Մինչ պատմականության վարպետները վերարտադրում և համադրում էին անցյալի ամենատարբեր ոճերը՝ հասցնելով այն որոշակի ավտոմատիզմի, Art Nouveau-ն պտտվեց արվեստի մեջ, ինչպես հորձանուտ, ինչպես թարմ ծովային քամին, ազատող, մաքրող, ոգեշնչող: Նա բացեց նոր ձևերի, նոր նյութերի, նոր համադրությունների աշխարհ:
Art Nouveau-ն կարճաժամկետ, բայց աներևակայելի գեղեցիկ և միևնույն ժամանակ շատ բարդ գեղարվեստական երևույթ էր, որն ընդգրկում էր արվեստի բացարձակ բոլոր տեսակները, ներառյալ զարդերը: Art Nouveau-ի դարաշրջանը աշխարհին տվեց մեծ վարպետների մի ամբողջ գալակտիկա, որոնք, իրենց հերթին, նոր շունչ հաղորդեցին ոսկերչական արվեստին և բերեցին այն «վերջին մեծ ոճի» առաջին պլանում: Այս հոդվածում մենք կծանոթանանք դարաշրջանի գլխավոր հերոսներից մի քանիսին` Ռենե Լալիկին, Ժորժ Ֆուկեին, Անրի Վևերին և Լյուսիեն Գեյարին:
Ոսկերչական հանճար René Jules Lalique
Իր ժամանակի ոսկերիչների մեջ անվիճելի հանճարն ու առաջնորդն էր ականավոր վարպետ Ռենե Լալիկորի ստեղծագործության մեջ մարմնավորվել է ֆրանսիական Art Nouveau-ի բուն էությունը։ Նրա օգտագործումը ոչ թանկարժեք և հաճախ փխրուն նյութերի, հատկապես կաղապարված ապակու, հեղափոխական էր իր ժամանակի համար:
Ռենե Լալիկը ծնվել է 1860 թվականին Ռեյմսից 28 կիլոմետր հարավ գտնվող Այ փոքրիկ քաղաքում։ 1876 թվականին նա սկսեց սովորել փարիզյան առաջատար ոսկերիչ Լուի Օքոկի մոտ, իսկ 1878 թվականին մեկնեց Լոնդոն, որտեղ հաջորդ երկու տարին ուսումնասիրեց բացառապես դիզայն։ Այս համապարփակ կրթությունն էր, որ թույլ տվեց նրան ապագայում ինքնուրույն արտադրել իր ողջ զարդերը՝ էսքիզների ստեղծումից մինչև պատրաստի աշխատանքների վերջնական շոշափումները: Աշխատանքի առաջին տարիներին Լալիկը էսքիզներ էր պատրաստում այնպիսի հայտնի վարպետների համար, ինչպիսիք են Cartier-ը, Boucheron-ը, Vever-ը:
Վերջինս իր հերթին կարևոր դեր է խաղացել Լալիկի սեփական ոճի զարգացման գործում։ 1886 թվականին Ժյուլ Դեստապը նրան նվիրեց իր ոսկերչական արհեստանոցը «ի նշան նրա յուրահատուկ տաղանդի»։ Այժմ Ռենե Լալիկեն, ունենալով աշխատանքի համար անհրաժեշտ ամեն ինչ, դիմեց ոգեշնչման որոնմանը, որը նա գտավ Arts and Crafts շարժման գաղափարներում, որոնք կոչ էին անում վերածնվել արվեստների և արհեստների և խթանել բուսական և կենդանական մոտիվները: Ընդգրկելով այս գաղափարները՝ Լալիկը զարգացավ դրանց հետ համաժամանակյա և դարձավ առաջինը, ով Art Nouveau-ին բերեց ոսկերչական արվեստ:
Lalique-ը ներկայացրել է իր առաջին Art Nouveau զարդերը 1897 թվականին Բրյուսելի համաշխարհային ցուցահանդեսում: Բայց նրա ստեղծագործական կենսագրության գլխավոր իրադարձությունը 1900 թվականին Փարիզում կայացած համաշխարհային ցուցահանդեսն էր։ Իր ոսկերչական ցուցահանդեսի համար Լալիկը ստացել է Գրան պրի, իսկ կառավարությունը նրան պարգևատրել է Պատվո լեգեոնի շքանշանով։ Դա իսկական հաղթանակ էր:
Ֆրանսիացի քննադատ Լեոնսե Բենեդիտը նրա մասին գրել է որպես «Իսկական նորարար. Նա (Լալիկը) էր, ով քանդեց հին պատնեշները, տապալեց ամուր ավանդույթները և ստեղծեց նոր լեզու»:.
Հետազոտողները Ռենե Լալիկին անվանում են երեք «F»-ի վարպետ՝ «femme», «flore», «faune»: Հենց կանայք, բուսական և կենդանական աշխարհն էին, որ կենտրոնական տեղ էին զբաղեցնում վարպետի աշխատանքում, և կանայք առաջինն էին անվանակոչվել մի պատճառով։ Գեղեցիկ երկար մազերով mascarons-ը և մերկները դառնում են կրկնվող մոտիվ Lalique զարդերի մեջ: Եվ չնայած Art Nouveau-ն ընդհանուր առմամբ համարվում էր կանացի ոճ, քանի որ նկարիչների մեծամասնությունը դիմում էր կանացի կերպարներին, պետք էր համարձակություն ունենալ՝ օգտագործելու նրբագեղ մերկ կանացի մարմինը զարդերի մեջ:
René Lalique-ի ամենահայտնի արտադրանքներից մեկը, որում նա անդրադառնում է կանացի կերպարին, «Ճպուռ կին» կորսաժային զարդարանքն է, որը նրա կողմից արվել է 1897-1898 թվականներին։ Այսօր այն գտնվում է Լիսաբոնում գտնվող Գյուլբենկյան թանգարանի հավաքածուում, որը հիմնադրել է ֆինանսիստ և նավթային մագնատ Գալուստ Գյուլբենկյանը, ով հավաքել է Լալիկի ստեղծագործությունների եզակի հավաքածու:
Այս գոհարի մեջ Ռենե Լալիկը ստեղծում է շատ անսովոր տեսք, որը միավորում է կնոջը, ճպուռը և քիմերան: Բառացիորեն մեր աչքի առաջ տեղի է ունենում ֆանտաստիկ կերպարանափոխում՝ ձեռքերի փոխարեն ճպուռի թեւերով մի գեղեցիկ կին հայտնվում է քիմերայի բերանից՝ մեծ ճանկռոտ թաթերով։
Հայտնի է, որ այս կորսաժային զարդարանքը եղել է Սառա Բերնհարդտի հանդերձանքի մի մասը, որով նա փայլել է թատրոնի բեմում։ Իսկ 1900 թվականին «Ճպուռ կինը», ինչպես նաև Լալիկի մի շարք գործեր, որոնք այսօր գտնվում են Գյուլբենկյան թանգարանի հավաքածուում (սանր-տիարա «Աքլոր», վզնոց-խեղդող «Անտառային լանդշաֆտ», կորսաժային զարդեր «Օձեր» ») ցուցադրվել են Փարիզի համաշխարհային ցուցահանդեսում և զարմանք ու հիացմունք առաջացրել ինչպես այցելուների, այնպես էլ քննադատների շրջանում։
Անտառային լանդշաֆտ choker վզնոցը նույնքան ակնառու ստեղծագործություն է Lalique-ի կողմից: Այն բաղկացած է երեք մասից, որոնք ներկայացնում են մեկ բարդ և բազմակողմ կազմություն։ Առաջին պլանում Լալիկը պատկերել է ոսկեգույն ծառերի բներ, որոնց միջով տեսնում ենք օփալների լիճը, որի վարարումները ստեղծում են ջրի շարժման պատրանք։ Հետին պլանում լճի ափն է՝ ստեղծված ավազ նմանակող ադամանդներից։ Այս զարդարանքը տպավորում է ոչ միայն իր անսովորությամբ, այլև նրանով, թե որքան իրատեսական է պատկերված բնապատկերը։
Հմայիչ են ասիմետրիկ Lalique կախազարդերը, որոնց վրա ոսկերիչը պատկերում է անտառային լանդշաֆտների բեկորներ՝ ձմեռային կամ աշնանային: Դրանցից առանձնանում է 1900-1901 թվականներին ստեղծված Winter Landscape կախազարդը։ Բարդ ձևով Լալիկը դնում է կապույտ-մոխրագույն լամինացված ապակի՝ ծառերի կոճղերով, որոնք կարծես ձմեռային մթնշաղի մշուշի մեջ են: Ապակու օգտագործումը դարձել է Lalique-ի ստեղծագործության առանձնահատկություններից մեկը, մյուս հայտնի ոսկերիչներն ապակի չեն օգտագործել դրա ստեղծման բարդ տեխնոլոգիական գործընթացի պատճառով։ Աջ կողմում ապակե ֆոնի վրա ոսկերիչը տեղադրել է էմալի տեխնիկայով պատրաստված ձյունածածկ եղևնի։ Կոմպոզիցիան շրջանակված է ոսկեգույն եղևնի ճյուղերով՝ ակվամարինե ներդիրներով և մարգարտյա կախազարդով։
Լալիկի ստեղծագործությունների թեմաների բազմազանությունը հսկայական էր՝ բնապատկերներ (անտառ, ձմեռ, գարուն), աշնանային տերևներ, ամառային ծաղիկներ և հատապտուղներ, կենդանիներ և թռչուններ, սողուններ և միջատներ։ Բայց նրանց բոլորին միավորում է կոմպոզիցիաների բարդությունն ու յուրահատկությունը, շատ մանրակրկիտ մշակված դետալները և ոչ ստանդարտ նյութերն ու տեխնիկան, որոնց հետ ոսկերիչը անընդհատ փորձեր է անում։ Ինչպես ինքն է գրել.
«... Ես պետք է գնայի ծայրահեղության, որպեսզի հրաժարվեի այն ամենից, ինչին նախկինում հասել էի։ Ես անխնա աշխատում էի. նկարել, մոդելավորել, կատարել տեխնիկական հետազոտություններ և բոլոր տեսակի փորձեր, միշտ որոշել եմ անել ամեն ինչ և ստեղծել բոլորովին նոր բան»:
1910 թվականից հետո Ռենե Լալիկեն կենտրոնացավ ապակու հետ աշխատելու վրա և այս հարցում աննախադեպ բարձունքների հասավ։ Հետագա տասնամյակներում հայտնվեցին նրա ֆանտաստիկ ծաղկամանները, լամպերը, օծանելիքի շշերը և նույնիսկ ավտոմոբիլային թալիսմաններն ու ճարտարապետական զարդերը, որոնց շնորհիվ նրա համբավը չխամրեց մինչև վարպետի մահը՝ 1 թվականի մայիսի 1945-ը։ Իսկ նրա ընկերությունը վերապրել է պատերազմը և հաջողությամբ գոյություն ունի այսօր։
Ոսկերիչ Ժորժ Ֆուկե
Art Nouveau-ի դարաշրջանի մեկ այլ խորհրդանշական ոսկերիչ Ժորժ Ֆուկեն էր: Նա ծնվել է 1862 թվականին հայտնի ոսկերիչ Ալֆոնս Ֆուկեի ընտանիքում, ով հայտնի է դարձել 1870-ական թվականներին իր նեո-վերածննդի զարդերով։ Ժորժը հոր հետ սովորել է ոսկերչություն և 1880 թվականին սկսել է աշխատել իր ոսկերչական ֆիրմայում։ 1895 թվականին Ալֆոնս Ֆուկեն բիզնեսի կառավարումը հանձնեց իր որդուն, և նա խանդավառությամբ սկսեց աշխատել՝ ցանկանալով նոր շունչ հաղորդել իր հոր ֆիրման։
Ոսկերիչ Անրի Վևերը նրա մասին գրել է. «Անխոնջ աշխատող, նա հիացած էր ամեն նորով, և ոգեշնչման փնտրտուքը անխոնջ էր».
1898 թվականին Ֆուկեն ներկայացրեց իր առաջին Art Nouveau զարդերը։ Զգայական կոր գծերը, խլացված էմալները և նուրբ հյուսվածքները շատ արդյունավետ էին և գրեթե հավասար էին René Lalique զարդերին: Բայց ինքը՝ Ֆուկեն, ի տարբերություն Լալիկի, դիզայներ չէր և աշխատանքի գրավեց իր ժամանակի շատ հայտնի նկարիչների։ Նրա համագործակցությունը Ալֆոնս Մարիա Մուչայի հետ՝ նկարիչ, ում աշխատանքը նույնպես դարձել է Art Nouveau-ի դարաշրջանի վառ խորհրդանիշը, անցել է պատմության մեջ:
Նրանց ծանոթությունը կայացել է Սառա Բերնհարդտի շնորհիվ, ով 1898 թվականին եկել է Georges Fouquet ոսկերչական խանութ՝ Ալֆոնս Մուչայի ստեղծած օձի ապարանջանի էսքիզով։ Այս ապարանջանը Մեդեայի զգեստի մի մասն էր Կաթուլ Մենդեզի պիեսի հիման վրա համանուն ներկայացումից, որի պրեմիերան կայացել է նույն 1898 թվականին։
Alfons Mucha պաստառի վրա նմանատիպ ապարանջան կարելի է տեսնել Սարի Մեդեայի ձեռքին։ Հավանաբար, դերասանուհին ցանկացել է ունենալ այդպիսին իր կյանքում, և պատվիրել է Ալֆոնս Մուչային ձևավորել այն, իսկ որպես կատարող ընտրել է Ֆուկեին։ Ոսկերչին այնքան է հիացրել ապարանջանի դիզայնը, որ նա առաջարկել է Ալֆոնս Մուչային ստեղծել զարդերի հավաքածու 1900 թվականին Փարիզում կայանալիք համաշխարհային ցուցահանդեսի համար։ Այսպես ծնվեց մի շարք քմահաճ վզնոցներ, բարդ կորսաժային բրոշներ և ապարանջաններ, որոնք թեև անհարմար և բավականին ծանր էին, բայց մարմնավորում էին Ալֆոնս Մուչայի յուրահատուկ ոճը և ցուցադրում Ժորժ Ֆուկեի հմտությունը:
Ցուցահանդեսի այցելուները տեսել են Մուչայի պաստառներից մարմնավորված զարդերը։ Նրանք ուժեղ տպավորություն թողեցին, սակայն քննադատները կոշտ էին իրենց գնահատականներում՝ դրանք անվանելով «տարօրինակ զարդեր՝ տարօրինակ դեկորացիաներով»։ Ֆուկեի և Մուչայի համագործակցությունը տևեց ընդամենը մի քանի տարի, բայց հենց դա օգնեց փոխել Ժորժ Ֆուկեի զարդերի ոճը և փառք բերեց նրա ընկերությանը:
Բացի զարդեր ստեղծելուց, Ֆուկեն գրել է հոդվածներ և գրքեր, որոնցից մեկում նա հայտարարել է.
«Ոչ թե շքեղ զարդերը կմնան, այլ նրանք, որոնցում նյութերի գինն ավելի ցածր է, քան գեղեցկությունը՝ ակվամարինը, ամեթիստը, տոպազը, տուրմալինը։ Արվեստը, որը երբեք չի հնանում, կերկարացնի այս զարդերի կյանքը: Դրանք երբեք չեն բաժանվի քարերը նորից օգտագործելու համար: Այս բաներն առաջին հերթին արվեստի գործեր են, և ոչ թե փող ներդնելու միջոց։
Ոսկերիչ Անրի Վևեր
Անրի Վևերը այս պատմության երրորդ հերոսն է և Արտ Նովոյի դարաշրջանի մեկ այլ նշանավոր վարպետ: Ֆուկեի նման, Վևերը 1821-րդ դարի սկզբին եղել է Maison Vever ընտանեկան ոսկերչական ընկերության ղեկավարը, որը հիմնադրել է իր պապը 1854 թվականին։ Անրի Վևերը ծնվել է 1881 թվականին և իր երիտասարդությունից եղբոր՝ Պոլի հետ սովորել է ընտանեկան բիզնեսի կառավարում, ինչպես նաև սովորել է նկարչություն, մոդելավորում և դեկորատիվ դիզայն Փարիզի Ecole des Beaux-Arts-ում։ Այսպիսով, մինչև XNUMX թվականին Անրիի և Փոլի հայրը թոշակի անցավ, նա արժանի հետնորդներ ուներ։ Փոլը պատասխանատու էր ֆիրմայում կոմերցիոն զարգացման համար, մինչդեռ Հենրին պատասխանատու էր ոսկերչական իրերի նախագծման և արտադրության համար: Անրի Վևերի շնորհիվ ոսկերչական ընկերության ոճը պատմականությունից աստիճանաբար վերածվեց արդիականության:
1900 թվականին Փարիզում կայացած Համաշխարհային ցուցահանդեսում Maison Vever-ը ստացավ երկրորդ Գրան պրին իր նուրբ Art Nouveau զարդերի համար, որոնք համարվում էին ընկերության լավագույն ձեռքբերումները: Այնուամենայնիվ, չնայած նրանք ունեին ոճի բոլոր բնորոշ հատկանիշները (կանացի նուրբ պատկերներ, բուսական և կենդանական աշխարհ), Անրի Վևերի զարդերն ավելի պահպանողական էին René Lalique-ի էքստրավագանտ արտադրանքի համեմատ:
«Maison Vever»-ի մյուս տարբերությունն այն էր, որ ֆիրման աշխատում էր հիմնականում թանկարժեք մետաղներով և թանկարժեք քարերով։ Անրին փորձերի նկատմամբ նույն համարձակությունն ու հետաքրքրությունը չուներ, ինչպես իր գործընկերները, և շատ ավելի քիչ հաճախ էր դիմում էժան նյութերի։
Բացի ոսկերչական իրերից, Անրի Վևերը հայտնի դարձավ որպես ճապոնական փորագրանկարների կոլեկցիոներ, ինչպես նաև ոսկեգործության վերաբերյալ կարևորագույն գիտական աշխատություններից մեկի՝ «XNUMX-րդ դարի ֆրանսիական զարդերի» հեղինակ։ Այս գրքում նա մանրամասն նկարագրում է ոսկերչության զարգացումը` հյուպատոսության ժամանակաշրջանից մինչև Արտ Նովոյի դարաշրջանը:
Մաեստրո Լյուսիեն Գայլարդ
Իսկ այս հոդվածի վերջին հերոսը կլինի Լյուսիեն Գայլարդը։ Նա այսօր շատ ավելի քիչ է հայտնի, քան Լալիկը, Ֆուկեն և նույնիսկ Վևերը, բայց նա ոչ պակաս կարևոր գործիչ է Art Nouveau-ի ոսկերչական արվեստի մեջ: Նրա զարդերի հիմնական տարբերությունը ճապոնական արվեստի գրավչությունն էր:
Ճապոնական արվեստը Art Nouveau-ի հիմնական աղբյուրներից մեկն էր, այն ոգեշնչեց եվրոպացի վարպետներին դինամիկ ռիթմով և բույսերի ձևավորման գծերի ճկունությամբ, շարժման անավարտությամբ, թեթևությամբ և հատուկ ոճավորումով, որը բնական մոտիվները վերածեց դեկորատիվ նախշերի:
Լյուսիեն Գայլարդը ծնվել է 1861 թվականին և, ինչպես նախորդ երկու արհեստավորները, իր կարիերան սկսել է որպես իր հոր՝ արծաթագործ Էռնեստ Գայլարդի աշակերտը։ Իր ձևավորման ընթացքում նա հիանալի տիրապետում էր ոսկու և արծաթի վրա հետապնդելու և փորագրելու տեխնիկային, մասնակցել է վարպետներ Դյուժարդենի և Սալմոնի ոսկերչական բազմաթիվ դասընթացների և ի վերջո գերազանցել է հորը։ 1892 թվականին Էռնեստ Գայլարդն իր արհեստանոցը նվիրեց որդուն։
Արդեն իր կարիերայի սկզբում Լյուսիեն Գայլարդը սկսեց հետաքրքրվել ճապոնական համաձուլվածքներով և լաքերով, որոնք Ֆրանսիայում չէին օգտագործվում, բայց այնքան հաճելի էին, որ զարմացրին ինչպես իր ժամանակակիցներին, այնպես էլ նրա աշխատանքի հետազոտողների հետագա սերունդներին:
Ոսկերիչ Հենրի Վևերը նրա մասին խոսեց այսպես. «Կրքոտ սիրահարված իր մասնագիտությանը, անխոնջ հետազոտողը, ով հմայում էր իր աշխատանքով, Գայլարդը խանդավառությամբ, հիացմունքով ըմբռնում էր զարդերի բոլոր բարդ տեխնոլոգիական ասպեկտները, ինչպիսիք են ոսկերչական համաձուլվածքները, ոսկեզօծումը, պատեցումը, գերազանց արդյունքների հասնելը»:
Ինչպես վերը նշված մյուս ոսկերիչների դեպքում, 1900 թվականը մեծ նշանակություն ունեցավ Լյուսիեն Գայլարդի համար։ Այդ տարի նրա կյանքում միանգամից մի քանի իրադարձություն տեղի ունեցավ. նա ձեռք բերեց նոր շենք, աշխատանքի հրավիրեց ճապոնացի վարպետներին՝ օգնելով նրան հասկանալ ազգային արվեստի խճճվածությունը և, իհարկե, մասնակցել է Փարիզի համաշխարհային ցուցահանդեսին, որտեղ նա ստացել է Գրան պրի, բացի այդ, նա ծանոթացավ Ռենե Լալիկի վերջին գործերին, ում նա անվանեց իր ոգեշնչումը։
Երկու վարպետները ընդհանուր հատկանիշ ունեին՝ երկուսն էլ նոր տեխնիկա են հորինել՝ փորձելով առանձնահատուկ բնավորություն հաղորդել իրենց գործերին։ Սակայն Գայլարդին տարբերում էր Լալիկից նրա գրավչությունը ճապոնական արվեստին և ճապոնական տեխնիկային, ինչի շնորհիվ Գայլարդի ստեղծագործություններն ավելի զուսպ էին գունային ու կոմպոզիցիայի մեջ։
Գայլարդի լավագույն աշխատանքներից է Apple Branch թեւնոցը։ Ոսկերչին հաջողվել է ստեղծել շատ հետաքրքիր, նույնիսկ յուրահատուկ աշխատանք։ Ապարանջանի յուրաքանչյուր տարրում մենք տեսնում ենք ճյուղերի վրա ծաղիկների անկախ և ներդաշնակորեն կառուցված կամերային պատկեր, մինչդեռ բոլոր տարրերը համակցված են մեկ, հավասարապես ինտեգրալ կազմի մեջ: Սա ճապոնական մոտիվների հիմնական սկզբունքն է, որին հետևում է Գայլարդը՝ կոմպոզիցիոն բոլոր տարրերի ներդաշնակ ռիթմիկ կառուցվածքը։
Քրիզանթեմի գագաթը Գայլարդի ճապոնական մոտիվների ևս մեկ հիշատակում է: Վարպետն ազատորեն դասավորում է երկու ծաղիկ՝ հետևելով ճապոնական փորագրություններում քրիզանտեմներ պատկերելու սկզբունքներին։ Գայլարդն այս աշխատանքում օգտագործել է եղջյուր, որից աստիճանաբար հեռացրել է շերտերը։ Դրանով նա հասավ կիսաթափանցիկության, որի դեմ ծաղկի նրբագեղ թերթիկները սկսեցին ծավալուն թվալ: Ընդգծեք ծավալը և կաթնագույն կապույտ օփալները, որոնք դրված են քրիզանտեմների միջուկում:
Ոչ պակաս հետաքրքիր է Ամստերդամի Ռայքսթանգարանի մի մեծ սանրվածքը, որի վրա Գայլարդը պատկերել է երկու ճպուռ, որոնք կռվում են մեծ ցիտրինի համար: Բնական մոտիվը շատ նատուրալիստական է, դինամիկ և արտահայտիչ։ Ոսկերիչը դեկորացիան կատարել է մեծ իրատեսական իսկության մեջ՝ փոխանցելով միջատների արագ շարժման անմիջականությունը։
Գայլարդը նաև համարձակորեն համադրում է թանկարժեք և կիսաթանկարժեք նյութերն այս զարդի մեջ՝ միջատների թեւերը պատրաստված են թափանցիկ եղջյուրից և զարդարված զմրուխտներով։ Թևերի ծայրերը ծածկված են էմալով, շրջանակված մանր ադամանդներով: Ճպուռի մարմինները պատրաստված են ոսկուց և զարդարված մուգ կանաչ և կապույտ շամպելվե էմալի շերտերով։
1902 թվականին Լյուսիեն Գայլարի մի քանի գործեր ներկայացվեցին Գլազգոյում կայացած ցուցահանդեսում և այնպիսի հաջողություն ունեցան, որ դրանից հետո Ֆրանսիայի կառավարությունը նրան շնորհեց Պատվո լեգեոնի շքանշան։ Այդ պահից Գայլարը դարձավ Արտ Նովոյի դարաշրջանի ամենահայտնի ֆրանսիացի ոսկերիչներից մեկը, սակայն 1910 թվականից հետո նրա ստեղծագործական գործունեությունը սկսեց մարել, մինչև վերջապես ավարտվեց 1925 թվականին։
Այս հոդվածի հերոսներից յուրաքանչյուրն ուներ իր ուրույն ոճը և զարդեր ստեղծելու սեփական մոտեցումը, բայց նրանց բոլորին միավորում էր ոչ միայն թանկարժեք զարդեր, այլ իսկապես գեղարվեստական իրեր ստեղծելու ցանկությունը, օգտագործելով ինչպես թանկարժեք քարեր, այնպես էլ մետաղներ, և նյութեր, որոնք արժեքավոր չեն համարվում զարդերի մեջ: Այս մեծ վարպետների օրիգինալ գաղափարները կիսաթանկարժեք մետաղներն ու քարերը վերածեցին արվեստի իրական գործերի, և նրանք իրենք ընդմիշտ մնացին համաշխարհային պատմության մեջ:
