Kun historismin mestarit toistivat ja yhdistivät menneisyyden monimuotoisimpia tyylejä tuoden sen tiettyyn automatismiin, art nouveau purskahti taiteeseen kuin pyörretuuli, kuin raikas merituuli vapauttaen, puhdistaen, inspiroimalla. Hän avasi uusien muotojen, uusien materiaalien, uusien yhdistelmien maailman.
Art Nouveau oli lyhytaikainen, mutta uskomattoman kaunis ja samalla hyvin monimutkainen taiteellinen ilmiö, joka sisälsi ehdottomasti kaikenlaista taidetta, mukaan lukien korut. Art nouveaun aikakausi antoi maailmalle kokonaisen galaksin suuria mestareita, jotka vuorostaan puhalsivat uutta elämää korutaiteeseen ja toivat sen "viimeisen suuren tyylin" eturintamaan. Tässä artikkelissa tutustumme joihinkin aikakauden päähenkilöihin - René Laliqueen, Georges Fouquetiin, Henri Veveriin ja Lucien Gaillardiin.
Korutero René Jules Lalique
Aikansa jalokivikauppiaiden kiistaton nero ja johtaja oli erinomainen mestari René Laliquejonka töissä ilmeni ranskalaisen jugendin ydin. Hänen käyttö ei-jalo- ja usein hauraita materiaaleja, erityisesti muovattua lasia, oli hänen aikaansa vallankumouksellinen.
René Lalique syntyi vuonna 1860 pienessä Ayn kaupungissa, 28 kilometriä Reimsistä etelään. Vuonna 1876 hän alkoi opiskella johtavan pariisilaisen jalokivikauppiaan Louis Ocockin johdolla, ja vuonna 1878 hän lähti Lontooseen, jossa hän opiskeli suunnittelua yksinomaan seuraavat kaksi vuotta. Juuri tämä kattava koulutus antoi hänelle mahdollisuuden valmistaa itsenäisesti kaikki korunsa tulevaisuudessa - luonnosten luomisesta valmiiden teosten viimeiseen silaukseen. Työn alkuvuosina Lalique teki luonnoksia sellaisille kuuluisille mestareille kuin Cartier, Boucheron, Vever.
Jälkimmäisellä puolestaan oli tärkeä rooli Laliquen oman tyylin kehittymisessä. Vuonna 1886 Jules Destape antoi hänelle korupajansa "tunnustuksena hänen ainutlaatuisesta lahjakkuudestaan". Nyt René Lalique, jolla oli kaikki työhön tarvittava, kääntyi inspiraation etsimiseen, jonka hän löysi taide- ja käsityöliikkeen ideoista, jotka vaativat taiteen ja käsityön elvyttämistä ja edistävät kasvi- ja eläinaiheisia aiheita. Omaksuessaan nämä ideat Lalique kehittyi synkronoituna niiden kanssa ja toi ensimmäisenä jugendtyylisen korutaiteeseen.
Lalique esitteli ensimmäiset jugendkorunsa vuoden 1897 maailmannäyttelyssä Brysselissä. Mutta hänen luovan elämäkerran päätapahtuma oli Pariisin maailmannäyttely vuonna 1900. Korunäyttelystään Lalique sai Grand Prix -palkinnon, ja hallitus myönsi hänelle Kunnialegioonan ritarikunnan. Se oli todellinen voitto.
Ranskalainen kriitikko Léonce Benedite kirjoitti hänestä nimellä "Todellinen uudistaja. Hän (Lalique) oli se, joka repi vanhat esteet, kumosi vahvat perinteet ja loi uuden kielen.".
Tutkijat kutsuvat René Laliquea kolmen "F":n mestariksi - "femme", "flore", "faune". Naiset, kasvisto ja eläimistö olivat keskeisellä sijalla mestarin työssä, ja naiset nimettiin ensimmäiseksi syystä. Kauniista pitkäkarvaisista maskaroneista ja nudestista tulee toistuva aihe Lalique-koruissa. Ja vaikka jugendia pidettiin yleisesti naisellisena tyylinä, koska useimmat taiteilijat kääntyivät naiskuvan puoleen, piti uskaltaa käyttää siroa alastomaa naisen vartaloa koruissa.
Yksi René Laliquen tunnetuimmista tuotteista, jossa hän viittaa naiskuvaan, on hänen vuosina 1897-1898 valmistama korsakoriste "Dragonfly Woman". Nykyään se on Lissabonin Gulbenkian-museon kokoelmassa, jonka perusti rahoittaja ja öljymagnaatti Calouste Gulbenkian, joka on kerännyt ainutlaatuisen kokoelman Lalique-teoksia.
Tässä jalokivissä René Lalique luo erittäin epätavallisen ilmeen, jossa yhdistyvät nainen, sudenkorento ja kimeera. Kirjaimellisesti silmiemme edessä tapahtuu fantastinen muodonmuutos - kaunis nainen, jolla on sudenkorennon siivet käsien sijaan, ilmestyy kimeerin suusta, jolla on suuret kynnet tassut.
Tiedetään, että tämä korsa-koriste kuului Sarah Bernhardtin asuun, jossa hän loisti teatterin lavalla. Ja vuonna 1900 "Dragonfly Woman" sekä joukko Laliquen teoksia, jotka ovat nykyään Gulbenkian-museon kokoelmassa (kampa-tiara "Cockerel", kaulakoru-choker "Metsämaisema", korsakorut "Käärmeet" ”) esiteltiin Pariisin maailmannäyttelyssä ja herättivät yllätystä ja ihailua sekä vierailijoissa että kriitikoissa.
Forest Landscape choker -kaulakoru on yhtä erinomainen Laliquen luomus. Se koostuu kolmesta osasta, jotka muodostavat yhden monimutkaisen ja monitahoisen koostumuksen. Etualalla Lalique kuvasi kultaisia puunrunkoja, joiden läpi keskellä näemme opaalijärven, jonka ylivuoto luo illuusion veden liikkeestä. Taustalla on hiekkaa jäljittelevistä timanteista luotu järven ranta. Tämä koristelu ei vaikuta pelkästään epätavallisuudellaan, vaan myös sillä, kuinka realistiseksi kuvattu maisema osoittautui.
Epäsymmetriset Lalique-riipukset ovat viehättäviä, joissa kultaseppä kuvaa paloja metsämaisemista - talvesta tai syksystä. Niistä erottuu 1900-1901 luotu Talvimaisema-riipus. Lalique laittaa monimutkaiseen muotoon siniharmaan laminoidun lasin, jonka puunrungot näyttävät ikään kuin talven hämärässä. Lasin käytöstä on tullut yksi Laliquen luovuuden piirteistä, muut tunnetut jalokivikauppiaat eivät käyttäneet lasia sen monimutkaisen luomisprosessin vuoksi. Oikean lasitaustan päälle kultaseppä on sijoittanut emalitekniikalla tehdyn lumisen kuusen. Kokoonpanoa kehystävät kultaiset kuusen oksat akvamariinilla ja helmiriipus.
Aihevalikoima Laliquen teoksissa oli valtava - maisemia (metsä, talvi, kevät), syksyn lehdet, kesäkukat ja marjat, eläimet ja linnut, matelijat ja hyönteiset. Mutta kaikkia niitä yhdistää sävellysten monimutkaisuus ja ainutlaatuisuus, paljon perusteellisesti työstettyjä yksityiskohtia ja epätyypillisiä materiaaleja ja tekniikoita, joita kultaseppä jatkuvasti kokeilee. Kuten hän itse kirjoitti:
”... Minun piti mennä äärimmäisyyksiin luopuakseni kaikesta, mitä olin saavuttanut aiemmin. Työskentelin säälimättömästi: piirsin, mallinsin, tein teknistä tutkimusta ja kaikenlaisia kokeita, olen aina päättänyt saada asiat valmiiksi ja luoda jotain täysin uutta."
Vuoden 1910 jälkeen René Lalique keskittyi lasin parissa työskentelemiseen ja saavutti siinä ennennäkemättömiä korkeuksia. Seuraavina vuosikymmeninä ilmestyivät hänen upeat maljakonsa, lamppunsa, hajuvesipullonsa ja jopa auton maskotit ja arkkitehtoniset koristeet, joiden ansiosta hänen maineensa ei haihtunut ennen mestarin kuolemaa 1. Ja hänen yrityksensä selviytyi sodasta ja on menestyksekkäästi olemassa tänään.
Jalokivikauppias Georges Fouquet
Toinen jugendajan ikoninen kultaseppä oli Georges Fouquet. Hän syntyi vuonna 1862 kuuluisalle jalokivikauppiaalle Alfons Fouquet'lle, joka tuli tunnetuksi 1870-luvulla uusrenessanssikoruistaan. Georges opiskeli koruja isänsä kanssa ja alkoi vuonna 1880 työskennellä koruyrityksessä. Vuonna 1895 Alfons Fouquet luovutti yrityksen johtamisen pojalleen, ja hän ryhtyi työhön innostuneesti haluten puhaltaa uutta elämää isänsä yritykseen.
Jalokivikauppias Henri Vever kirjoitti hänestä: "Väsymätön työntekijä, häntä kiehtoi kaikki uusi, ja hänen inspiraation etsintä oli väsymätöntä".
Vuonna 1898 Fouquet esitteli ensimmäiset jugendkorunsa. Sensuellit kaarevat linjat, vaimeat emalit ja hienovaraiset tekstuurit olivat erittäin tehokkaita ja melkein samanlaisia kuin René Lalique -korut. Mutta Fouquet itse, toisin kuin Lalique, ei ollut suunnittelija ja houkutteli monia aikansa kuuluisia taiteilijoita töihin. Hänen yhteistyönsä Alfons Maria Muchan kanssa, taiteilija, jonka työstä on tullut myös jugendajan elävä symboli, on jäänyt historiaan.
Heidän tutustumisensa tapahtui Sarah Bernhardtin ansiosta, joka vuonna 1898 tuli Georges Fouquet -koruliikkeeseen luonnoksen kanssa Alfons Muchan luomasta käärmerannekorusta. Tämä rannekoru oli osa Medean asua Katul Mendezin näytelmään perustuvasta samannimisestä esityksestä, joka sai ensi-iltansa samana vuonna 1898.
Alfons Mucha -julisteessa samanlainen rannerengas näkyy Sary Medean kädessä. Luultavasti näyttelijä halusi sellaisen elämäänsä ja tilasi Alfons Muchan suunnittelemaan sen ja valitsi Fouquetin esiintyjäksi. Jalokivikauppias kiehtoi rannekorun suunnittelua niin paljon, että hän ehdotti Alfons Muchaa luomaan korukokoelman vuoden 1900 Pariisin maailmannäyttelyä varten. Näin syntyi sarja hassuja kaulakoruja, monimutkaisia rintakoruja ja rannekoruja, jotka, vaikka olivatkin epämukavia ja melko painavia, ilmensivät Alfons Muchan ainutlaatuista tyyliä ja osoittivat Georges Fouquetin taitoa.
Näyttelyssä kävijät näkivät Muchan julisteiden ruumiillistuneita jalokiviä. He tekivät vahvan vaikutuksen, mutta kriitikot olivat ankaria arvioissaan ja kutsuivat niitä "outoiksi koristeiksi oudoilla koristeilla". Yhteistyö Fouquetin ja Muchan välillä kesti vain muutaman vuoden, mutta juuri se auttoi muuttamaan Georges Fouquet -korujen tyyliä ja toi mainetta hänen yritykselleen.
Korujen luomisen lisäksi Fouquet kirjoitti artikkeleita ja kirjoja, joista yhdessä hän julisti:
”Eivät säilyy ylelliset korut, vaan ne, joissa materiaalien hinta on pienempi kuin niiden kauneus - akvamariini, ametisti, topaasi, turmaliini. Taide, joka ei koskaan vanhene, pidentää näiden jalokivien ikää. Niitä ei koskaan pureta osiin kivien uudelleenkäyttöä varten. Nämä asiat ovat ensisijaisesti taideteoksia, eivätkä tapa sijoittaa rahaa.
Jalokivikauppias Henri Vever
Henri Vever on tämän tarinan kolmas sankari ja toinen jugendajan erinomainen mestari. Fouquetin tavoin Vever oli 1821-luvun alussa isoisänsä vuonna 1854 perustaman koruperheyrityksen Maison Veverin päällikkö. Henri Vever syntyi vuonna 1881 ja opiskeli nuoruudestaan lähtien yhdessä veljensä Paulin kanssa perheyrityksen johtamista sekä piirtämistä, mallintamista ja koristesuunnittelua Pariisin Ecole des Beaux-Artsissa. Siten Henrin ja Paulin isän jäädessä eläkkeelle vuonna XNUMX hänellä oli kelvollisia seuraajia. Paul vastasi yrityksen kaupallisesta kehityksestä, kun taas Henri vastasi korujen suunnittelusta ja tuotannosta. Henri Veverin ansiosta koruyhtiön tyyli muuttui vähitellen historismista moderniksi.
Pariisin maailmannäyttelyssä vuonna 1900 Maison Vever sai toisen Grand Prix -palkinnon hienoista jugendkoruistaan, joita pidettiin yrityksen parhaimpana saavutuksena. Vaikka Henri Vever -koruissa oli kaikki tyylille tyypilliset piirteet (hienotetut naiskuvat, kasvisto ja eläimistö), ne olivat kuitenkin konservatiivisempia René Laliquen ylellisiin tuotteisiin verrattuna.
Toinen ero "Maison Veverissä" oli, että yritys työskenteli pääasiassa jalometallien ja jalokivien kanssa. Henrillä ei ollut yhtä rohkeutta ja kiinnostusta kokeisiin kuin kollegoillaan, ja hän turvautui paljon harvemmin edullisiin materiaaleihin.
Korujen lisäksi Henri Vever tuli tunnetuksi japanilaisten kaiverrusten keräilijänä sekä yhden tärkeimmistä koruja käsittelevistä tieteellisistä teoksista - "XNUMX-luvun ranskalaiset korut". Tässä kirjassa hän kuvaa yksityiskohtaisesti korujen kehitystä konsulaatin aikakaudesta jugendaikakauteen.
Maestro Lucien Gaillard
Ja tämän artikkelin viimeinen sankari on Lucien Gaillard. Hänet tunnetaan nykyään paljon vähemmän kuin Lalique, Fouquet ja jopa Vever, mutta hän ei ole yhtä tärkeä hahmo jugendkorutaiteessa. Suurin ero hänen korunsa välillä oli vetovoima japanilaiseen taiteeseen.
Japanilainen taide oli yksi jugendin päälähteistä, se inspiroi eurooppalaisia mestareita kasvien koristelinjojen dynaamisella rytmillä ja joustavuudella, liikkeen epätäydellisyydellä, keveydellä ja erikoisella tyylillä, joka muutti luonnonaiheista koristekuvioita.
Lucien Gaillard syntyi vuonna 1861 ja aloitti uransa, kuten kaksi edellistä käsityöläistä, isänsä, hopeaseppä Ernest Gaillardin oppilaana. Muodostuessaan hän hallitsi täydellisesti kullan ja hopean takaa- ja kaiverrustekniikat, osallistui monille erilaisille mestarien Dujardinin ja Salmonin korukursseille ja ohitti lopulta isänsä. Vuonna 1892 Ernest Gaillard antoi työpajansa pojalleen.
Lucien Gaillard kiinnostui jo uransa alussa japanilaisista metalliseoksista ja lakoista, joita ei käytetty Ranskassa, mutta jotka olivat niin ihastuttavia, että ne hämmästyttivät sekä hänen aikalaisiaan että hänen työnsä tulevia tutkijoita.
Jalokivikauppias Henri Vever puhui hänestä näin: "Ammattiinsa intohimoisesti rakastunut, väsymätön tutkija, joka lumoutui työhönsä, Gaillard ymmärsi innostuneesti, ihastuksella kaikki korujen monimutkaiset tekniset näkökohdat, kuten korujen metalliseokset, kultaukset, patinaatiot, erinomaisten tulosten saavuttaminen."
Kuten muidenkin edellä mainittujen jalokivikauppiaiden kohdalla, vuosi 1900 oli erittäin tärkeä Lucien Gaillardille. Sinä vuonna hänen elämässään tapahtui useita tapahtumia kerralla - hän osti uuden rakennuksen, kutsui japanilaisia mestareita töihin auttamalla häntä ymmärtämään kansallisen taiteen hienouksia ja tietysti osallistui Pariisin maailmannäyttelyyn, jossa hän sai Grand Prix, ja lisäksi hän tutustui inspiraation lähteeksi kutsuman René Laliquen uusimpiin teoksiin.
Näillä kahdella mestarilla oli yhteinen piirre - he molemmat keksivät uusia tekniikoita, yrittäen antaa teoksilleen erityistä luonnetta. Mutta mikä erotti Gaillardin Laliquesta, oli hänen vetovoimansa japanilaiseen taiteeseen ja japanilaisiin tekniikoihin, minkä ansiosta Gaillardin teokset olivat väriltään ja koostumukseltaan hillitympiä.
Yksi Gaillardin parhaista teoksista on Apple Branch -rannekoru. Jalokivikauppias onnistui luomaan erittäin mielenkiintoisen, jopa ainutlaatuisen teoksen. Rannekorun jokaisessa elementissä näemme itsenäisen ja harmonisesti rakennetun kammiokuvan kukista oksilla, kun taas kaikki elementit yhdistetään yhdeksi, yhtä kiinteäksi koostumukseksi. Tämä on japanilaisten motiivien pääperiaate, jota Gaillard noudattaa - harmoninen rytminen rakenne kaikista sävellyselementeistä.
Krysanteemin harja on toinen viittaus Gaillardin japanilaisiin aiheisiin. Mestari järjestää vapaasti kaksi kukkaa noudattaen krysanteemien kuvaamisen periaatteita japanilaisissa kaiverruksissa. Gaillard käytti tässä työssä sarvea, josta hän vähitellen poisti kerrokset. Tällä hän saavutti läpikuultavuuden, jota vasten sirot terälehdet alkoivat näyttää tilavilta. Korosta volyymia ja maidonsinisiä opaaleja, jotka on upotettu krysanteemien ytimeen.
Ei vähemmän kiinnostava on suuri hiusneula Amsterdamin Rijksmuseumista, jossa Gaillard kuvasi kahta sudenkorentoa taistelemassa suuresta sitriinistä. Luonnonmotiivi on hyvin naturalistinen, dynaaminen ja ilmeikäs. Jalokivikauppias toteutti koristelun erittäin realistisesti aidosti, välittäen hyönteisten nopean liikkeen välittömyyden.
Gaillard yhdistää myös tässä korussa rohkeasti arvokkaita ja puolijaloisia materiaaleja: hyönteisten siivet on valmistettu läpinäkyvästä sarvesta ja koristeltu smaragdeilla. Siipien kärjet on peitetty emalilla, jossa on siroteltu pieniä timantteja. Sudenkorentojen rungot on valmistettu kullasta ja koristeltu tummanvihreän ja sinisen champlevé-emalin raidoilla.
Vuonna 1902 useita Lucien Gaillardin teoksia esiteltiin Glasgow'n näyttelyssä, ja ne menestyivät niin hyvin, että sen jälkeen Ranskan hallitus myönsi hänelle kunnialegioonan. Siitä hetkestä lähtien Gaillardista tuli yksi jugendajan tunnetuimmista ranskalaisista jalokivikauppiaista, mutta vuoden 1910 jälkeen hänen luova toimintansa alkoi hiipua, kunnes se lopulta päättyi vuonna 1925.
Jokaisella tämän artikkelin sankarilla oli oma ainutlaatuinen tyylinsä ja oma lähestymistapansa korujen luomiseen, mutta heitä kaikkia yhdisti halu luoda ei vain arvokkaita koruja, vaan todella taiteellisia asioita käyttämällä heille sekä jalokiviä että metalleja, ja materiaaleja, joita ei pidetä arvokkaina koruissa. Näiden suurten mestareiden alkuperäiset ideat muuttivat puolijalometallit ja -kivet todellisiksi taideteoksiksi, ja ne itse kirjoitettiin ikuisesti maailmanhistoriaan.
