Medan historismens mästare reproducerade och kombinerade de mest olika stilarna från det förflutna, och förde det till en viss automatism, brast jugenden ut i konst som en virvelvind, som en frisk havsvind, befriande, renande, inspirerande. Han öppnade upp en värld av nya former, nya material, nya kombinationer.
Art Nouveau var ett kortvarigt, men otroligt vackert och samtidigt väldigt komplext konstnärligt fenomen som omfattade absolut all typ av konst, inklusive smycken. Modernitetens era gav världen en hel galax av stora mästare, som i sin tur blåste nytt liv i smyckekonsten och förde den till spetsen för den "sista stora stilen". I den här artikeln kommer vi att lära känna några av erans huvudkaraktärer - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever och Lucien Gaillard.
Smyckesgeniet René Jules Lalique
Det obestridda geniet och ledaren bland sin tids juvelerare var enastående mästare René Laliquei vars verk själva kärnan i fransk jugend förkroppsligades. Hans användning av oädla och ofta spröda material, särskilt gjutet glas, var revolutionerande för hans tid.
René Lalique föddes 1860 i den lilla staden Ay, 28 kilometer söder om Reims. 1876 började han studera hos den ledande parisiske juveleraren Louis Ocock och 1878 åkte han till London, där han uteslutande studerade design under de följande två åren. Det var denna omfattande utbildning som gjorde det möjligt för honom att självständigt tillverka alla sina smycken i framtiden - från skapandet av skisser till den sista handen i färdiga verk. Under de första åren av arbetet gjorde Lalique skisser för sådana kända mästare som Cartier, Boucheron, Vever.
Den senare spelade i sin tur en viktig roll i utvecklingen av Laliques egen stil. 1886 gav Jules Destape honom sin smyckesverkstad "som ett erkännande av hans unika talang." Nu övergick René Lalique, som hade allt som behövs för arbetet, till sökandet efter inspiration, som han hittade i Arts and Crafts-rörelsens idéer, som krävde ett återupplivande av konst och hantverk och främjade växt- och djurmotiv. Genom att omfamna dessa idéer utvecklades Lalique i synk med dem och blev den första att föra jugenden till smyckekonsten.
Lalique presenterade sina första jugendsmycken på världsutställningen 1897 i Bryssel. Men huvudhändelsen i hans kreativa biografi var världsutställningen i Paris 1900. För sin smyckeutställning fick Lalique Grand Prix och regeringen tilldelade honom hederslegionens orden. Det var en sann triumf.
Den franske kritikern Léonce Benedite skrev om honom som "En sann innovatör. Han (Lalique) var den som rev ner gamla barriärer, störtade starka traditioner och skapade ett nytt språk.".
Forskare kallar René Lalique för mästaren på tre "F" - "femme", "flore", "faune". Det var kvinnor, flora och fauna som intog en central plats i mästarens arbete, och kvinnor utsågs först av en anledning. Vackra långhåriga mascarons och nakenbilder blir ett återkommande motiv i Laliques smycken. Och även om jugend i allmänhet ansågs vara en feminin stil, eftersom de flesta konstnärer vände sig till kvinnliga bilder, var man tvungen att ha modet att använda den graciösa nakna kvinnokroppen i smycken.
En av René Laliques mest kända produkter, där han hänvisar till den kvinnliga bilden, är corsagedekorationen "Dragonfly Woman", gjord av honom 1897-1898. Idag finns det i samlingen av Gulbenkian-museet i Lissabon, grundat av finansmannen och oljemagnaten Calouste Gulbenkian, som samlat på sig en unik samling av Lalique-verk.
I denna juvel skapar René Lalique en mycket ovanlig look som kombinerar en kvinna, en trollslända och en chimär. Bokstavligen framför våra ögon sker en fantastisk förvandling - en vacker kvinna med trollsländevingar istället för händer dyker upp från munnen på en chimär med stora klövade tassar.
Det är känt att denna corsagedekoration var en del av Sarah Bernhardts outfit, i vilken hon lyste på teaterscenen. Och år 1900, "Dragonfly Woman", såväl som ett antal verk av Lalique, som idag finns i samlingen av Gulbenkian Museum (kam-tiara "Cockerel", halsband-choker "Forest Landscape", corsage smycken "Snakes ”) visades på världsutställningen i Paris och väckte förvåning och beundran, både bland besökare och kritiker.
Forest Landscape choker-halsbandet är en lika enastående skapelse av Lalique. Den består av tre delar, som presenterar en enda komplex och mångfacetterad komposition. I förgrunden avbildade Lalique gyllene trädstammar, genom vilka vi i mitten ser en sjö av opaler, vars översvämningar skapar en illusion av vattenrörelser. I bakgrunden är stranden av sjön, skapad av diamanter som imiterar sand. Denna dekoration imponerar inte bara med sin ovanlighet, utan också med hur realistiskt det avbildade landskapet visade sig vara.
Asymmetriska Lalique-hängen är charmiga, på vilka juveleraren skildrar fragment av skogslandskap - vinter eller höst. Bland dem sticker vinterlandskapshänget, skapat 1900-1901, ut. I en komplex form sätter Lalique blågrått laminerat glas med trädstammar som ser ut som i ett dis av vinterskymning. Användningen av glas har blivit en av kännetecknen för Laliques kreativitet, andra välkända juvelerare använde inte glas på grund av den komplexa tekniska processen för dess skapelse. Ovanpå glasbakgrunden till höger har juveleraren placerat en snötäckt gran gjord med emaljteknik. Kompositionen är inramad av gyllene grangrenar med akvamarininsatser och ett pärlhänge.
Mångfalden av ämnen i Laliques verk var enorm - landskap (skog, vinter, vår), höstlöv, sommarblommor och bär, djur och fåglar, reptiler och insekter. Men alla förenas av komplexiteten och unikheten i kompositionerna, många genomarbetade detaljer och icke-standardiserade material och tekniker som juveleraren ständigt experimenterar med. Som han själv skrev:
"... Jag var tvungen att gå till det yttersta för att ge upp allt som jag hade uppnått tidigare. Jag arbetade obevekligt: ritade, modellerade, gjorde teknisk forskning och experiment av alla de slag, alltid fast besluten att få saker gjorda och skapa något helt nytt."
Efter 1910 koncentrerade sig René Lalique på att arbeta med glas och nådde oöverträffade höjder inom detta. Under de följande decennierna dök hans fantastiska vaser, lampor, parfymflaskor och till och med bilmaskoter och arkitektoniska dekorationer upp, tack vare vilka hans berömmelse inte försvann förrän mästarens död den 1 maj 1945. Och hans företag överlevde kriget och existerar framgångsrikt idag.
Juvelerare Georges Fouquet
En annan ikonisk juvelerare från jugendtiden var Georges Fouquet. Han föddes 1862 till den berömda juveleraren Alfons Fouquet, som blev känd på 1870-talet för sina smycken från nyrenässansen. Georges studerade smycken med sin far och började 1880 arbeta i sin smyckesfirma. 1895 överlät Alfons Fouquet ledningen av verksamheten till sin son, och han började arbeta med entusiasm och ville blåsa nytt liv i sin fars firma.
Juveleraren Henri Vever skrev om honom: "En outtröttlig arbetare, han fascinerades av allt nytt, och hans sökande efter inspiration var outtröttlig".
1898 introducerade Fouquet sina första jugendsmycken. Sensuella böjda linjer, dämpade emaljer och subtila texturer var mycket effektiva och nästan lika med René Laliques smycken. Men Fouquet själv, till skillnad från Lalique, var ingen designer och lockade många kända konstnärer från sin tid att arbeta. Hans samarbete med Alfons Maria Mucha, en konstnär vars verk också har blivit en levande symbol för jugendtiden, har gått till historien.
Deras bekantskap skedde tack vare Sarah Bernhardt, som 1898 kom till juvelerbutiken Georges Fouquet med en skiss av ett ormarmband skapat av Alfons Mucha. Detta armband var en del av Medeas kostym från föreställningen med samma namn baserad på pjäsen av Katul Mendez, som hade premiär samma 1898.
På Alfons Mucha-affischen kan ett liknande armband ses på Sary Medeas hand. Förmodligen ville skådespelerskan ha en i sitt liv och beordrade Alfons Mucha att designa den och valde Fouquet som artist. Juveleraren var så fascinerad av designen av armbandet att han föreslog att Alfons Mucha skulle skapa en samling smycken för 1900 års världsutställning i Paris. Så föddes en serie nyckfulla halsband, invecklade corsage-broscher och armband, som, även om de var obekväma och ganska tunga, förkroppsligade Alfons Muchas unika stil och visade Georges Fouquets skicklighet.
Besökare på utställningen såg de förkroppsligade juvelerna från Muchas affischer. De gjorde ett starkt intryck, men kritikerna var hårda i sina bedömningar och kallade dem "märkliga dekorationer med konstiga dekorationer". Samarbetet mellan Fouquet och Mucha varade bara några år, men det var det som hjälpte till att förändra stilen på Georges Fouquet-smyckena och gjorde hans företag berömmelse.
Förutom att skapa smycken skrev Fouquet artiklar och böcker, i en av vilka han proklamerade:
"Det är inte lyxiga smycken som kommer att överleva, utan de där materialpriset är lägre än deras skönhet - akvamarin, ametist, topas, turmalin. Konst som aldrig blir gammal kommer att förlänga livslängden på dessa juveler. De kommer aldrig att tas isär för att återanvända stenarna. Dessa saker är främst konstverk, och inte ett sätt att investera pengar.
Juvelerare Henri Vever
Henri Vever är den tredje hjälten i denna berättelse och en annan enastående mästare i jugendtiden. Liksom Fouquet var Vever i början av 1821-talet chef för familjens smyckesföretag Maison Vever, grundat av hans farfar 1854. Henri Vever föddes 1881 och studerade från sin ungdom tillsammans med sin bror Paul ledning av familjeföretaget och studerade även teckning, modellering och prydnadsdesign vid Ecole des Beaux-Arts i Paris. När Henri och Pauls far gick i pension XNUMX hade han således värdiga efterträdare. Paul ansvarade för kommersiell utveckling på byrån medan Henri ansvarade för design och tillverkning av smycken. Tack vare Henri Vever förvandlades smyckesföretagets stil gradvis från historicism till modernitet.
På världsutställningen i Paris 1900 fick Maison Vever ett andra Grand Prix för sina utsökta jugendsmycken, som anses vara företagets bästa prestationer. Men även om de hade stilens alla karaktäristiska drag (raffinerade kvinnliga bilder, flora och fauna), var Henri Vevers smycken mer konservativa jämfört med de extravaganta produkterna från René Lalique.
En annan skillnad mot "Maison Vever" var att företaget huvudsakligen arbetade med ädelmetaller och ädelstenar. Henri hade inte samma mod och intresse för experiment som sina kollegor och tillgrep mycket mindre ofta billiga material.
Förutom smycken blev Henri Vever känd som en samlare av japanska gravyrer, liksom författaren till ett av de viktigaste vetenskapliga verken om smycken - "Franska smycken från XNUMX-talet". I den här boken beskriver han i detalj utvecklingen av smycken, från konsulatets era till jugendtiden.
Maestro Lucien Gaillard
Och den sista hjälten i denna artikel kommer att vara Lucien Gaillard. Han är idag mycket mindre känd än Lalique, Fouquet och till och med Vever, men han är inte mindre viktig i jugendkonsten. Den största skillnaden mellan hans smycken var attraktionen till japansk konst.
Japansk konst var en av de viktigaste källorna till jugend, den inspirerade europeiska mästare med dynamisk rytm och flexibilitet i växtdekorationslinjer, ofullständig rörelse, lätthet och speciell stilisering som gjorde naturliga motiv till dekorativa mönster.
Lucien Gaillard föddes 1861 och började liksom de två tidigare hantverkarna sin karriär som elev till sin far, silversmeden Ernest Gaillard. Under sin bildande behärskade han perfekt teknikerna att jaga och gravera på guld och silver, deltog i många olika smyckeskurser av mästarna Dujardin och Salmon och överträffade så småningom sin far. 1892 gav Ernest Gaillard sin verkstad till sin son.
Redan i början av sin karriär blev Lucien Gaillard intresserad av japanska legeringar och lacker, som inte användes i Frankrike, men som var så förtjusande att de förvånade både hans samtida och kommande generationer av forskare av hans arbete.
Juveleraren Henri Vever talade om honom så här: "Passionerat förälskad i sitt yrke, en outtröttlig forskare som förtrollade med sitt arbete, Gaillard entusiastiskt, med hänförelse förstod alla de komplexa tekniska aspekterna av smycken, såsom smyckeslegeringar, förgyllning, patinering, och fick utmärkta resultat."
Som med de andra juvelerare som nämnts ovan var år 1900 av stor betydelse för Lucien Gaillard. Det året hände flera händelser i hans liv samtidigt - han förvärvade en ny byggnad, bjöd in japanska mästare att arbeta, hjälpte honom att förstå krångligheterna i nationell konst och, naturligtvis, deltog i världsutställningen i Paris, där han fick Grand Prix, och dessutom bekantade han sig med de senaste verken av René Lalique, som han kallade sin inspiration.
De två mästarna hade ett gemensamt drag - de uppfann båda nya tekniker och försökte ge sina verk en speciell karaktär. Men det som skilde Gaillard från Lalique var hans vädjan till japansk konst och japanska tekniker, tack vare vilka Gaillards verk var mer återhållsamma i färg och komposition.
Ett av Gaillards bästa verk är Apple Branch-armbandet. Juveleraren lyckades skapa ett mycket intressant, till och med unikt verk. I varje element i armbandet ser vi en oberoende och harmoniskt byggd kammarbild av blommor på grenar, samtidigt som alla element är kombinerade till en enda, lika integrerad komposition. Detta är huvudprincipen för japanska motiv, som Gaillard följer - en harmoniserad rytmisk struktur av alla kompositionselement.
Krysantemumens vapen är en annan referens till japanska motiv av Gaillard. Mästaren arrangerar fritt två blommor, enligt principerna för att avbilda krysantemum i japanska gravyrer. Gaillard använde ett horn i detta arbete, från vilket han gradvis tog bort lagren. Genom att göra detta uppnådde han genomskinlighet, mot vilken de graciösa blombladen började verka voluminösa. Betona volym och mjölkblå opaler inlagda i kärnan av krysantemum.
Inte mindre intressant är en stor hårnål från Amsterdam Rijksmuseum, på vilken Gaillard avbildade två trollsländor som slåss om en stor citrin. Det naturliga motivet är mycket naturalistiskt, dynamiskt och uttrycksfullt. Juveleraren utförde dekorationen med stor realistisk autenticitet, vilket förmedlade omedelbarheten av insekternas snabba rörelse.
Gaillard kombinerar också modigt dyrbara och halvädla material i detta smycke: insektsvingar är gjorda av genomskinligt horn och prydda med smaragder. Spetsarna på vingarna är täckta med emalj inramade med en spridning av små diamanter. Dragonfly-kroppar är gjorda av guld och dekorerade med ränder av mörkgrön och blå champlevé-emalj.
År 1902 presenterades flera verk av Lucien Gaillard på en utställning i Glasgow och var en sådan framgång att den franska regeringen efter den tilldelade honom Hederslegionen. Från det ögonblicket blev Gaillard en av de mest kända franska juvelerarna under juveleran, men efter 1910 började hans kreativa verksamhet försvinna tills den slutligen tog slut 1925.
Var och en av hjältarna i den här artikeln hade sin egen unika stil och sin egen inställning till att skapa smycken, men de förenades alla av önskan att skapa inte bara värdefulla smycken, utan verkligen konstnärliga saker, med användning av både ädelstenar och metaller, och material som inte anses vara värdefulla i smycken. De ursprungliga idéerna från dessa stora mästare förvandlade halvädelmetaller och stenar till verkliga konstverk, och de själva var för alltid inskrivna i världshistorien.
