Während die Meister des Historismus die unterschiedlichsten Stile der Vergangenheit reproduzierten, kombinierten und sie zu einem gewissen Automatismus führten, brach der Jugendstil wie ein Wirbelwind, wie ein frischer Meereswind, befreiend, reinigend, inspirierend in die Kunst ein. Er eröffnete eine Welt neuer Formen, neuer Materialien, neuer Kombinationen.
Der Jugendstil war ein kurzfristiges, aber unglaublich schönes und zugleich sehr komplexes künstlerisches Phänomen, das absolut alle Arten von Kunst, einschließlich Schmuck, umfasste. Die Ära des Jugendstils bescherte der Welt eine ganze Galaxie großer Meister, die wiederum der Schmuckkunst neues Leben einhauchten und sie an die Spitze des „letzten großen Stils“ brachten. In diesem Artikel lernen wir einige der Hauptfiguren dieser Zeit kennen – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever und Lucien Gaillard.
Schmuckgenie René Jules Lalique
Das unbestrittene Genie und der Anführer unter den Juwelieren seiner Zeit war herausragender Meister René Laliquein dessen Werk die Essenz des französischen Jugendstils verkörpert wurde. Seine Verwendung von unedlen und oft spröden Materialien, insbesondere geformtem Glas, war für seine Zeit revolutionär.
René Lalique wurde 1860 in der Kleinstadt Ay, 28 Kilometer südlich von Reims, geboren. 1876 begann er ein Studium beim führenden Pariser Juwelier Louis Ocock und ging 1878 nach London, wo er die nächsten zwei Jahre ausschließlich Design studierte. Es war diese umfassende Ausbildung, die es ihm ermöglichte, künftig alle seine Schmuckstücke selbstständig herzustellen – von der Erstellung von Skizzen bis zum letzten Schliff in fertigen Werken. In den ersten Jahren seiner Arbeit fertigte Lalique Skizzen für so berühmte Meister wie Cartier, Boucheron und Vever an.
Letzteres wiederum spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung von Laliques eigenem Stil. Im Jahr 1886 schenkte ihm Jules Destape seine Schmuckwerkstatt „in Anerkennung seines einzigartigen Talents“. Nun wandte sich René Lalique, der über alles Notwendige für die Arbeit verfügte, der Suche nach Inspiration zu, die er in den Ideen der Arts and Crafts-Bewegung fand, die eine Wiederbelebung des Kunsthandwerks forderte und Pflanzen- und Tiermotive förderte. Lalique nahm diese Ideen auf, entwickelte sich im Einklang mit ihnen weiter und brachte als erster den Jugendstil in die Schmuckkunst ein.
Auf der Weltausstellung 1897 in Brüssel präsentierte Lalique seinen ersten Jugendstilschmuck. Das wichtigste Ereignis seiner kreativen Biografie war jedoch die Weltausstellung in Paris im Jahr 1900. Für seine Schmuckausstellung erhielt Lalique den Grand Prix und die Regierung verlieh ihm den Orden der Ehrenlegion. Es war ein wahrer Triumph.
Der französische Kritiker Léonce Benedite schrieb über ihn: „Ein wahrer Innovator. Er (Lalique) war derjenige, der alte Barrieren niederriss, starke Traditionen umwarf und eine neue Sprache schuf.“.
Forscher nennen René Lalique den Meister der drei „F“ – „femme“, „flore“, „faune“. Es waren Frauen, Flora und Fauna, die im Werk des Meisters einen zentralen Platz einnahmen, und Frauen wurden nicht ohne Grund an erster Stelle genannt. Wunderschöne langhaarige Maskarons und Akte werden zu einem wiederkehrenden Motiv im Lalique-Schmuck. Und obwohl der Jugendstil im Allgemeinen als weiblicher Stil galt, musste man den Mut haben, den anmutigen nackten weiblichen Körper in Schmuckstücken zu verwenden, da sich die meisten Künstler weiblichen Bildern zuwandten.
Eines der berühmtesten Produkte von René Lalique, in dem er sich auf das weibliche Bild bezieht, ist die von ihm in den Jahren 1897–1898 hergestellte Corsagendekoration „Libellenfrau“. Heute befindet es sich in der Sammlung des Gulbenkian-Museums in Lissabon, das vom Finanzier und Ölmagnaten Calouste Gulbenkian gegründet wurde, der eine einzigartige Sammlung von Lalique-Werken zusammengetragen hat.
In diesem Schmuckstück kreiert René Lalique einen sehr ungewöhnlichen Look, der eine Frau, eine Libelle und eine Chimäre vereint. Buchstäblich vor unseren Augen findet eine fantastische Verwandlung statt – eine schöne Frau mit Libellenflügeln statt Händen erscheint aus dem Maul einer Chimäre mit großen Krallenpfoten.
Es ist bekannt, dass dieser Korsagenschmuck Teil des Outfits von Sarah Bernhardt war, in dem sie auf der Theaterbühne glänzte. Und im Jahr 1900 die „Libellenfrau“ sowie eine Reihe von Werken von Lalique, die sich heute in der Sammlung des Gulbenkian-Museums befinden (Kamm-Tiara „Hahn“, Halsband „Waldlandschaft“, Corsagenschmuck „Schlangen“. “) wurden auf der Weltausstellung in Paris gezeigt und sorgten sowohl bei Besuchern als auch bei Kritikern für Überraschung und Bewunderung.
Die Halskette „Forest Landscape“ ist eine ebenso herausragende Kreation von Lalique. Es besteht aus drei Teilen, die eine einzige komplexe und vielschichtige Komposition darstellen. Im Vordergrund stellte Lalique goldene Baumstämme dar, durch die wir im Mittelgrund einen See aus Opalen sehen, dessen Überläufe die Illusion einer Wasserbewegung erzeugen. Im Hintergrund ist das Ufer des Sees zu sehen, das aus Sand imitierenden Diamanten besteht. Diese Dekoration besticht nicht nur durch ihre Einzigartigkeit, sondern auch dadurch, wie realistisch die dargestellte Landschaft ausgefallen ist.
Bezaubernd sind asymmetrische Lalique-Anhänger, auf denen der Juwelier Fragmente von Waldlandschaften darstellt – Winter oder Herbst. Unter ihnen sticht der Anhänger „Winterlandschaft“ hervor, der zwischen 1900 und 1901 geschaffen wurde. In einer komplexen Form platziert Lalique blaugraues Verbundglas mit Baumstämmen, die wie in einem Dunst der Winterdämmerung erscheinen. Die Verwendung von Glas ist zu einem Merkmal von Laliques Kreativität geworden, andere namhafte Juweliere verzichteten aufgrund des komplexen technologischen Herstellungsprozesses auf Glas. Auf dem Glashintergrund rechts hat der Juwelier einen schneebedeckten Tannenbaum platziert, der in Emaille-Technik gefertigt wurde. Umrahmt wird die Komposition von goldenen Fichtenzweigen mit Aquamarin-Einsätzen und einem Perlenanhänger.
Die Themenvielfalt in Laliques Werken war enorm – Landschaften (Wald, Winter, Frühling), Herbstblätter, Sommerblumen und Beeren, Tiere und Vögel, Reptilien und Insekten. Aber alle eint die Komplexität und Einzigartigkeit der Kompositionen, viele sorgfältig ausgearbeitete Details und ungewöhnliche Materialien und Techniken, mit denen der Juwelier ständig experimentiert. Wie er selbst schrieb:
„... ich musste bis zum Äußersten gehen und alles aufgeben, was ich zuvor erreicht hatte. Ich habe unermüdlich gearbeitet: Zeichnen, Modellieren, technische Forschung und Experimente aller Art, immer entschlossen, Dinge zu erledigen und etwas völlig Neues zu schaffen.
Nach 1910 konzentrierte sich René Lalique auf die Arbeit mit Glas und erreichte dabei beispiellose Höhen. In den folgenden Jahrzehnten entstanden seine fantastischen Vasen, Lampen, Parfümflakons und sogar Automaskottchen und Architekturdekorationen, dank derer sein Ruhm bis zum Tod des Meisters am 1. Mai 1945 nicht verblasste. Und sein Unternehmen hat den Krieg überstanden und existiert heute erfolgreich.
Juwelier Georges Fouquet
Ein weiterer ikonischer Juwelier der Jugendstil-Ära war Georges Fouquet. Er wurde 1862 als Sohn des berühmten Juweliers Alfons Fouquet geboren, der in den 1870er Jahren für seinen Neorenaissance-Schmuck berühmt wurde. Georges studierte Schmuck bei seinem Vater und begann 1880 in dessen Schmuckfirma zu arbeiten. Im Jahr 1895 übergab Alfons Fouquet die Leitung des Unternehmens an seinen Sohn, der sich mit Begeisterung an die Arbeit machte und dem Unternehmen seines Vaters neues Leben einhauchen wollte.
Der Juwelier Henri Vever schrieb über ihn: „Als unermüdlicher Arbeiter war er von allem Neuen fasziniert und seine Suche nach Inspiration war unermüdlich.“.
Im Jahr 1898 stellte Fouquet seinen ersten Jugendstilschmuck vor. Sinnlich geschwungene Linien, gedämpfte Emaille und subtile Texturen waren sehr wirkungsvoll und dem Schmuck von René Lalique nahezu ebenbürtig. Aber Fouquet selbst war im Gegensatz zu Lalique kein Designer und zog viele berühmte Künstler seiner Zeit zur Arbeit an. In die Geschichte eingegangen ist seine Zusammenarbeit mit Alfons Maria Mucha, einem Künstler, dessen Werk ebenfalls zu einem lebendigen Symbol der Jugendstil-Ära geworden ist.
Ihre Bekanntschaft erfolgte dank Sarah Bernhardt, die 1898 mit einer Skizze eines von Alfons Mucha geschaffenen Schlangenarmbandes zum Juweliergeschäft Georges Fouquet kam. Dieses Armband war Teil des Kostüms von Medea aus der gleichnamigen Aufführung nach dem Theaterstück von Katul Mendez, das im selben Jahr 1898 uraufgeführt wurde.
Auf dem Alfons Mucha-Plakat ist ein ähnliches Armband an der Hand von Sary Medea zu sehen. Wahrscheinlich wollte die Schauspielerin eines in ihrem Leben haben und beauftragte Alfons Mucha, es zu entwerfen, und wählte Fouquet als Darsteller. Der Juwelier war vom Design des Armbands so fasziniert, dass er Alfons Mucha vorschlug, eine Schmuckkollektion für die Weltausstellung 1900 in Paris zu entwerfen. So entstand eine Reihe skurriler Halsketten, komplizierter Ansteckbroschen und Armbänder, die zwar unbequem und ziemlich schwer waren, aber den einzigartigen Stil von Alfons Mucha verkörperten und das Können von Georges Fouquet demonstrierten.
Besucher der Ausstellung sahen die verkörperten Juwelen aus Muchas Plakaten. Sie machten einen starken Eindruck, doch die Kritiker waren in ihrer Einschätzung harsch und nannten sie „seltsame Dekorationen mit seltsamen Dekorationen“. Die Zusammenarbeit zwischen Fouquet und Mucha dauerte nur wenige Jahre, aber sie trug dazu bei, den Stil des Schmucks von Georges Fouquet zu verändern und seinem Unternehmen Ruhm zu verschaffen.
Neben der Herstellung von Schmuck schrieb Fouquet Artikel und Bücher, in denen er verkündete:
„Es werden nicht luxuriöse Schmuckstücke überleben, sondern solche, bei denen der Materialpreis geringer ist als ihre Schönheit – Aquamarin, Amethyst, Topas, Turmalin. Kunst, die niemals alt wird, wird die Lebensdauer dieser Juwelen verlängern. Sie werden niemals auseinandergenommen, um die Steine wiederzuverwenden. Bei diesen Dingen handelt es sich in erster Linie um Kunstwerke und nicht um eine Möglichkeit, Geld zu investieren.
Juwelier Henri Vever
Henri Vever ist der dritte Held dieser Geschichte und ein weiterer herausragender Meister der Jugendstil-Ära. Wie Fouquet war Vever zu Beginn des 1821. Jahrhunderts der Leiter des Familienschmuckunternehmens Maison Vever, das 1854 von seinem Großvater gegründet wurde. Henri Vever wurde 1881 geboren und studierte von Jugend an zusammen mit seinem Bruder Paul die Leitung des Familienunternehmens sowie Zeichnen, Modellieren und Ornamentdesign an der Ecole des Beaux-Arts in Paris. Als der Vater von Henri und Paul XNUMX in den Ruhestand ging, hatte er somit würdige Nachfolger. Paul war für die kommerzielle Entwicklung des Unternehmens verantwortlich, während Henri für das Design und die Produktion von Schmuck zuständig war. Dank Henri Vever wandelte sich der Stil des Schmuckunternehmens allmählich vom Historismus zur Moderne.
Auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 erhielt Maison Vever einen zweiten Grand Prix für seinen exquisiten Jugendstilschmuck, der als die beste Errungenschaft des Unternehmens gilt. Obwohl sie alle charakteristischen Merkmale des Stils aufwiesen (raffinierte Frauenbilder, Flora und Fauna), war der Schmuck von Henri Vever im Vergleich zu den extravaganten Produkten von René Lalique konservativer.
Ein weiterer Unterschied von „Maison Vever“ bestand darin, dass die Firma hauptsächlich mit Edelmetallen und Edelsteinen arbeitete. Henri hatte nicht den gleichen Mut und das gleiche Interesse an Experimenten wie seine Kollegen und griff viel seltener auf kostengünstige Materialien zurück.
Neben Schmuck wurde Henri Vever als Sammler japanischer Gravuren sowie als Autor eines der wichtigsten wissenschaftlichen Werke zum Thema Schmuck berühmt – „Französischer Schmuck des XNUMX. Jahrhunderts“. In diesem Buch beschreibt er ausführlich die Entwicklung des Schmucks von der Ära des Konsulats bis zur Ära des Jugendstils.
Maestro Lucien Gaillard
Und der letzte Held dieses Artikels wird Lucien Gaillard sein. Er ist heute viel weniger bekannt als Lalique, Fouquet und sogar Vever, aber er ist eine nicht weniger wichtige Figur in der Jugendstil-Schmuckkunst. Der Hauptunterschied zwischen seinen Schmuckstücken war die Anziehungskraft auf die japanische Kunst.
Die japanische Kunst war eine der Hauptquellen des Jugendstils. Sie inspirierte europäische Meister mit dynamischem Rhythmus und Flexibilität der Pflanzendekorationslinien, Unvollständigkeit der Bewegung, Leichtigkeit und besonderer Stilisierung, die natürliche Motive in dekorative Muster verwandelte.
Lucien Gaillard wurde 1861 geboren und begann seine Karriere wie die beiden vorherigen Handwerker als Schüler seines Vaters, des Silberschmieds Ernest Gaillard. Während seiner Ausbildung beherrschte er die Techniken des Ziselierens und Gravierens auf Gold und Silber perfekt, besuchte viele verschiedene Schmuckkurse bei den Meistern Dujardin und Salmon und übertraf schließlich seinen Vater. 1892 übergab Ernest Gaillard seine Werkstatt an seinen Sohn.
Bereits zu Beginn seiner Karriere interessierte sich Lucien Gaillard für japanische Legierungen und Lacke, die in Frankreich nicht verwendet wurden, aber so entzückend waren, dass sie sowohl seine Zeitgenossen als auch zukünftige Generationen von Forschern seiner Arbeit in Erstaunen versetzten.
Der Juwelier Henri Vever sprach so über ihn: „Gaillard war leidenschaftlich in seinen Beruf verliebt, ein unermüdlicher Forscher, der mit seiner Arbeit verzauberte. Mit Begeisterung und Begeisterung verstand er alle komplexen technologischen Aspekte von Schmuck, wie Schmucklegierungen, Vergoldung, Patinierung, und erzielte hervorragende Ergebnisse.“
Wie für die anderen oben genannten Juweliere war das Jahr 1900 für Lucien Gaillard von großer Bedeutung. In diesem Jahr ereigneten sich mehrere Ereignisse in seinem Leben gleichzeitig – er erwarb ein neues Gebäude, lud japanische Meister zur Arbeit ein, was ihm half, die Feinheiten der nationalen Kunst zu verstehen, und natürlich nahm er an der Weltausstellung in Paris teil, wo er das erhielt Grand Prix, und außerdem lernte er die neuesten Werke von René Lalique kennen, den er als seine Inspiration bezeichnete.
Die beiden Meister hatten eines gemeinsam: Sie erfanden beide neue Techniken und versuchten, ihren Werken einen besonderen Charakter zu verleihen. Aber was Gaillard von Lalique unterschied, war seine Anziehungskraft auf japanische Kunst und japanische Techniken, wodurch Gaillards Werke in Farbe und Komposition zurückhaltender waren.
Eines der besten Werke von Gaillard ist das Apple Branch-Armband. Dem Juwelier ist es gelungen, ein sehr interessantes, sogar einzigartiges Werk zu schaffen. In jedem Element des Armbandes sehen wir ein eigenständiges und harmonisch aufgebautes Kammerbild von Blumen auf Zweigen, während alle Elemente zu einer einzigen, gleichermaßen ganzheitlichen Komposition zusammengefasst sind. Dies ist das Hauptprinzip japanischer Motive, dem Gaillard folgt – eine harmonisierte rhythmische Struktur aller kompositorischen Elemente.
Das Wappen der Chrysantheme ist ein weiterer Hinweis auf japanische Motive von Gaillard. Der Meister arrangiert zwei Blumen frei und folgt dabei den Prinzipien der Chrysanthemendarstellung in japanischen Stichen. Gaillard verwendete in diesem Werk ein Horn, von dem er nach und nach die Schichten entfernte. Dadurch erreichte er eine Transluzenz, wodurch die anmutigen Blütenblätter voluminös wirkten. Betonen Sie das Volumen und die milchig blauen Opale, die in den Kern der Chrysanthemen eingelegt sind.
Nicht weniger interessant ist eine große Haarnadel aus dem Amsterdamer Rijksmuseum, auf der Gaillard zwei Libellen darstellt, die um einen großen Citrin kämpfen. Das Naturmotiv ist sehr naturalistisch, dynamisch und ausdrucksstark. Der Juwelier hat die Dekoration mit großer realistischer Authentizität ausgeführt und die Unmittelbarkeit der schnellen Bewegung von Insekten vermittelt.
Auch in diesem Schmuckstück kombiniert Gaillard mutig Edel- und Halbedelmaterialien: Insektenflügel sind aus transparentem Horn gefertigt und mit Smaragden verziert. Die Flügelspitzen sind mit Emaille bedeckt und mit kleinen Diamanten umrahmt. Die Körper der Libellen bestehen aus Gold und sind mit Streifen aus dunkelgrüner und blauer Champlevé-Emaille verziert.
Im Jahr 1902 wurden mehrere Werke von Lucien Gaillard auf einer Ausstellung in Glasgow präsentiert und waren so erfolgreich, dass ihm die französische Regierung daraufhin die Ehrenlegion verlieh. Von diesem Moment an entwickelte sich Gaillard zu einem der berühmtesten französischen Juweliere der Jugendstil-Ära, doch nach 1910 begann seine kreative Tätigkeit zu schwinden, bis sie 1925 endgültig endete.
Jeder der Helden dieses Artikels hatte seinen eigenen einzigartigen Stil und seine eigene Herangehensweise an die Herstellung von Schmuck, aber sie alle waren sich einig durch den Wunsch, nicht nur kostbaren Schmuck, sondern wirklich künstlerische Dinge zu schaffen, wobei für sie sowohl Edelsteine als auch Metalle verwendet wurden Materialien, die für Schmuck nicht als wertvoll gelten. Die ursprünglichen Ideen dieser großen Meister verwandelten Halbedelmetalle und Steine in echte Kunstwerke und sie selbst gingen für immer in die Weltgeschichte ein.
