер и привукао је многе познате уметнике свог времена да раде. Његова сарадња са Алфонсом Маријом Мухом, уметником чији је рад такође постао живописан симбол ере сецесије, отишла је у историју.
Њихово познанство догодило се захваљујући Сари Бернхардт, која је 1898. године дошла у јувелирницу Георгес Фоукует са скицом змијске наруквице коју је креирао Алфонс Муцха. Ова наруквица је била део костима Медеје из истоимене представе по драми Катула Мендеза, која је премијерно изведена исте 1898. године.
На плакату Алфонса Мухе слична наруквица се може видети на руци Сари Медеје. Вероватно је глумица пожелела да га има у животу, и наредила Алфонсу Мухи да га дизајнира, а за извођача изабрала Фукеа. Златара је био толико фасциниран дизајном наруквице да је предложио да Алфонс Муцха креира колекцију накита за Светску изложбу у Паризу 1900. године. Тако је рођена серија ћудљивих огрлица, замршених брошева и наруквица, које су, иако неудобне и прилично тешке, оличавале јединствени стил Алфонса Мухе и демонстрирали вештину Жоржа Фукеа.
Посетиоци изложбе видели су оличене драгуље са Мухиних плаката. Оставили су снажан утисак, али су критичари били оштри у оценама, називајући их „чудним украсима са чудним украсима“. Сарадња између Фоукуета и Муцха трајала је само неколико година, али је то помогло да се промени стил накита Георгес Фоукует и донела славу његовој компанији.
Поред стварања накита, Фоукует је писао чланке и књиге, у једној од којих је објавио:
„Није луксузни накит тај који ће преживети, већ онај у коме је цена материјала мања од њихове лепоте - аквамарин, аметист, топаз, турмалин. Уметност која никада не стари продужиће живот ових драгуља. Никада се неће раставити да би се камење поново користило. Ове ствари су пре свега уметничка дела, а не начин да се уложи новац.
Златар Хенри Вевер
Анри Вевер је трећи јунак ове приче и још један изузетан мајстор ере сецесије. Као и Фоукует, Вевер је почетком 1821. века био на челу породичне компаније за накит Маисон Вевер, коју је основао његов деда 1854. године. Анри Вевер је рођен 1881. године и од младости је заједно са братом Полом студирао вођење породичног бизниса, а такође је студирао цртање, моделирање и орнаментални дизајн на Ецоле дес Беаук-Артс у Паризу. Тако је у време када се Анријев и Полов отац пензионисао XNUMX. имао достојне наследнике. Пол је био одговоран за комерцијални развој у фирми, док је Хенри био одговоран за дизајн и производњу накита. Захваљујући Хенри Веверу, стил компаније за накит постепено се трансформисао из историзма у модерност.
На Светској изложби у Паризу 1900. године, Маисон Вевер је добио други Гранд Прик за свој изузетан накит у стилу Арт Ноувеау, који се сматра најбољим достигнућима компаније. Међутим, иако је имао све карактеристичне карактеристике стила (префињене женске слике, флору и фауну), накит Хенри Вевера био је конзервативнији у поређењу са екстравагантним производима Рене Лаликуеа.
Друга разлика "Маисон Вевера" је у томе што је фирма углавном радила са племенитим металима и драгим камењем. Анри није имао исту храброст и интересовање за експерименте као његове колеге, а много ређе је прибегавао јефтиним материјалима.
Поред накита, Хенри Вевер се прославио као колекционар јапанских гравура, као и аутор једног од најзначајнијих научних радова о накиту - „Француски накит XNUMX. века“. У овој књизи он детаљно описује развој накита, од епохе конзулата до ере сецесије.
Маестро Луциен Гаиллард
А последњи јунак овог чланка биће Луциен Гаиллард. Данас је познат много мање од Лаликуеа, Фоукуеа, па чак и Вевера, али он није ништа мање важна фигура у уметности накита у стилу Арт Ноувеау. Главна разлика између његовог накита била је привлачност јапанској уметности.
Јапанска уметност била је један од главних извора сецесије, инспирисала је европске мајсторе динамичним ритмом и флексибилношћу линија биљне декорације, недовршеношћу покрета, лакоћом и посебном стилизацијом која је природне мотиве претварала у украсне шаре.
Луциен Гаиллард је рођен 1861. године и, као и два претходна занатлија, каријеру је започео као ученик свог оца, кујунџије Ернеста Гаилларда. Током свог формирања, савршено је савладао технике јурњаве и гравирања на злату и сребру, похађао многе различите курсеве накита код мајстора Дужардина и Салмона и на крају надмашио свог оца. Године 1892. Ернест Гаиллард је дао своју радионицу свом сину.
Већ на почетку своје каријере, Луциен Гаиллард се заинтересовао за јапанске легуре и лакове, који нису коришћени у Француској, али су били толико одушевљени да су задивили како његове савременике, тако и будуће генерације истраживача његовог рада.
Златар Анри Вевер је о њему говорио овако: „Страсно заљубљен у своју професију, неуморни истраживач који је одушевљавао својим радом, Гајар је ентузијастично, са заносом схватио све сложене технолошке аспекте накита, као што су легуре накита, позлата, патинирање, постижући одличне резултате.
Као и код других горе поменутих златара, 1900. година је била од великог значаја за Луциена Гаиллард-а. Те године се у његовом животу догодило неколико догађаја одједном - набавио је нову зграду, позвао јапанске мајсторе да раде, помажући му да разуме замршености националне уметности и, наравно, учествовао на Светској изложби у Паризу, где је добио награду. Гранд Прик, а поред тога, упознао се и са најновијим делима Ренеа Лаликуеа, којег је назвао својом инспирацијом.
Два мајстора су имала заједничку особину - обојица су измислили нове технике, покушавајући да дају посебан карактер својим радовима. Али оно што је Гајара разликовало од Лалика била је његова привлачност јапанској уметности и јапанским техникама, захваљујући којима су Гајардови радови били суздржанији у боји и композицији.
Једно од Гаиллардових најбољих дела је наруквица Аппле Бранцх. Златар је успео да створи веома занимљив, чак и јединствен рад. У сваком елементу наруквице видимо самосталну и складно изграђену камерну слику цвећа на гранчицама, док су сви елементи спојени у јединствену, подједнако интегралну композицију. Ово је главни принцип јапанских мотива, који Гајар следи - усклађена ритмичка структура свих композиционих елемената.
Грб хризантеме је још једна референца на Гаиллардове јапанске мотиве. Мајстор слободно распоређује два цвета, поштујући принципе приказивања хризантема на јапанским гравурама. Гајар је у овом раду користио рог са којег је постепено уклањао слојеве. Тиме је постигао прозрачност, насупрот којој су грациозне латице цвећа почеле да делују обимно. Нагласите волумен и млечно плаве опали уметнуте у језгро хризантема.
Ништа мање занимљива је и велика укосница из амстердамског Ријксмусеума, на којој је Гајар приказао два вретенца како се боре око великог цитрина. Природни мотив је веома природан, динамичан и експресиван. Златар је декорацију извео са великом реалистичном аутентичношћу, преносећи непосредност брзог кретања инсеката.
Гајар такође смело комбинује драгоцене и полудраге материјале у овом комаду накита: крила инсеката су направљена од провидног рога и украшена смарагдима. Врхови крила су прекривени емајлом уоквиреним ситним дијамантима. Тела вилиних коњица су израђена од злата и украшена пругама тамнозеленог и плавог емајла.
Године 1902. неколико дела Лусијена Гајара представљено је на изложби у Глазгову и доживело је толики успех да му је након тога француска влада доделила Легију части. Од тог тренутка, Гајар је постао један од најпознатијих француских драгуљара ере сецесије, али је после 1910. његова креативна активност почела да бледи све док се коначно није завршила 1925. године.
Сваки од јунака овог чланка имао је свој јединствени стил и свој приступ креирању накита, али све их је ујединила жеља да креирају не само драгоцени накит, већ истински уметничке ствари, користећи за њих и драго камење и метале, и материјала, који се не сматрају вредним у накиту. Првобитне идеје ових великих мајстора претвориле су полудраги метал и камење у права уметничка дела, а сами су заувек уписани у светску историју.
