Додека мајсторите на историцизмот ги репродуцираа и комбинираа најразновидните стилови од минатото, доведувајќи го до одреден автоматизам, Арт Нову се проби во уметноста како виор, како свеж морски ветар, ослободувајќи, прочистувајќи, инспиративно. Тој отвори свет на нови форми, нови материјали, нови комбинации.
Арт Нову беше краткорочен, но неверојатно убав и во исто време многу сложен уметнички феномен кој ги опфаќа апсолутно сите видови уметност, вклучително и накитот. Ерата на Арт Нову му даде на светот цела галаксија на големи мајстори, кои, пак, вдадоа нов живот во уметноста на накит и ја донесоа во првите редови на „последниот одличен стил“. Во оваа статија ќе запознаеме некои од главните ликови на ерата - Рене Лалик, Жорж Фуке, Анри Вевер и Лусиен Гајар.
Генијалниот накит Рене Жил Лалик
Неприкосновен гениј и лидер меѓу златарите од своето време бил извонреден мајстор Рене Лаликво чие дело беше отелотворена самата суштина на францускиот Арт Нову. Неговата употреба на нескапоцени и често кршливи материјали, особено лиено стакло, беше револуционерна за неговото време.
Рене Лалик е роден во 1860 година во гратчето Ај, 28 километри јужно од Ремс. Во 1876 година започнал да учи кај водечкиот париски златар Луис Окок, а во 1878 година заминал во Лондон, каде што студирал исклучиво дизајн во следните две години. Токму ова сеопфатно образование му овозможи самостојно да го произведува целиот свој накит во иднина - од создавање скици до последните допири во готови дела. Во раните години на работа, Лалик направи скици за познати мајстори како Картие, Бушерон, Вевер.
Вториот, пак, одигра важна улога во развојот на сопствениот стил на Лалик. Во 1886 година, Жил Дестап му ја дал својата работилница за накит „како признание за неговиот уникатен талент“. Сега Рене Лалик, имајќи се што е потребно за работа, се сврте кон потрагата по инспирација, која ја најде во идеите на движењето Уметност и занает, кое повикуваше на оживување на уметностите и занаетите и промовираше растителни и животински мотиви. Прифаќајќи ги овие идеи, Лалик еволуираше синхронизирано со нив и стана првиот што го донесе Арт Нову во уметноста на накитот.
Lalique го претстави својот прв Art Nouveau накит на Светската изложба во 1897 година во Брисел. Но, главниот настан на неговата креативна биографија беше Светската изложба во Париз во 1900 година. За неговата изложба на накит, Лалик ја доби Гран при, а владата му додели Орден на Легијата на честа. Тоа беше вистински триумф.
Францускиот критичар Леонсе Бенедит напишал за него како „Вистински иноватор. Тој (Лалик) беше оној кој ги урна старите бариери, ги поништи силните традиции и создаде нов јазик“..
Истражувачите го нарекуваат Рене Лалик мајстор на три „F“ - „femme“, „flore“, „faune“. Жените, флората и фауната заземаа централно место во работата на мајсторот, а жените беа именувани први со причина. Убавите долга коса маскарони и актови стануваат мотив што се повторува во накитот Lalique. И иако Арт Нову генерално се сметаше за женски стил, бидејќи повеќето уметници се свртеа кон женски слики, требаше да се има храброст да се користи грациозното голо женско тело во накитот.
Еден од најпознатите производи на Рене Лалик, во кој тој се осврнува на женската слика, е декорацијата на корсаж „Жена во змеј“, направена од него во 1897-1898 година. Денес се наоѓа во колекцијата на музејот Гулбенкијан во Лисабон, основан од финансиерот и нафтен магнат Калуст Гулбенкијан, кој собра уникатна колекција на дела од Лалик.
Во овој скапоцен камен, Рене Лалик создава многу необичен изглед кој комбинира жена, вилинско коњче и химера. Буквално пред нашите очи се случува фантастична трансформација - од устата на химера со големи шепи со канџи се појавува убава жена со крилја од вилинско коњче наместо раце.
Познато е дека оваа декорација на корзаж беше дел од аутфитот на Сара Бернхард, во кој таа блескаше на театарската сцена. И во 1900 година, „Жената на змејот“, како и голем број дела на Лалик, кои денес се наоѓаат во колекцијата на музејот Гулбенкијан (чешел-дијадема „Петел“, ѓердан-чокер „Шумски пејзаж“, накит од корса „Змии ”) беа прикажани на Светската изложба во Париз и предизвикаа изненадување и восхит, како кај посетителите, така и кај критичарите.
Ѓерданот Forest Landscape е подеднакво извонредна креација на Lalique. Се состои од три дела, кои претставуваат единствена сложена и повеќеслојна композиција. Во преден план Лалик прикажува златни стебла низ кои во средината гледаме езеро од опали, чии прелевања создаваат илузија на движење на водата. Во позадина е брегот на езерото, создаден од дијаманти кои имитираат песок. Оваа декорација импресионира не само со својата необичност, туку и со тоа колку е реален прикажаниот пејзаж.
Шармантни се асиметричните приврзоци од Лалик, на кои златарот прикажува фрагменти од шумски пејзажи - зима или есен. Меѓу нив се издвојува приврзокот Winter Landscape, создаден во 1900-1901 година. Во сложена форма, Lalique става сино-сиво ламинирано стакло со стебла на дрвја кои изгледаат како во магла на зимскиот самрак. Употребата на стакло стана една од карактеристиките на креативноста на Лалик, други познати златари не користеа стакло поради сложениот технолошки процес на неговото создавање. На врвот на стаклената позадина од десната страна, златарецот постави ела покриена со снег направена со техника на емајл. Композицијата е врамена со златни гранки од смрека со влошки од аквамарин и бисерен привезок.
Разновидноста на темите во делата на Лалик беше огромна - пејзажи (шума, зима, пролет), есенски лисја, летни цвеќиња и бобинки, животни и птици, влекачи и инсекти. Но, сите ги обединува сложеноста и уникатноста на композициите, многу темелно разработени детали и нестандардни материјали и техники со кои златарот постојано експериментира. Како што самиот напиша:
„... Морав да одам до крајност за да се откажам од сето она што го постигнав претходно. Работев неуморно: цртање, моделирање, правење технички истражувања и експерименти од секаков вид, секогаш решен да ги завршам работите и да создадам нешто сосема ново“.
По 1910 година, Рене Лалик се концентрирал на работа со стакло и постигнал невидени височини во тоа. Во следните децении се појавија неговите фантастични вазни, светилки, шишиња парфеми, па дури и автомобилски маскоти и архитектонски украси, благодарение на кои неговата слава не избледе до смртта на мајсторот на 1 мај 1945 година. И неговата компанија ја преживеа војната и успешно постои денес.
Златар Жорж Фуке
Друг иконски златар од ерата на Арт Нову беше Жорж Фуке. Роден е во 1862 година кај познатиот златар Алфонс Фуке, кој стана познат во 1870-тите по неговиот неоренесансен накит. Жорж студирал накит кај својот татко и во 1880 година почнал да работи во неговата фирма за накит. Во 1895 година, Алфонс Фуке му го предал управувањето со бизнисот на својот син и тој започнал да работи со ентузијазам, сакајќи да вдахне нов живот во фирмата на неговиот татко.
Златарецот Анри Вевер напиша за него: „Неуморен работник, тој беше фасциниран од сè ново, а неговата потрага по инспирација беше неуморна“.
Во 1898 година, Fouquet го претстави својот прв Art Nouveau накит. Сензуалните заоблени линии, пригушените емајли и суптилните текстури беа многу ефективни и речиси еднакви на накитот René Lalique. Но, самиот Фуке, за разлика од Лалик, не беше дизајнер и привлече многу познати уметници од своето време да работат. Неговата соработка со Алфонс Марија Муча, уметник чие дело исто така стана жив симбол на ерата на Арт Нову, замина во историјата.
Нивното запознавање се случи благодарение на Сара Бернхард, која во 1898 година дојде во продавницата за накит Georges Fouquet со скица на нараквица од змија создадена од Алфонс Муча. Оваа нараквица беше дел од костимот на Медеја од истоимената изведба според драмата на Катул Мендез, која премиерно беше изведена во истата 1898 година.
На плакатот Alfons Mucha, слична нараквица може да се види на раката на Сари Медеа. Веројатно, актерката посакала да го има во животот и му наредила на Алфонс Муча да го дизајнира, а за изведувач го избрала Фуке. Златарот бил толку фасциниран од дизајнот на нараквицата што му предложил на Алфонс Муча да создаде колекција на накит за Светската изложба во Париз во 1900 година. Така се роди серија од чудни ѓердани, сложени брошеви и нараквици со корза, кои иако беа неудобни и прилично тешки, го отелотворија уникатниот стил на Алфонс Муча и ја покажаа вештината на Жорж Фуке.
Посетителите на изложбата ги видоа отелотворените накит од плакатите на Муча. Тие оставија силен впечаток, но критичарите беа остри во нивните оценки, нарекувајќи ги „чудни украси со чудни украси“. Соработката помеѓу Fouquet и Mucha траеше само неколку години, но токму тоа помогна да се промени стилот на накитот на Georges Fouquet и донесе слава на неговата компанија.
Покрај создавањето накит, Фуке пишуваше статии и книги, во една од кои прогласи:
„Не може да опстане луксузниот накит, туку оној во кој цената на материјалите е помала од нивната убавина - аквамарин, аметист, топаз, турмалин. Уметноста која никогаш не старее ќе го продолжи животот на овие накит. Тие никогаш нема да се одвојат за повторна употреба на камењата. Овие работи се првенствено уметнички дела, а не начин за вложување пари.
Златар Анри Вевер
Анри Вевер е третиот херој од оваа приказна и уште еден извонреден мајстор на ерата на Арт Нову. Како и Фуке, Вевер на почетокот на 1821 век беше шеф на семејната компанија за накит Maison Vever, основана од неговиот дедо во 1854 година. Анри Вевер е роден во 1881 година и уште од младоста, заедно со неговиот брат Пол, студирал менаџмент на семејниот бизнис, а студирал и цртање, скулптура и украсен дизајн на Еколата за убави уметности во Париз. Така, до моментот кога таткото на Анри и Пол се пензионирале во XNUMX година, тој имал достојни наследници. Пол беше одговорен за комерцијален развој во фирмата, додека Анри беше одговорен за дизајн и производство на накит. Благодарение на Анри Вевер, стилот на компанијата за накит постепено се трансформираше од историцизам во модерност.
На Светската изложба во Париз во 1900 година, Maison Vever доби второ Гран При за својот извонреден накит во Арт Нову, кој се смета за најдобрите достигнувања на компанијата. Сепак, иако ги имаа сите карактеристични карактеристики на стилот (префинети женски слики, флора и фауна), накитот Анри Вевер беше поконзервативен во споредба со екстравагантните производи на Рене Лалик.
Друга разлика на „Maison Vever“ беше тоа што фирмата работеше главно со благородни метали и скапоцени камења. Анри ја немал истата храброст и интерес за експерименти како неговите колеги, а многу поретко прибегнувал кон евтини материјали.
Покрај накитот, Анри Вевер стана познат како колекционер на јапонски гравури, како и автор на едно од најважните научни дела за накит - „Француски накит од XNUMX век“. Во оваа книга тој детално го опишува развојот на накитот, од ерата на Конзулатот до ерата на Арт Нову.
Маестро Лусиен Гајард
И последниот херој од оваа статија ќе биде Лусиен Гајард. Тој денес е многу помалку познат од Лалик, Фуке, па дури и Вевер, но тој не е помалку важна фигура во уметноста на накитот Арт Нову. Главната разлика помеѓу неговиот накит беше привлечноста кон јапонската уметност.
Јапонската уметност беше еден од главните извори на Арт Нову, таа ги инспирираше европските мајстори со динамичен ритам и флексибилност на линиите за украсување на растенијата, нецелосност на движењето, леснотија и посебна стилизација што ги претвори природните мотиви во украсни дезени.
Лусиен Гајар е роден во 1861 година и, како и двајцата претходни занаетчии, ја започнал својата кариера како ученик на неговиот татко, сребрениот Ернест Гајард. За време на неговото формирање, тој совршено ги совлада техниките на бркање и гравирање на злато и сребро, посетуваше многу различни курсеви за накит од мајсторите Дужардин и Салмон и на крајот го надмина својот татко. Во 1892 година, Ернест Гајард ја дал својата работилница на својот син.
Веќе на почетокот на својата кариера, Лусиен Гајар се заинтересирал за јапонските легури и лакови, кои не се користеле во Франција, но биле толку прекрасни што ги воодушевиле и неговите современици и идните генерации истражувачи на неговата работа.
Златарецот Анри Вевер зборуваше за него вака: „Страсно вљубен во својата професија, неуморен истражувач кој маѓепса со својата работа, Гајард со ентузијазам, со занес ги сфати сите сложени технолошки аспекти на накитот, како што се легурите на накитот, позлата, патинирањето, добивањето одлични резултати.
Како и со другите златари споменати погоре, 1900 година беше од големо значење за Лусиен Гајард. Таа година, во неговиот живот се случија неколку настани одеднаш - тој се здоби со нова зграда, ги покани јапонските мајстори на работа, помагајќи му да ги разбере сложеноста на националната уметност и, се разбира, учествуваше на Светската изложба во Париз, каде што ја доби Гран при, а покрај тоа, тој се запозна со најновите дела на Рене Лалик, кого го нарече инспирација.
Двајцата мајстори имале заедничка карактеристика - и двајцата измислиле нови техники, обидувајќи се да им дадат посебен карактер на нивните дела. Но, она што го разликуваше Гајар од Лалик беше неговата привлечност кон јапонската уметност и јапонските техники, благодарение на што делата на Гајард беа повоздржани во боја и композиција.
Едно од најдобрите дела на Гајард е нараквицата Apple Branch. Златарката успеа да создаде многу интересно, дури и уникатно дело. Во секој елемент на нараквицата, гледаме независна и хармонично изградена камерна слика на цвеќиња на гранки, додека сите елементи се комбинирани во една, подеднакво интегрална композиција. Ова е главниот принцип на јапонските мотиви, кој го следи Гајард - усогласена ритмичка структура на сите композициски елементи.
Грбот на Хризантемата е уште една референца за јапонските мотиви на Гајард. Мајсторот слободно распоредува две цвеќиња, следејќи ги принципите на прикажување на хризантеми во јапонски гравури. Гејард во ова дело користел рог, од кој постепено ги отстранувал слоевите. Со ова, тој постигна проѕирност, наспроти која грациозните цветни ливчиња почнаа да изгледаат обемни. Нагласете го волуменот и млечно сините опали вметнати во јадрото на хризантеми.
Не помалку интересна е и големата фиба од музејот Ријкс во Амстердам, на која Гајард прикажал две вилински коњчиња како се борат за голема цитрина. Природниот мотив е многу натуралистички, динамичен и експресивен. Златарката ја изведе декорацијата со голема реална автентичност, пренесувајќи ја непосредноста на брзото движење на инсектите.
Гајард, исто така, смело комбинира скапоцени и полускапоцени материјали во ова парче накит: крилата на инсектите се направени од проѕирен рог и украсени со смарагди. Врвовите на крилата се покриени со емајл врамени со расфрлање на мали дијаманти. Телата на вилинските коњчиња се изработени од злато и украсени со ленти од темно зелена и сина шампле емајл.
Во 1902 година, неколку дела од Лусиен Гајар беа претставени на изложба во Глазгов и беа толку успешни што после тоа француската влада му додели Легија на честа. Од тој момент, Гејар станал еден од најпознатите француски златари од ерата на Арт Нову, но по 1910 година неговата креативна активност почнала да исчезнува додека конечно завршила во 1925 година.
Секој од хероите на оваа статија имаше свој уникатен стил и свој пристап кон создавање накит, но сите ги обедини желбата да создадат не само скапоцен накит, туку вистински уметнички работи, користејќи за нив и скапоцени камења и метали, и материјали, кои не се сметаат за вредни во накитот. Оригиналните идеи на овие големи мајстори ги претворија полускапоцените метали и камења во вистински уметнички дела, а самите тие беа засекогаш запишани во светската историја.
