Podczas gdy mistrzowie historyzmu odtwarzali i łączyli najróżniejsze style przeszłości, doprowadzając ją do pewnego automatyzmu, secesja wdarła się do sztuki jak wicher, jak świeży morski wiatr, uwalniając, oczyszczając, inspirując. Otworzył świat nowych form, nowych materiałów, nowych kombinacji.
Secesja była krótkotrwałym, ale niezwykle pięknym i jednocześnie bardzo złożonym zjawiskiem artystycznym, które obejmowało absolutnie wszystkie rodzaje sztuki, w tym biżuterię. Epoka Art Nouveau dała światu całą plejadę wielkich mistrzów, którzy z kolei tchnęli nowe życie w sztukę jubilerską i wynieśli ją na pierwszy plan „ostatniego wielkiego stylu”. W tym artykule poznamy kilku głównych bohaterów tamtej epoki - René Lalique, Georgesa Fouqueta, Henri Vevera i Luciena Gaillarda.
Geniusz biżuterii René Jules Lalique
Był niekwestionowanym geniuszem i liderem wśród jubilerów swoich czasów wybitny mistrz René Laliquew którego twórczości zawarta była esencja francuskiej secesji. Wykorzystanie przez niego nieszlachetnych i często kruchych materiałów, zwłaszcza formowanego szkła, było jak na tamte czasy rewolucyjne.
René Lalique urodził się w 1860 roku w małym miasteczku Ay, 28 kilometrów na południe od Reims. W 1876 rozpoczął studia u czołowego paryskiego jubilera Louisa Ococka, aw 1878 wyjechał do Londynu, gdzie przez następne dwa lata studiował wyłącznie wzornictwo. To właśnie ta wszechstronna edukacja pozwoliła mu w przyszłości samodzielnie wytwarzać całą swoją biżuterię – od tworzenia szkiców po ostatnie szlify w gotowych pracach. We wczesnych latach pracy Lalique wykonywał szkice dla tak znanych mistrzów, jak Cartier, Boucheron, Vever.
Ten ostatni z kolei odegrał ważną rolę w rozwoju własnego stylu Lalique. W 1886 roku Jules Destape podarował mu swój warsztat jubilerski „w uznaniu jego wyjątkowego talentu”. Teraz René Lalique, mając wszystko, co niezbędne do pracy, zwrócił się ku poszukiwaniu inspiracji, którą znalazł w ideach ruchu Arts and Crafts, który nawoływał do odrodzenia sztuki i rzemiosła oraz promował motywy roślinne i zwierzęce. Przyjmując te idee, Lalique ewoluował w synchronizacji z nimi i jako pierwszy wprowadził Art Nouveau do sztuki jubilerskiej.
Lalique zaprezentował swoją pierwszą secesyjną biżuterię na Wystawie Światowej w Brukseli w 1897 roku. Ale głównym wydarzeniem jego twórczej biografii była Wystawa Światowa w Paryżu w 1900 roku. Za ekspozycję biżuterii Lalique otrzymał Grand Prix, a rząd przyznał mu Order Legii Honorowej. To był prawdziwy triumf.
Francuski krytyk Léonce Benedite napisał o nim jako „Prawdziwy innowator. On (Lalique) był tym, który zburzył stare bariery, obalił silne tradycje i stworzył nowy język”..
Naukowcy nazywają René Lalique mistrzem trzech „F” - „femme”, „flore”, „faune”. To kobiety, flora i fauna zajmowały centralne miejsce w pracy mistrza, a kobiety zostały wymienione na pierwszym miejscu nie bez powodu. Piękne długowłose maszkaronki i akty stają się powracającym motywem w biżuterii Lalique. I choć secesja była powszechnie uważana za styl kobiecy, skoro większość artystów zwracała się ku kobiecym wizerunkom, trzeba było mieć odwagę, by wykorzystać w biżuterii wdzięczne nagie kobiece ciało.
Jednym z najsłynniejszych wyrobów René Lalique, w którym odwołuje się on do kobiecego wizerunku, jest ozdoba bukiecikowa „Dragonfly Woman”, wykonana przez niego w latach 1897-1898. Dziś znajduje się w zbiorach Muzeum Gulbenkiana w Lizbonie, założonego przez finansistę i magnata naftowego Calouste Gulbenkiana, który zgromadził unikalną kolekcję dzieł Lalique.
W tym klejnocie René Lalique tworzy bardzo niezwykły wygląd, który łączy w sobie kobietę, ważkę i chimerę. Dosłownie na naszych oczach dokonuje się fantastyczna przemiana – z paszczy chimery o dużych szponiastych łapach wyłania się piękna kobieta ze skrzydłami ważki zamiast dłoni.
Wiadomo, że ta dekoracja stanikowa była częścią stroju Sarah Bernhardt, w którym błyszczała na teatralnej scenie. A w 1900 roku „Kobieta ważki”, a także szereg dzieł Lalique, które znajdują się dziś w kolekcji Muzeum Gulbenkiana (grzebień-tiara „Kogucik”, naszyjnik-dławik „Pejzaż leśny”, biżuteria stanikowa „Węże ”) zostały pokazane na Wystawie Światowej w Paryżu i wywołały zdziwienie i podziw zarówno wśród zwiedzających, jak i krytyków.
Naszyjnik typu choker Forest Landscape to równie wyjątkowe dzieło Lalique. Składa się z trzech części, które stanowią jedną złożoną i wieloaspektową kompozycję. Na pierwszym planie Lalique przedstawił złote pnie drzew, przez które w środku widzimy jezioro opali, którego przelewy tworzą iluzję ruchu wody. W tle brzeg jeziora, stworzony z diamentów imitujących piasek. Dekoracja ta zachwyca nie tylko swoją niezwykłością, ale także realizmem przedstawionego krajobrazu.
Urocze są asymetryczne zawieszki Lalique, na których jubiler przedstawia fragmenty leśnych pejzaży - zimowych lub jesiennych. Wśród nich wyróżnia się wisiorek Pejzaż zimowy, powstały w latach 1900-1901. W złożonym kształcie Lalique stawia na niebiesko-szare szkło laminowane z pniami drzew, które wyglądają jak w oparach zimowego zmierzchu. Wykorzystanie szkła stało się jedną z cech twórczości Lalique, inni znani jubilerzy nie używali szkła ze względu na złożony proces technologiczny jego tworzenia. Na szklanym tle po prawej stronie jubiler umieścił ośnieżoną jodłę wykonaną techniką emalii. Kompozycję obramowują złote gałązki świerku z akwamarynowymi wstawkami i perłową zawieszką.
Różnorodność tematów w pracach Lalique była ogromna - pejzaże (las, zima, wiosna), jesienne liście, letnie kwiaty i jagody, zwierzęta i ptaki, gady i owady. Wszystkich jednak łączy złożoność i niepowtarzalność kompozycji, mnóstwo starannie dopracowanych detali oraz niestandardowe materiały i techniki, z którymi jubiler nieustannie eksperymentuje. Jak sam napisał:
„... Musiałem posunąć się do skrajności, aby zrezygnować ze wszystkiego, co osiągnąłem wcześniej. Pracowałem bez wytchnienia: rysując, modelując, przeprowadzając badania techniczne i wszelkiego rodzaju eksperymenty, zawsze zdeterminowany, aby coś zrobić i stworzyć coś zupełnie nowego”.
Po 1910 roku René Lalique skoncentrował się na pracy ze szkłem i osiągnął w tej dziedzinie bezprecedensowe wyżyny. W kolejnych dziesięcioleciach pojawiały się jego fantastyczne wazy, lampy, flakony perfum, a nawet maskotki samochodowe i dekoracje architektoniczne, dzięki którym jego sława nie przeminęła aż do śmierci mistrza 1 maja 1945 roku. A jego firma przetrwała wojnę i z powodzeniem istnieje do dziś.
Jubiler Georges Fouquet
Innym kultowym jubilerem epoki Art Nouveau był Georges Fouquet. Urodził się w 1862 roku jako syn słynnego jubilera Alfonsa Fouqueta, który zasłynął w latach 1870. XIX wieku dzięki swojej neorenesansowej biżuterii. Georges studiował biżuterię z ojcem iw 1880 roku rozpoczął pracę w swojej firmie jubilerskiej. W 1895 roku Alfons Fouquet przekazał prowadzenie firmy swojemu synowi, który z entuzjazmem zabrał się do pracy, chcąc tchnąć nowe życie w firmę ojca.
Jubiler Henri Vever napisał o nim: „Niestrudzony pracownik, fascynowało go wszystko, co nowe, a jego poszukiwanie inspiracji było niestrudzone”.
W 1898 roku Fouquet wprowadził swoją pierwszą biżuterię w stylu Art Nouveau. Zmysłowe zakrzywione linie, stonowane emalie i subtelne faktury były bardzo efektowne i niemal dorównywały biżuterii René Lalique. Ale sam Fouquet, w przeciwieństwie do Lalique, nie był projektantem i przyciągał do pracy wielu znanych artystów swoich czasów. Do historii przeszła jego współpraca z Alfonsem Marią Muchą, artystą, którego twórczość stała się także wyrazistym symbolem epoki secesji.
Ich znajomość nastąpiła dzięki Sarah Bernhardt, która w 1898 roku przyszła do sklepu jubilerskiego Georges Fouquet ze szkicem wężowej bransoletki stworzonej przez Alfonsa Muchę. Ta bransoletka była częścią kostiumu Medei z przedstawienia o tym samym tytule na podstawie sztuki Katula Mendeza, którego premiera miała miejsce w tym samym 1898 roku.
Na plakacie Alfonsa Muchy podobną bransoletkę widać na dłoni Sary Medei. Prawdopodobnie aktorka zapragnęła mieć taki w swoim życiu i zleciła zaprojektowanie go Alfonsowi Muchie, a na wykonawcę wybrała Fouqueta. Jubiler był tak zafascynowany projektem bransoletki, że zaproponował Alfonsowi Muchie stworzenie kolekcji biżuterii na Wystawę Światową w Paryżu w 1900 roku. Tak narodziła się seria fantazyjnych naszyjników, skomplikowanych broszek i bransoletek, które choć niewygodne i raczej ciężkie, ucieleśniały unikalny styl Alfonsa Muchy i demonstrowały umiejętności Georgesa Fouqueta.
Odwiedzający wystawę zobaczyli ucieleśnione klejnoty z plakatów Muchy. Robiły duże wrażenie, ale krytycy byli surowi w ocenach, nazywając je „dziwnymi dekoracjami z dziwnymi dekoracjami”. Współpraca Fouqueta i Muchy trwała zaledwie kilka lat, ale to ona pomogła zmienić styl biżuterii Georgesa Fouqueta i przyniosła sławę jego firmie.
Oprócz tworzenia biżuterii Fouquet pisał artykuły i książki, w jednej z nich głosił:
„Przetrwa nie luksusowa biżuteria, ale taka, w której cena materiałów jest mniejsza niż ich piękno – akwamaryn, ametyst, topaz, turmalin. Sztuka, która nigdy się nie starzeje, przedłuży żywotność tych klejnotów. Nigdy nie zostaną rozebrane w celu ponownego użycia kamieni. Te rzeczy to przede wszystkim dzieła sztuki, a nie sposób na inwestowanie pieniędzy.
Jubiler Henri Vever
Henri Vever to trzeci bohater tej historii i kolejny wybitny mistrz epoki secesji. Podobnie jak Fouquet, Vever na początku XX wieku był szefem rodzinnej firmy jubilerskiej Maison Vever, założonej przez jego dziadka w 1821 roku. Henri Vever urodził się w 1854 roku i od młodości wraz z bratem Paulem studiował zarządzanie rodzinnym biznesem, a także studiował rysunek, modelarstwo i zdobnictwo w Ecole des Beaux-Arts w Paryżu. Tak więc, zanim ojciec Henriego i Paula przeszedł na emeryturę w 1881 roku, miał już godnych następców. Paul był odpowiedzialny za rozwój handlowy w firmie, podczas gdy Henri był odpowiedzialny za projektowanie i produkcję biżuterii. Dzięki Henri Veverowi styl firmy jubilerskiej stopniowo przechodził od historyzmu do nowoczesności.
Na Wystawie Światowej w Paryżu w 1900 roku Maison Vever otrzymał drugie Grand Prix za wykwintną secesyjną biżuterię, uważaną za największe osiągnięcie firmy. Jednak choć posiadały wszystkie charakterystyczne cechy stylu (wyrafinowane kobiece wizerunki, flora i fauna), biżuteria Henri Vever była bardziej konserwatywna w porównaniu z ekstrawaganckimi wyrobami René Lalique.
Kolejną różnicą w „Maison Vever” było to, że firma pracowała głównie z metalami szlachetnymi i kamieniami szlachetnymi. Henri nie miał takiej odwagi i zainteresowania eksperymentami jak jego koledzy i znacznie rzadziej sięgał po niedrogie materiały.
Oprócz biżuterii Henri Vever zasłynął jako kolekcjoner japońskich rycin, a także autor jednej z najważniejszych prac naukowych na temat biżuterii - „Francuska biżuteria XIX wieku”. W książce tej szczegółowo opisuje rozwój biżuterii, od epoki Konsulatu po epokę Art Nouveau.
Maestro Luciena Gaillarda
A ostatnim bohaterem tego artykułu będzie Lucien Gaillard. Znany jest dziś znacznie mniej niż Lalique, Fouquet czy nawet Vever, ale jest nie mniej ważną postacią w secesyjnej sztuce jubilerskiej. Główną różnicą między jego biżuterią było odwołanie się do sztuki japońskiej.
Sztuka japońska była jednym z głównych źródeł secesji, inspirowała europejskich mistrzów dynamicznym rytmem i elastycznością linii dekoracji roślinnej, niekompletnością ruchu, lekkością i specjalną stylizacją, która zamieniała naturalne motywy w dekoracyjne wzory.
Lucien Gaillard urodził się w 1861 roku i podobnie jak dwaj poprzedni rzemieślnicy, rozpoczął karierę jako uczeń swojego ojca, złotnika Ernesta Gaillarda. Podczas swojej formacji doskonale opanował techniki gonienia i grawerowania na złocie i srebrze, uczęszczał na wiele różnych kursów jubilerskich prowadzonych przez mistrzów Dujardina i Salmona, a ostatecznie prześcignął swojego ojca. W 1892 roku Ernest Gaillard przekazał swój warsztat synowi.
Już na początku swojej kariery Lucien Gaillard zainteresował się japońskimi stopami i lakierami, których we Francji nie używano, ale były tak zachwycające, że zadziwiały zarówno jemu współczesnych, jak i przyszłe pokolenia badaczy jego twórczości.
Jubiler Henri Vever mówił o nim w ten sposób: „Namiętnie zakochany w swoim zawodzie, niestrudzony badacz, który oczarował swoją pracą, Gaillard entuzjastycznie, z zachwytem pojął wszystkie złożone aspekty technologiczne biżuterii, takie jak stopy jubilerskie, złocenie, patynowanie, uzyskanie doskonałych rezultatów”.
Podobnie jak w przypadku innych wspomnianych jubilerów, rok 1900 miał ogromne znaczenie dla Luciena Gaillarda. W tym roku w jego życiu wydarzyło się jednocześnie kilka wydarzeń – nabył nowy budynek, zaprosił do pracy japońskich mistrzów, pomagając mu zrozumieć zawiłości sztuki narodowej i oczywiście wziął udział w Wystawie Światowej w Paryżu, gdzie otrzymał nagrodę im. Grand Prix, a poza tym zapoznał się z najnowszymi dziełami René Lalique, którego nazwał swoją inspiracją.
Obaj mistrzowie mieli wspólną cechę – obaj wymyślali nowe techniki, starając się nadać swoim dziełom szczególny charakter. Ale tym, co odróżniało Gaillarda od Lalique'a, było jego odwoływanie się do sztuki japońskiej i technik japońskich, dzięki czemu prace Gaillarda były bardziej powściągliwe w kolorystyce i kompozycji.
Jednym z najlepszych dzieł Gaillarda jest bransoletka Apple Branch. Jubilerowi udało się stworzyć bardzo ciekawe, wręcz unikatowe dzieło. W każdym elemencie bransoletki widzimy niezależny i harmonijnie zbudowany kameralny obraz kwiatów na gałązkach, natomiast wszystkie elementy łączą się w jedną, równie integralną kompozycję. To główna zasada motywów japońskich, którą kieruje się Gaillard - zharmonizowana rytmiczna struktura wszystkich elementów kompozycyjnych.
Herb Chryzantemy to kolejne nawiązanie do japońskich motywów Gaillarda. Mistrz swobodnie układa dwa kwiaty, kierując się zasadami przedstawiania chryzantem na japońskich rycinach. Gaillard użył w tej pracy rogu, z którego stopniowo usuwał warstwy. W ten sposób osiągnął przezroczystość, na tle której pełne wdzięku płatki kwiatów zaczęły wydawać się obszerne. Podkreśl objętość i mlecznoniebieskie opale inkrustowane w rdzeniu chryzantemy.
Nie mniej interesująca jest duża spinka do włosów z amsterdamskiego Rijksmuseum, na której Gaillard przedstawił dwie ważki walczące o wielki cytryn. Naturalny motyw jest bardzo naturalistyczny, dynamiczny i wyrazisty. Jubiler wykonał dekorację z dużą realistyczną autentycznością, oddając bezpośredniość szybkiego ruchu owadów.
W tej biżuterii Gaillard odważnie łączy szlachetne i półszlachetne materiały: skrzydła owadów wykonane są z przezroczystego rogu i ozdobione szmaragdami. Końce skrzydeł pokryte są emalią obramowaną rozsypanymi drobnymi rombami. Korpusy ważek wykonane są ze złota i ozdobione paskami ciemnozielonej i niebieskiej emalii champlevé.
W 1902 roku kilka prac Luciena Gaillarda zostało zaprezentowanych na wystawie w Glasgow i odniosły taki sukces, że po niej rząd francuski przyznał mu Legię Honorową. Od tego momentu Gaillard stał się jednym z najsłynniejszych francuskich jubilerów epoki Art Nouveau, jednak po 1910 roku jego twórczość zaczęła zanikać, aż ostatecznie zakończyła się w 1925 roku.
Każdy z bohaterów tego artykułu miał swój niepowtarzalny styl i własne podejście do tworzenia biżuterii, ale wszystkich łączyła chęć tworzenia nie tylko szlachetnej biżuterii, ale rzeczy prawdziwie artystycznych, wykorzystujących do nich zarówno kamienie szlachetne, jak i metale oraz materiałów, nie uważanych za cenne w biżuterii. Oryginalne pomysły tych wielkich mistrzów zamieniły metale półszlachetne i kamienie w prawdziwe dzieła sztuki, a one same na zawsze zapisały się w historii świata.
