Tandis que les maîtres de l'historicisme reproduisaient et combinaient les styles les plus divers du passé, le portant à un certain automatisme, l'Art nouveau a fait irruption dans l'art comme un tourbillon, comme un vent marin frais, libérateur, purificateur, inspirant. Il a ouvert un monde de nouvelles formes, de nouveaux matériaux, de nouvelles combinaisons.
L'Art nouveau était un phénomène artistique à court terme, mais incroyablement beau et en même temps très complexe, qui englobait absolument tous les types d'art, y compris les bijoux. L'ère de la modernité a donné au monde toute une pléiade de grands maîtres, qui, à leur tour, ont insufflé un nouveau souffle à l'art de la joaillerie et l'ont placé au premier plan du «dernier grand style». Dans cet article, nous ferons connaissance avec quelques-uns des personnages principaux de l'époque - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever et Lucien Gaillard.
Le génie de la joaillerie René Jules Lalique
Le génie incontesté et leader parmi les joailliers de son temps était maître exceptionnel René Laliquedont l'œuvre incarnait l'essence même de l'Art nouveau français. Son utilisation de matériaux non précieux et souvent cassants, en particulier le verre moulé, était révolutionnaire pour son époque.
René Lalique est né en 1860 dans la petite ville d'Ay, à 28 kilomètres au sud de Reims. En 1876, il commença à étudier avec le plus grand joaillier parisien Louis Ocock, et en 1878 se rendit à Londres, où il étudia le design exclusivement pendant les deux années suivantes. C'est cette formation complète qui lui a permis de fabriquer de manière indépendante tous ses bijoux à l'avenir - de la création de croquis aux touches finales des travaux finis. Dans les premières années de travail, Lalique a réalisé des croquis pour des maîtres célèbres tels que Cartier, Boucheron, Vever.
Ce dernier, à son tour, a joué un rôle important dans le développement du propre style de Lalique. En 1886, Jules Destape lui offre son atelier de joaillerie « en reconnaissance de son talent unique ». Désormais, René Lalique, disposant de tout le nécessaire pour travailler, se tourne vers la recherche de l'inspiration, qu'il trouve dans les idées du mouvement Arts and Crafts, qui appelle au renouveau des arts et métiers et promeut les motifs végétaux et animaux. Embrassant ces idées, Lalique a évolué en phase avec elles et est devenu le premier à apporter l'Art nouveau à l'art de la joaillerie.
Lalique présente ses premiers bijoux Art nouveau à l'Exposition universelle de 1897 à Bruxelles. Mais l'événement principal de sa biographie créative fut l'Exposition Universelle de Paris en 1900. Pour son exposition de bijoux, Lalique a reçu le Grand Prix et le gouvernement lui a décerné l'Ordre de la Légion d'honneur. Ce fut un véritable triomphe.
Le critique français Léonce Benedite a écrit de lui comme « Un vrai innovateur. C'est lui (Lalique) qui a abattu les vieilles barrières, renversé les traditions fortes et créé une nouvelle langue.".
Les chercheurs appellent René Lalique le maître des trois "F" - "femme", "flore", "faune". Ce sont les femmes, la flore et la faune qui ont occupé une place centrale dans l'œuvre du maître, et les femmes ont été nommées en premier pour une raison. Les beaux mascarons aux cheveux longs et les nus deviennent un motif récurrent dans les bijoux Lalique. Et même si l'Art nouveau était généralement considéré comme un style féminin, puisque la plupart des artistes se tournaient vers des images féminines, il fallait avoir le courage d'utiliser le corps féminin nu et gracieux en bijoux.
L'un des produits les plus célèbres de René Lalique, dans lequel il se réfère à l'image féminine, est la décoration de corsage "Femme libellule", réalisée par lui en 1897-1898. Il fait aujourd'hui partie de la collection du Musée Gulbenkian de Lisbonne, fondé par le financier et magnat du pétrole Calouste Gulbenkian, qui a amassé une collection unique d'œuvres Lalique.
Dans ce bijou, René Lalique crée un look très inhabituel qui combine une femme, une libellule et une chimère. Littéralement sous nos yeux, une transformation fantastique se produit - une belle femme avec des ailes de libellule au lieu de mains apparaît de la bouche d'une chimère aux grandes pattes griffues.
On sait que cette décoration de corsage faisait partie de la tenue de Sarah Bernhardt, dans laquelle elle brillait sur la scène du théâtre. Et en 1900, la « Femme libellule », ainsi qu'un certain nombre d'œuvres de Lalique, aujourd'hui dans la collection du Musée Gulbenkian (peigne-diadème « Coq », collier-tour de cou « Paysage forestier », bijou de corsage « Serpents ») ont été présentés à l'Exposition Universelle de Paris et ont suscité surprise et admiration, tant chez les visiteurs que chez les critiques.
Le collier ras de cou Forest Landscape est une création tout aussi remarquable de Lalique. Il se compose de trois parties, qui présentent une composition unique complexe et multiforme. Au premier plan, Lalique représente des troncs d'arbres dorés, à travers lesquels on aperçoit au second plan un lac d'opales dont les débordements créent l'illusion du mouvement de l'eau. En arrière-plan, la rive du lac, créée à partir de diamants imitant le sable. Cette décoration impressionne non seulement par son caractère inhabituel, mais aussi par le réalisme du paysage représenté.
Les pendentifs Lalique asymétriques sont charmants, sur lesquels le joaillier représente des fragments de paysages forestiers - hiver ou automne. Parmi elles, la suspension Winter Landscape, créée en 1900-1901, se démarque. Dans une forme complexe, Lalique met du verre feuilleté bleu-gris avec des troncs d'arbres qui apparaissent comme dans une brume de crépuscule hivernal. L'utilisation du verre est devenue l'une des caractéristiques de la créativité de Lalique, d'autres joailliers célèbres n'ont pas utilisé le verre en raison du processus technologique complexe de sa création. Sur le fond de verre à droite, le joaillier a placé un sapin enneigé, réalisé selon la technique de l'émail. La composition est encadrée par des branches d'épicéa dorées avec des inserts d'aigue-marine et un pendentif en perles.
La variété des sujets dans les œuvres de Lalique était énorme - paysages (forêt, hiver, printemps), feuilles d'automne, fleurs et baies d'été, animaux et oiseaux, reptiles et insectes. Mais tous sont unis par la complexité et l'unicité des compositions, de nombreux détails minutieusement élaborés et des matériaux et techniques non standard avec lesquels le bijoutier expérimente constamment. Comme il l'écrit lui-même :
“... J'ai dû aller jusqu'à l'extrême pour abandonner tout ce que j'avais réalisé auparavant. J'ai travaillé sans relâche : dessinant, modelant, faisant des recherches techniques et des expériences de toutes sortes, toujours déterminé à faire avancer les choses et à créer quelque chose de complètement nouveau."
Après 1910, René Lalique se concentre sur le travail du verre et atteint des sommets sans précédent dans ce domaine. Dans les décennies suivantes, ses fantastiques vases, lampes, flacons de parfum, et même des mascottes de voitures et des décorations architecturales sont apparus, grâce auxquels sa renommée ne s'est pas éteinte jusqu'à la mort du maître le 1er mai 1945. Et son entreprise a survécu à la guerre et existe aujourd'hui avec succès.
Joaillier Georges Fouquet
Un autre joaillier emblématique de l'époque Art nouveau était Georges Fouquet. Il est né en 1862 du célèbre joaillier Alfons Fouquet, devenu célèbre dans les années 1870 pour ses bijoux néo-Renaissance. Georges étudie la joaillerie avec son père et, en 1880, commence à travailler dans sa bijouterie. En 1895, Alfons Fouquet confie la direction de l'entreprise à son fils, et il se met au travail avec enthousiasme, désireux de donner un nouveau souffle à l'entreprise paternelle.
Le joaillier Henri Vever a écrit de lui : " Travailleur infatigable, il était fasciné par tout ce qui était nouveau, et sa recherche d'inspiration était inlassable ".
En 1898, Fouquet présente ses premiers bijoux Art Nouveau. Les lignes courbes sensuelles, les émaux en sourdine et les textures subtiles étaient très efficaces et presque à la hauteur des bijoux René Lalique. Mais Fouquet lui-même, contrairement à Lalique, n'était pas un designer et a attiré de nombreux artistes célèbres de son temps à travailler. Sa collaboration avec Alfons Maria Mucha, un artiste dont l'œuvre est également devenue un symbole vivant de l'ère Art nouveau, est entrée dans l'histoire.
Leur connaissance a eu lieu grâce à Sarah Bernhardt, qui en 1898 est venue à la bijouterie Georges Fouquet avec une esquisse d'un bracelet serpent créé par Alfons Mucha. Ce bracelet faisait partie du costume de Médée de la représentation du même nom basée sur la pièce de Katul Mendez, créée en 1898.
Sur l'affiche d'Alfons Mucha, un bracelet similaire peut être vu sur la main de Sary Medea. Probablement, l'actrice a souhaité en avoir un dans sa vie, et a ordonné à Alfons Mucha de le concevoir, et a choisi Fouquet comme interprète. Le joaillier était tellement fasciné par le design du bracelet qu'il suggéra à Alfons Mucha de créer une collection de bijoux pour l'Exposition universelle de 1900 à Paris. Ainsi est née une série de colliers fantaisistes, de broches de corsage complexes et de bracelets, qui, bien qu'inconfortables et plutôt lourds, incarnaient le style unique d'Alfons Mucha et démontraient l'habileté de Georges Fouquet.
Les visiteurs de l'exposition ont vu les joyaux incarnés des affiches de Mucha. Ils ont fait forte impression, mais les critiques ont été sévères dans leurs évaluations, les qualifiant de "décorations étranges avec des décorations étranges". La collaboration entre Fouquet et Mucha n'a duré que quelques années, mais c'est elle qui a contribué à faire évoluer le style des bijoux Georges Fouquet et à faire la renommée de son entreprise.
En plus de créer des bijoux, Fouquet a écrit des articles et des livres, dans l'un desquels il a proclamé :
«Ce ne sont pas les bijoux de luxe qui survivront, mais ceux dans lesquels le prix des matériaux est inférieur à leur beauté - aigue-marine, améthyste, topaze, tourmaline. L'art qui ne vieillit jamais prolongera la vie de ces bijoux. Ils ne seront jamais démontés pour réutiliser les pierres. Ces choses sont avant tout des œuvres d'art, et non un moyen d'investir de l'argent.
Joaillier Henri Vever
Henri Vever est le troisième héros de cette histoire et un autre maître exceptionnel de l'époque de l'Art nouveau. Comme Fouquet, Vever était au début du XXe siècle à la tête de la maison de joaillerie familiale Maison Vever, fondée par son grand-père en 1821. Henri Vever est né en 1854 et dès sa jeunesse, avec son frère Paul, a étudié la gestion de l'entreprise familiale, et a également étudié le dessin, le modelage et la conception ornementale à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris. Ainsi, au moment où le père d'Henri et de Paul prend sa retraite en 1881, il a de dignes successeurs. Paul était responsable du développement commercial de l'entreprise, tandis qu'Henri était responsable de la conception et de la production de bijoux. Grâce à Henri Vever, le style de la maison de joaillerie passe progressivement de l'historicisme à la modernité.
Lors de l'Exposition Universelle de Paris en 1900, la Maison Vever a reçu un deuxième Grand Prix pour ses exquis bijoux Art Nouveau, considérés comme les meilleures réalisations de l'entreprise. Cependant, bien qu'ils aient tous les traits caractéristiques du style (images féminines raffinées, flore et faune), les bijoux d'Henri Vever sont plus conservateurs par rapport aux produits extravagants de René Lalique.
Une autre différence de "Maison Vever" était que l'entreprise travaillait principalement avec des métaux précieux et des pierres précieuses. Henri n'a pas le même courage et le même intérêt pour les expériences que ses collègues et a beaucoup moins souvent recours à des matériaux bon marché.
En plus des bijoux, Henri Vever est devenu célèbre en tant que collectionneur de gravures japonaises, ainsi que l'auteur de l'un des ouvrages scientifiques les plus importants sur les bijoux - "Bijoux français du XIXe siècle". Dans cet ouvrage, il décrit en détail l'évolution de la joaillerie, de l'ère du Consulat à l'ère de l'Art Nouveau.
Maître Lucien Gaillard
Et le dernier héros de cet article sera Lucien Gaillard. Il est aujourd'hui bien moins connu que Lalique, Fouquet et même Vever, mais il n'en est pas moins une figure importante de l'art joaillier Art nouveau. La principale différence entre ses bijoux était l'appel à l'art japonais.
L'art japonais a été l'une des principales sources de l'Art nouveau, il a inspiré les maîtres européens avec le rythme dynamique et la flexibilité des lignes de décoration végétale, l'incomplétude du mouvement, la légèreté et la stylisation particulière qui ont transformé les motifs naturels en motifs décoratifs.
Lucien Gaillard est né en 1861 et, comme les deux artisans précédents, débute sa carrière comme élève de son père, l'orfèvre Ernest Gaillard. Au cours de sa formation, il maîtrise parfaitement les techniques de ciselure et de gravure sur or et argent, suit de nombreux cours de joaillerie auprès des maîtres Dujardin et Salmon, et finit par surpasser son père. En 1892, Ernest Gaillard cède son atelier à son fils.
Déjà au début de sa carrière, Lucien Gaillard s'est intéressé aux alliages et vernis japonais, qui n'étaient pas utilisés en France, mais qui étaient si délicieux qu'ils émerveillaient à la fois ses contemporains et les futures générations de chercheurs de ses travaux.
Le joaillier Henri Vever en parlait ainsi : "Passionné amoureux de son métier, chercheur infatigable qui enchante par son travail, Gaillard a compris avec enthousiasme, ravissement tous les aspects technologiques complexes de la joaillerie, tels que les alliages de joaillerie, la dorure, la patine, obtenant d'excellents résultats."
Comme pour les autres joailliers cités ci-dessus, l'année 1900 revêt une grande importance pour Lucien Gaillard. Cette année-là, plusieurs événements se sont produits dans sa vie à la fois - il a acquis un nouveau bâtiment, invité des maîtres japonais à travailler, l'aidant à comprendre les subtilités de l'art national et, bien sûr, a participé à l'Exposition universelle de Paris, où il a reçu le Grand Prix, et d'ailleurs De plus, il s'est familiarisé avec les dernières œuvres de René Lalique, qu'il appelait son inspiration.
Les deux maîtres avaient une caractéristique commune - ils ont tous deux inventé de nouvelles techniques, essayant de donner un caractère particulier à leurs œuvres. Mais ce qui distingue Gaillard de Lalique, c'est son attrait pour l'art japonais et les techniques japonaises, grâce auxquelles les œuvres de Gaillard sont plus sobres dans la couleur et la composition.
L'une des meilleures œuvres de Gaillard est le bracelet Apple Branch. Le bijoutier a réussi à créer une œuvre très intéressante, voire unique. Dans chaque élément du bracelet, nous voyons une image de chambre indépendante et harmonieusement construite de fleurs sur des branches, tandis que tous les éléments sont combinés en une seule composition également intégrale. C'est le principe principal des motifs japonais, que Gaillard suit - une structure rythmique harmonisée de tous les éléments de composition.
Le cimier du Chrysanthème est une autre référence aux motifs japonais de Gaillard. Le maître arrange librement deux fleurs, suivant les principes de représentation des chrysanthèmes dans les gravures japonaises. Gaillard a utilisé une corne dans cette œuvre, dont il a progressivement retiré les couches. Ce faisant, il a atteint la translucidité, contre laquelle les pétales de fleurs gracieux ont commencé à sembler volumineux. Soulignez le volume et les opales bleu lait incrustées au cœur des chrysanthèmes.
Non moins intéressante est une grande épingle à cheveux du Rijksmuseum d'Amsterdam, sur laquelle Gaillard a représenté deux libellules se disputant une grande citrine. Le motif naturel est très naturaliste, dynamique et expressif. Le joaillier a exécuté la décoration avec une grande authenticité réaliste, véhiculant l'immédiateté du mouvement rapide des insectes.
Gaillard associe également avec audace matières précieuses et semi-précieuses dans ce bijou : les ailes d'insectes sont en corne transparente et ornées d'émeraudes. Les pointes des ailes sont recouvertes d'émail encadré d'un éparpillement de petits diamants. Les corps des libellules sont en or et décorés de bandes d'émail champlevé vert foncé et bleu.
En 1902, plusieurs œuvres de Lucien Gaillard sont présentées lors d'une exposition à Glasgow et remportent un tel succès qu'à la suite de celle-ci, le gouvernement français lui décerne la Légion d'honneur. À partir de ce moment, Gaillard devient l'un des joailliers français les plus célèbres de l'époque de l'Art nouveau, mais après 1910, son activité créative commence à s'estomper jusqu'à s'arrêter définitivement en 1925.
Chacun des héros de cet article avait son propre style et sa propre approche de la création de bijoux, mais ils étaient tous unis par le désir de créer non seulement des bijoux précieux, mais des objets véritablement artistiques, en utilisant pour eux à la fois des pierres précieuses et des métaux, et matériaux, non considérés comme précieux dans les bijoux. Les idées originales de ces grands maîtres ont transformé les métaux et pierres semi-précieuses en véritables œuvres d'art, et elles-mêmes ont été inscrites à jamais dans l'histoire du monde.
