Тоді як майстри історизму відтворювали і комбінували різні стилі минулого, довівши це до якогось автоматизму, модерн увірвався в мистецтво, як вихор, як свіжий морський вітер, що звільняє, очищає, надихає. Він відкрив світ нових форм, нових матеріалів, нових поєднань.
Модерн був короткостроковим, але неймовірно прекрасним і водночас дуже складним художнім явищем, яке охопило абсолютно всі види мистецтва, у тому числі й ювелірну справу. Епоха модерну подарувала світу цілу плеяду великих майстрів, які, своєю чергою, вдихнули в ювелірне мистецтво нове життя і вивели його в авангард «останнього великого стилю». У цій статті ми ознайомимося з деякими головними героями епохи – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever та Lucien Gaillard.
Ювелірний геній René Jules Lalique
Безперечним генієм та лідером серед ювелірів свого часу був видатний майстер René Lalique, у чиїй творчості втілилася сама суть французького модерну. Використання ним недорогоцінних і часто тендітних матеріалів, особливо формованого скла, було революційним для свого часу.
René Lalique народився 1860 року в невеликому містечку Аї, за 28 кілометрів на південь від Реймса. В 1876 він почав навчатися у провідного паризького ювеліра Луї Окок, а в 1878 відправився в Лондон, де протягом наступних двох років навчався виключно дизайну. Саме така всебічна освіта дозволила йому в майбутньому самостійно виготовляти всі свої ювелірні вироби – від створення ескізів до фінальних штрихів у готових творах. У перші роки роботи Lalique робив ескізи таких відомих майстрів, як Cartier, Boucheron, Vever.
Останній, у свою чергу, відіграв важливу роль у становленні свого стилю Lalique. 1886 року Жуль Дестап передав йому свою ювелірну майстерню «на знак визнання його унікального таланту». Тепер René Lalique, маючи все необхідне для роботи, звернувся до пошуків натхнення, яке знайшов в ідеях руху «Мистецтв і ремесел», що закликав до відродження декоративно-ужиткового мистецтва і пропагував рослинні та анімалістичні мотиви. Сприйнявши ці ідеї, Lalique розвивався синхронно з ними і став першим, хто привніс стиль модерну до ювелірного мистецтва.
Свої перші прикраси у стилі модерн Lalique представив на Всесвітній виставці у Брюсселі 1897 року. Але головною подією його творчої біографії стала Всесвітня виставка у Парижі 1900 року. За свою ювелірну експозицію Lalique отримав Гран-прі, а уряд нагородив його орденом Почесного легіону. То справді був тріумф.
Французький критик Леонс Бенедіт писав про нього як про «справжньому новаторі. Він (Lalique) був тим, хто зірвав старі бар'єри, перекинув міцні традиції та створив нову мову».
Дослідники називають René Lalique майстром трьох "F" - "femme", "flore", "faune". Саме жінки, флора та фауна посіли центральне місце у творчості майстра, і жінки неспроста названі першими. Прекрасні довговолосі маскарони і оголені фігури стають мотивом прикрас Lalique, що часто повторюється. І хоча модерн в цілому вважався жіночим стилем, оскільки більшість художників зверталися до жіночих образів, потрібно було мати сміливість, щоб використовувати витончене оголене жіноче тіло в ювелірних прикрасах.
Одним із найвідоміших виробів René Lalique, в якому він звертається до жіночого образу, є корсажна прикраса «Жінка-бабка», виготовлена ним у 1897-1898 роках. Сьогодні воно знаходиться в колекції Музею Gulbenkian у Лісабоні, заснованого фінансистом та нафтовим магнатом Calouste Gulbenkian, який зібрав унікальну колекцію творів Lalique.
У цій прикрасі René Lalique створює дуже незвичайний образ, що представляє поєднання жінки, бабки та химери. Буквально на наших очах відбувається фантастичне перетворення – з пащі химери з великими кіптистими лапами з'являється прекрасна жінка із крильми бабки замість рук.
Відомо, що ця корсажна прикраса була частиною вбрання Сари Бернар, в якому вона сяяла на театральній сцені. А в 1900 році «Жінка-бабка», а також ще ряд творів Lalique, що знаходяться сьогодні в колекції Музею Gulbenkian (гребінь-тіара «Півник», кольє-чокер «Лісовий пейзаж», корсажна прикраса «Змії») були показані на Всесвітній виставці у Парижі і викликали здивування та захоплення, як у відвідувачів, так і у критиків.
Кольє-чокер «Лісовий пейзаж» не менш видатний витвір Lalique. Воно складається з трьох частин, на яких представлена єдина складна та багатопланова композиція. На передньому плані Lalique зобразив золоті стовбури дерев, крізь них на середньому плані бачимо озеро з опалів, переливи яких створюють ілюзію руху води. На дальньому плані – берег озера, створений із діамантів, що імітують пісок. Ця прикраса вражає не лише своєю незвичністю, а й тим, наскільки реалістичним вийшов зображений краєвид.
Прекрасні асиметричні підвіски Lalique, на яких ювелір зображує фрагменти лісових пейзажів – зимових чи осінніх. Серед них виділяється підвіска "Зимовий пейзаж", створена у 1900-1901 роках. У складну форму Lalique поміщає багатошарове скло сіро-блакитного кольору зі стовбурами дерев, які постають немов у серпанку зимових сутінків. Використання скла стало однією з особливостей творчості Lalique, інші відомі ювеліри не застосовували скло через складний технологічний процес його створення. Поверх скляного фону праворуч ювелір розташував засніжену ялинку, виготовлену в техніці емалі. Облямовують композицію золоті ялинові гілки з аквамариновими вставками та підвіскою-перлиною.
Різноманітність сюжетів у творах Lalique була величезною – пейзажі (лісові, зимові, весняні), осіннє листя, літні квіти та ягоди, тварини та птиці, рептилії та комахи. Але всіх їх поєднує складність та унікальність композицій, безліч досконально опрацьованих деталей та нестандартні матеріали та техніки, з якими ювелір постійно експериментує. Як він сам писав:
«...я повинен був дійти до крайнощів, щоб відмовитися від усього, чого досягнув раніше. Я працював неухильно: малюнок, моделювання, виконання технічного дослідження та експериментів усіх видів завжди вирішував добиватися результату і створювати щось зовсім нове».
Після 1910 року René Lalique зосередився на роботі зі склом і досяг у цьому небувалих висот. У наступні десятиліття з'являються його фантастичні вази, лампи, флакони для парфумів і навіть автомобільні маскоти та архітектурні прикраси, завдяки яким його слава не згасала аж до смерті майстра 1 травня 1945 року. А його компанія пережила війну і успішно існує у наші дні.
Ювелір Georges Fouquet
Іншим знаковим ювеліром епохи модерну був Georges Fouquet. Він народився в 1862 році в сім'ї відомого ювеліра Alfons Fouquet, який у 1870-х роках прославився своїми прикрасами в стилі неоренесансу. Ювелірній справі Georges навчався у батька і в 1880 почав працювати в його ювелірній фірмі. У 1895 році Alfons Fouquet передав управління бізнесом синові, і він із жаром взявся за роботу, бажаючи вдихнути нове життя в батьківську фірму.
Ювелір Henri Vever писав про нього: "Невтомний трудівник, він був зачарований усім новим, і його пошуки натхнення були невтомні".
У 1898 році Fouquet представив свої перші прикраси у стилі модерну. Чуттєві вигнуті лінії, емалі приглушених відтінків і тонкі текстури були дуже ефектними і практично не поступалися ювелірним виробам René Lalique. Але сам Fouquet, на відміну від Lalique, не був дизайнером і залучав до роботи багатьох відомих художників свого часу. В історію увійшла його співпраця з Alfons Maria Mucha – художником, чиї роботи також стали яскравим символом епохи модерну.
Їхнє знайомство відбулося завдяки Сарі Бернар, яка у 1898 році прийшла до ювелірної крамниці Georges Fouquet з ескізом браслета у вигляді змії, створеного Alfons Mucha. Цей браслет був частиною костюма Медеї з однойменної вистави за п'єсою Катюля Мендеса, прем'єра якого пройшла того ж таки 1898 року.
На афіші Alfons Mucha на руці Сари-Медеї можна побачити подібний браслет. Ймовірно, актриса побажала мати таку і в житті, і замовила Alfons Mucha його дизайн, а виконавцем обрала Fouquet. Ювелір настільки зачарований ескізом браслета, що запропонував Alfons Mucha створити колекцію прикрас для Всесвітньої виставки в Парижі 1900 року. Так виникла серія химерних кольє, хитромудрих корсажних брошів та браслетів, які хоч і були незручними та досить важкими, але втілили унікальний стиль Alfons Mucha та продемонстрували майстерність Georges Fouquet.
Відвідувачі виставки побачили втілені коштовності із плакатів Mucha. Вони справляли сильне враження, але критики були суворими у своїх оцінках, називаючи їх «дивними прикрасами з дивним декором». Співпраця Fouquet та Mucha тривала лише кілька років, але саме вона допомогла змінити стиль ювелірних виробів Georges Fouquet і принесла його компанії славу.
Крім створення ювелірних прикрас, Fouquet писав статті та книги, в одній з яких він проголосив:
«Виживуть не розкішні ювелірні прикраси, а ті в яких ціна матеріалів менша, ніж їхня краса – аквамарин, аметист, топаз, турмалін. Мистецтво, яке ніколи не старіє, продовжить життя цих коштовностей. Їх ніколи не розберуть, щоб повторно використати каміння. Ці речі – насамперед витвори мистецтва, а не спосіб вкласти гроші».
Ювелір Henri Vever
Henri Vever – третій герой цієї розповіді та ще один видатний майстер епохи модерну. Як і Fouquet, Vever на початку XX століття був керівником сімейної ювелірної компанії Maison Vever, заснованої його дідом у 1821 році. Henri Vever народився в 1854 році і з юності разом з братом Полем навчався управлінню сімейною справою, а також вивчав малюнок, ліплення та орнаментальний дизайн у Школі витончених мистецтв у Парижі. Таким чином, до моменту, коли в 1881 батько Henri і Поля вийшов у відставку, у нього були гідні наступники. Поль зайнявся у фірмі комерційним розвитком, а Henri відповідав за дизайн та виробництво прикрас. Завдяки Henri Vever стиль ювелірної компанії поступово трансформувався від історизму до модерну.
На Всесвітній виставці в Парижі в 1900 році "Maison Vever" отримала другий Гран-Прі за свої вишукані прикраси в стилі модерн, які вважаються найкращими досягненнями фірми. Однак хоча вони й мали всі характерні риси стилю (вишукані жіночі образи, флора і фауна), прикраси Henri Vever були більш консервативними в порівнянні з екстравагантними виробами René Lalique.
Іншою відмінністю «Maison Vever» було те, що фірма працювала в основному з дорогоцінними металами та дорогоцінним камінням. Henri не володів такою сміливістю та інтересом до експериментів, як його колеги по цеху, і набагато рідше вдавався до недорогих матеріалів.
Крім ювелірної справи, Henri Vever прославився як колекціонер японської гравюри, а також автор однієї з найважливіших наукових праць, присвячених ювелірній справі – «Французьке ювелірне мистецтво XIX століття». У цій книзі він докладно описує розвиток ювелірної справи, починаючи з епохи Консульства і до епохи модерну.
Маестро Lucien Gaillard
І останнім героєм цієї статті буде Lucien Gaillard. Він відомий сьогодні набагато менше, ніж Lalique, Fouquet та навіть Vever, але є не менш важливою фігурою в ювелірному мистецтві епохи модерну. Головною відмінністю його прикрас стало звернення до японського мистецтва.
Японське мистецтво було одним із головних джерел стилю модерн, воно надихало європейських майстрів динамічним ритмом та гнучкістю ліній рослинного декору, незакінченістю руху, легкістю та особливою стилізацією, яка перетворювала природні мотиви на декоративні візерунки.
Lucien Gaillard народився в 1861 році і творчий шлях почав, як і два попередні майстри, навчаючись у свого батька - срібних справ майстра Ernest Gaillard. За час свого становлення він досконало опанував техніки карбування та гравіювання по золоту та сріблу, відвідав безліч різних ювелірних курсів майстрів Дюжардена та Сальмона і в результаті перевершив батька. У 1892 році Ernest Gaillard передав свою майстерню синові.
Вже на початку кар'єри Lucien Gaillard захопився японськими сплавами та лаками, які не застосовувалися у Франції, але були такі чудові, що вражали і його сучасників, і майбутні покоління дослідників його творчості.
Ювелір Henri Vever так говорив про нього: «Пристрасно закоханий у свою професію, невтомний дослідник, який зачаровував своїми роботами, Gaillard, захоплено осягав усі складні технологічні аспекти ювелірної справи, такі як ювелірні сплави, золочення, патинування, отримуючи чудові результати».
Як і для інших ювелірів, про які йшлося вище, велике значення для Lucien Gaillard мав 1900 рік. У той рік у його житті відбулося одразу кілька подій – він придбав нову будівлю, запросив на роботу японських майстрів, які допомагали йому розібратися у тонкощах національного мистецтва і, звичайно ж, взяв участь у Всесвітній виставці в Парижі, де отримав Гран-прі, а крім того того познайомився з останніми роботами René Lalique, якого він називав своїм натхненником.
У двох майстрів була спільна риса – вони обидва винаходили нові техніки, намагаючись надати особливого характеру своїм творам. А ось відрізняло Gaillard від Lalique його звернення до японського мистецтва та японських технік, завдяки яким твори Gaillard були більш стриманими за колоритом та композицією.
Однією з найкращих робіт Gaillard став браслет «Гілка яблуні». Ювеліру вдалося створити дуже цікавий, навіть унікальний твір. У кожному елементі браслета ми бачимо самостійне і гармонійно побудоване камерне зображення квітів на гілочках, при цьому всі елементи об'єднуються в єдину, цілісну композицію. У цьому полягає основний принцип японських мотивів, яким слідує Gaillard – гармонізована ритмічна структура всіх композиційних елементів.
Гребінь "Хризантеми" - ще одне звернення Gaillard до японських мотивів. Майстер вільно має дві квітки, дотримуючись принципів зображення хризантем у японських гравюрах. Gaillard використовував у цій роботі ріг, з якого поступово знімав шари. Цим він домагався напівпрозорості, на тлі якої витончені пелюстки квітів почали здаватися об'ємними. Підкреслюють об'ємність та інкрустовані в серцевини хризантем молочно-блакитні опали.
Не менш цікава велика шпилька з амстердамського Rijksmuseum, на якій Gaillard зобразив двох бабок, що борються за великий цитрин. Природний мотив дуже натуралістичний, динамічний і експресивний. Ювелір виконав прикрасу з великою реалістичною достовірністю, передавши миттєвість швидкого руху комах.
Також у цій прикрасі Gaillard сміливо комбінує дорогоцінні та напівдорогоцінні матеріали: крила комах створені з прозорого рогу та прикрашені смарагдами. Кінчики крил покриває емаль, обрамлена розсипом дрібних діамантів. Тельця бабок виконані із золота та декоровані смужками темно-зеленої та блакитної виїмчастої емалі.
У 1902 році кілька творів Lucien Gaillard були представлені на виставці в Глазго і мали такий успіх, що після неї французький уряд нагородив його орденом Почесного легіону. З цього моменту Gaillard стає одним із найвідоміших французьких ювелірів епохи модерну, проте вже після 1910 року його творча діяльність почала поступово згасати, доки остаточно не завершилася у 1925 році.
Кожен з героїв цієї статті мав свій унікальний стиль і свій підхід до створення ювелірних виробів, але всіх їх поєднувало бажання створювати не просто дорогоцінні прикраси, а речі по-справжньому художні, використовуючи для них як дорогоцінне каміння і метали, так і матеріали. які не вважалися цінними в ювелірній справі. Оригінальні ідеї цих великих майстрів перетворили напівдорогоцінні метали та каміння на справжні твори мистецтва, а їх самих назавжди вписали у світову історію.
