Ndërsa mjeshtrit e historicizmit riprodhuan dhe kombinuan stilet më të ndryshme të së shkuarës, duke e sjellë atë në një automatizëm të caktuar, Art Nouveau shpërtheu në art si një shakullimë, si një erë e freskët deti, duke çliruar, pastruar, frymëzuar. Ai hapi një botë me forma të reja, materiale të reja, kombinime të reja.
Art Nouveau ishte një fenomen artistik afatshkurtër, por tepër i bukur dhe në të njëjtën kohë shumë kompleks që përqafoi absolutisht të gjitha llojet e artit, përfshirë bizhuteritë. Epoka e Art Nouveau i dha botës një galaktikë të tërë mjeshtrash të mëdhenj, të cilët, nga ana tjetër, i dhanë frymë të re artit të bizhuterive dhe e sollën atë në ballë të "stilit të fundit të madh". Në këtë artikull, do të njihemi me disa nga personazhet kryesore të epokës - René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever dhe Lucien Gaillard.
Gjeniu i bizhuterive René Jules Lalique
Gjeniu dhe lideri i padiskutueshëm në mesin e bizhuterive të kohës së tij ishte mjeshtër i shquar René Laliquenë veprën e të cilit mishërohej vetë thelbi i Art Nouveau francez. Përdorimi i tij i materialeve jo të çmuara dhe shpesh të brishta, veçanërisht xhamit të derdhur, ishte revolucionar për kohën e tij.
René Lalique lindi në vitin 1860 në qytetin e vogël Ay, 28 kilometra në jug të Reims. Në 1876 ai filloi të studionte me argjendari kryesor parizian Louis Ocock, dhe në 1878 shkoi në Londër, ku studioi ekskluzivisht dizajn për dy vitet e ardhshme. Ishte ky edukim gjithëpërfshirës që i lejoi atij të prodhonte në mënyrë të pavarur të gjitha bizhuteritë e tij në të ardhmen - nga krijimi i skicave deri tek prekjet përfundimtare në punimet e përfunduara. Në vitet e para të punës, Lalique bëri skica për mjeshtra të tillë të famshëm si Cartier, Boucheron, Vever.
Ky i fundit, nga ana tjetër, luajti një rol të rëndësishëm në zhvillimin e stilit të vetë Lalique. Në 1886, Jules Destape i dha atij punëtorinë e tij të bizhuterive "në njohje të talentit të tij unik". Tani René Lalique, duke pasur gjithçka të nevojshme për punë, iu drejtua kërkimit të frymëzimit, të cilin e gjeti në idetë e lëvizjes Arte dhe Mjeshtëri, e cila kërkonte ringjalljen e arteve dhe zanateve dhe promovonte motive bimore dhe shtazore. Duke përqafuar këto ide, Lalique evoluoi në sinkron me to dhe u bë i pari që solli Art Nouveau në artin e bizhuterive.
Lalique prezantoi bizhuteritë e saj të para Art Nouveau në Ekspozitën Botërore të 1897 në Bruksel. Por ngjarja kryesore e biografisë së tij krijuese ishte Ekspozita Botërore në Paris në 1900. Për ekspozitën e tij të bizhuterive, Lalique mori Çmimin e Madh dhe qeveria i dha Urdhrin e Legjionit të Nderit. Ishte një triumf i vërtetë.
Kritiku francez Léonce Benedite shkroi për të si "Një novator i vërtetë. Ai (Lalique) ishte ai që rrëzoi barrierat e vjetra, përmbysi traditat e forta dhe krijoi një gjuhë të re”..
Studiuesit e quajnë René Lalique mjeshtrin e tre "F" - "femme", "flore", "faune". Ishin gratë, flora dhe fauna ato që zinin një vend qendror në punën e mjeshtrit dhe gratë u emëruan të parat për një arsye. Maskaronat dhe nudot e bukura me flokë të gjatë bëhen një motiv i përsëritur në bizhuteritë Lalique. Dhe megjithëse Art Nouveau përgjithësisht konsiderohej një stil femëror, pasi shumica e artistëve iu drejtuan imazheve femërore, duhej të kishte guximin për të përdorur trupin e hijshëm të zhveshur të femrës në bizhuteri.
Një nga produktet më të famshme të René Lalique, në të cilin ai i referohet imazhit të femrës, është dekorimi i korsazhit "Gruaja pilivesa", i bërë prej tij në vitet 1897-1898. Sot ndodhet në koleksionin e Muzeut Gulbenkian në Lisbonë, i themeluar nga financuesi dhe manjati i naftës Calouste Gulbenkian, i cili grumbulloi një koleksion unik të veprave të Lalique.
Në këtë xhevahir, René Lalique krijon një pamje shumë të pazakontë që ndërthur një grua, një pilivesa dhe një kimerë. Fjalë për fjalë para syve tanë, ndodh një transformim fantastik - një grua e bukur me krahë pilivesa në vend të duarve shfaqet nga goja e një kimere me putra të mëdha me kthetra.
Dihet se ky dekorim i korsazhit ishte pjesë e veshjes së Sarah Bernhardt, me të cilën shkëlqeu në skenën e teatrit. Dhe në vitin 1900, "Gruaja pilivesa", si dhe një numër veprash nga Lalique, të cilat sot gjenden në koleksionin e Muzeut Gulbenkian (krehër-diadem "Cockerel", gjerdan-mbytës "Peizazhi i pyllit", bizhuteri korse "Gjarpërinjtë ”) u shfaqën në Ekspozitën Botërore në Paris dhe shkaktuan habi dhe admirim, si tek vizitorët ashtu edhe tek kritikët.
Gjerdani mbytës i Peizazhit të Pyjeve është një krijim po aq i jashtëzakonshëm nga Lalique. Ai përbëhet nga tre pjesë, të cilat paraqesin një përbërje të vetme komplekse dhe të shumëanshme. Në plan të parë, Lalique paraqiste trungje pemësh të arta, përmes të cilave në pjesën e mesme shohim një liqen me opal, tejmbushjet e të cilit krijojnë iluzionin e lëvizjes së ujit. Në sfond është bregu i liqenit, i krijuar nga diamante që imitojnë rërën. Ky dekorim të bën përshtypje jo vetëm me pazakontësinë e tij, por edhe me sa realist doli të ishte peizazhi i përshkruar.
Varëse asimetrike Lalique janë simpatike, mbi të cilat argjendari përshkruan fragmente të peizazheve pyjore - dimër ose vjeshtë. Ndër to spikat varëse e Peizazhit Dimëror e krijuar në vitet 1900-1901. Në një formë komplekse, Lalique vendos xhami të laminuar në gri blu me trungje pemësh që duken si në një mjegull të muzgut të dimrit. Përdorimi i qelqit është bërë një nga veçoritë e krijimtarisë së Lalique, bizhuteritë e tjerë të njohur nuk e përdorën xhamin për shkak të procesit kompleks teknologjik të krijimit të tij. Mbi sfondin e xhamit në të djathtë, argjendari ka vendosur një bredh të mbuluar me borë të punuar me teknikën e smaltit. Përbërja është e përshtatur nga degë bredhi të arta me futje akuamarinë dhe një varëse perle.
Shumëllojshmëria e temave në veprat e Lalique ishte e madhe - peizazhe (pyll, dimër, pranvera), gjethet e vjeshtës, lulet dhe manaferrat e verës, kafshët dhe zogjtë, zvarranikët dhe insektet. Por të gjithë ata janë të bashkuar nga kompleksiteti dhe veçantia e kompozimeve, shumë detaje të përpunuara plotësisht dhe materiale dhe teknika jo standarde me të cilat argjendari po eksperimenton vazhdimisht. Siç shkruante vetë:
“... Më duhej të shkoja në ekstrem për të hequr dorë nga gjithçka që kisha arritur më parë. Kam punuar pa pushim: vizatim, modelim, duke bërë kërkime teknike dhe eksperimente të të gjitha llojeve, gjithmonë i vendosur për të kryer gjërat dhe për të krijuar diçka krejtësisht të re."
Pas vitit 1910, René Lalique u përqendrua në punën me xhami dhe arriti lartësi të paparë në këtë. Në dekadat në vijim u shfaqën vazot e tij fantastike, llambat, shishet e parfumeve, madje edhe maskotat e automobilave dhe dekorimet arkitekturore, falë të cilave fama e tij nuk u shua deri në vdekjen e mjeshtrit më 1 maj 1945. Dhe kompania e tij i mbijetoi luftës dhe ekziston me sukses sot.
Bizhuteri Georges Fouquet
Një tjetër argjendari ikonë i epokës së Art Nouveau ishte Georges Fouquet. Ai lindi në 1862 nga argjendari i famshëm Alfons Fouquet, i cili u bë i famshëm në vitet 1870 për bizhuteritë e tij të Neo-Rilindjes. Georges studioi bizhuteri me babain e tij dhe në 1880 filloi të punonte në firmën e tij të bizhuterive. Në 1895, Alfons Fouquet ia dorëzoi menaxhimin e biznesit djalit të tij dhe ai filloi të punonte me entuziazëm, duke dashur t'i jepte frymë të re firmës së babait të tij.
Argjendari Henri Vever shkroi për të: "Një punëtor i palodhur, ai ishte i magjepsur nga gjithçka e re, dhe kërkimi i tij për frymëzim ishte i palodhur".
Në 1898, Fouquet prezantoi bizhuteritë e saj të para Art Nouveau. Linjat sensuale të lakuara, smaltet e heshtura dhe teksturat delikate ishin shumë efektive dhe pothuajse të barabarta me bizhuteritë René Lalique. Por vetë Fouquet, ndryshe nga Lalique, nuk ishte një stilist dhe tërhoqi shumë artistë të famshëm të kohës së tij për të punuar. Bashkëpunimi i tij me Alfons Maria Mucha, një artist, puna e të cilit është bërë gjithashtu një simbol i gjallë i epokës së Art Nouveau, ka hyrë në histori.
Njohja e tyre u bë falë Sarah Bernhardt, e cila në 1898 erdhi në dyqanin e bizhuterive Georges Fouquet me një skicë të një byzylyk gjarpri të krijuar nga Alfons Mucha. Ky byzylyk ishte pjesë e kostumit të Medeas nga shfaqja me të njëjtin emër bazuar në shfaqjen e Katul Mendez, e cila u shfaq premierë në të njëjtin 1898.
Në posterin e Alfons Mucha, një byzylyk i ngjashëm mund të shihet në dorën e Sary Medeas. Me siguri, aktorja dëshironte të kishte një të tillë në jetën e saj dhe urdhëroi Alfons Mucha ta dizenjonte dhe zgjodhi Fouquet si interpretues. Argjendari ishte aq i magjepsur nga dizajni i byzylykut sa i sugjeroi Alfons Mucha të krijonte një koleksion bizhuterish për Ekspozitën Botërore të vitit 1900 në Paris. Kështu lindi një sërë gjerdanesh të çuditshme, karfica dhe byzylykë të ndërlikuar me korsazh, të cilat, megjithëse të pakëndshme dhe mjaft të rënda, mishëronin stilin unik të Alfons Mucha dhe demonstruan aftësinë e Georges Fouquet.
Vizitorët në ekspozitë panë bizhuteritë e mishëruara nga posterat e Mucha. Ata lanë përshtypje të fortë, por kritikët ishin të ashpër në vlerësimet e tyre, duke i quajtur “dekorime të çuditshme me dekorime të çuditshme”. Bashkëpunimi mes Fouquet dhe Mucha zgjati vetëm disa vjet, por ishte ai që ndihmoi në ndryshimin e stilit të bizhuterive Georges Fouquet dhe i solli famë kompanisë së tij.
Përveç krijimit të bizhuterive, Fouquet shkroi artikuj dhe libra, në një prej të cilëve ai shpalli:
“Nuk do të mbijetojnë bizhuteritë luksoze, por ato në të cilat çmimi i materialeve është më i vogël se bukuria e tyre - akuamarinë, ametist, topaz, turmalinë. Arti që nuk vjetërohet kurrë do të zgjasë jetën e këtyre bizhuterive. Ata nuk do të ndahen kurrë për të ripërdorur gurët. Këto gjëra janë kryesisht vepra arti, dhe jo një mënyrë për të investuar para.
Argjendari Henri Vever
Henri Vever është heroi i tretë i kësaj historie dhe një tjetër mjeshtër i shquar i epokës së Art Nouveau. Ashtu si Fouquet, Vever në fillim të shekullit të 1821-të ishte kreu i kompanisë familjare të bizhuterive Maison Vever, e themeluar nga gjyshi i tij në 1854. Henri Vever lindi në 1881 dhe që në rini, së bashku me vëllain e tij Paul, studioi menaxhimin e biznesit familjar, si dhe studioi vizatim, modelim dhe dizajn ornamental në Ecole des Beaux-Arts në Paris. Kështu, në kohën kur babai i Henrit dhe Paulit doli në pension në XNUMX, ai kishte pasardhës të denjë. Paul ishte përgjegjës për zhvillimin komercial në firmë, ndërsa Henri ishte përgjegjës për projektimin dhe prodhimin e bizhuterive. Falë Henri Vever, stili i kompanisë së bizhuterive u transformua gradualisht nga historicizëm në modernitet.
Në Ekspozitën Botërore në Paris në 1900, Maison Vever mori një Grand Prix të dytë për bizhuteritë e tij të hollë Art Nouveau, të konsideruara si arritjet më të mira të kompanisë. Megjithatë, megjithëse kishin të gjitha tiparet karakteristike të stilit (imazhe të rafinuara femrash, florë dhe fauna), bizhuteritë Henri Vever ishin më konservatore në krahasim me produktet ekstravagante të René Lalique.
Një tjetër ndryshim i "Maison Vever" ishte se firma punonte kryesisht me metale të çmuara dhe gurë të çmuar. Henri nuk kishte të njëjtin guxim dhe interes për eksperimentet si kolegët e tij, dhe shumë më rrallë përdorte materiale të lira.
Përveç bizhuterive, Henri Vever u bë i famshëm si koleksionist i gdhendjeve japoneze, si dhe autor i një prej veprave më të rëndësishme shkencore mbi bizhuteri - "Bizhuteri franceze e shekullit të XNUMX-të". Në këtë libër, ai përshkruan me detaje zhvillimin e bizhuterive, nga epoka e Konsullatës deri në epokën e Art Nouveau.
Maestro Lucien Gaillard
Dhe heroi i fundit i këtij artikulli do të jetë Lucien Gaillard. Ai njihet sot shumë më pak se Lalique, Fouquet dhe madje edhe Vever, por ai nuk është një figurë më pak e rëndësishme në artin e bizhuterive Art Nouveau. Dallimi kryesor midis bizhuterive të tij ishte tërheqja ndaj artit japonez.
Arti japonez ishte një nga burimet kryesore të Art Nouveau, ai frymëzoi mjeshtrat evropianë me ritmin dinamik dhe fleksibilitetin e linjave të dekorimit të bimëve, paplotësinë e lëvizjes, lehtësinë dhe stilizimin e veçantë që i ktheu motivet natyrore në modele dekorative.
Lucien Gaillard lindi në 1861 dhe, si dy mjeshtrit e mëparshëm, filloi karrierën e tij si student i babait të tij, argjendari Ernest Gaillard. Gjatë formimit të tij, ai zotëroi në mënyrë të përsosur teknikat e ndjekjes dhe gdhendjes në ar dhe argjend, ndoqi shumë kurse të ndryshme bizhuterish nga mjeshtrit Dujardin dhe Salmon dhe përfundimisht ia kaloi babait të tij. Në 1892, Ernest Gaillard i dha punëtorinë e tij djalit të tij.
Tashmë në fillim të karrierës së tij, Lucien Gaillard u interesua për lidhjet dhe llaqet japoneze, të cilat nuk përdoreshin në Francë, por ishin aq të lezetshme sa që mahnitën si bashkëkohësit e tij ashtu edhe brezat e ardhshëm të studiuesve të punës së tij.
Argjendari Henri Vever foli për të në këtë mënyrë: “I dashuruar me pasion me profesionin e tij, një studiues i palodhur që magjepsi me punën e tij, Gaillard me entuziazëm, me entuziazëm i kuptoi të gjitha aspektet komplekse teknologjike të bizhuterive, të tilla si lidhjet e bizhuterive, prarimi, patina, marrja e rezultateve të shkëlqyera.”
Ashtu si me argjendarët e tjerë të përmendur më lart, viti 1900 ishte i një rëndësie të madhe për Lucien Gaillard. Atë vit, disa ngjarje ndodhën në jetën e tij menjëherë - ai fitoi një ndërtesë të re, ftoi mjeshtra japonezë për të punuar, duke e ndihmuar atë të kuptonte ndërlikimet e artit kombëtar dhe, natyrisht, mori pjesë në Ekspozitën Botërore në Paris, ku mori Grand Prix, dhe përveç kësaj, ai u njoh me veprat më të fundit të René Lalique, të cilin ai e quajti frymëzuesin e tij.
Dy mjeshtrat kishin një tipar të përbashkët - ata të dy shpikën teknika të reja, duke u përpjekur t'i jepnin një karakter të veçantë veprave të tyre. Por ajo që e dallonte Gaillard nga Lalique ishte tërheqja e tij ndaj artit japonez dhe teknikave japoneze, falë të cilave veprat e Gaillard ishin më të përmbajtura në ngjyra dhe kompozime.
Një nga veprat më të mira të Gaillard është byzylyku Apple Branch. Argjendari arriti të krijojë një vepër shumë interesante, madje unike. Në secilin element të byzylykut, ne shohim një imazh dhomash të pavarur dhe të ndërtuar në mënyrë harmonike të luleve në degë, ndërsa të gjithë elementët janë të kombinuar në një përbërje të vetme, po aq integrale. Ky është parimi kryesor i motiveve japoneze, të cilin Gaillard e ndjek - një strukturë ritmike e harmonizuar e të gjitha elementeve kompozicionale.
Kreshta e krizantemës është një tjetër referencë për motivet japoneze nga Gaillard. Mjeshtri rregullon lirshëm dy lule, duke ndjekur parimet e paraqitjes së krizantemave në gdhendjet japoneze. Gaillard përdori një bri në këtë punë, nga e cila gradualisht i hoqi shtresat. Duke bërë këtë, ai arriti tejdukshmëri, kundër së cilës petalet e këndshme të luleve filluan të dukeshin voluminoze. Theksoni volumin dhe opalet blu qumështore të futura në thelbin e krizantemave.
Jo më pak interesante është një kapëse flokësh e madhe nga Muzeu Rijks i Amsterdamit, mbi të cilin Gaillard përshkroi dy pilivesa duke luftuar për një citrinë të madhe. Motivi natyror është shumë natyralist, dinamik dhe shprehës. Argjendari e ekzekutoi dekorimin me një autenticitet të madh realist, duke përcjellë menjëhershmërinë e lëvizjes së shpejtë të insekteve.
Gaillard gjithashtu kombinon me guxim materialet e çmuara dhe gjysmë të çmuara në këtë bizhuteri: krahët e insekteve janë bërë me bri transparent dhe të zbukuruar me smerald. Majat e krahëve janë të mbuluara me smalt të përshtatur me një shpërndarje diamantesh të vegjël. Trupat e pilivesave janë prej ari dhe janë zbukuruar me vija të smaltit të gjelbër të errët dhe blu.
Në vitin 1902, disa vepra të Lucien Gaillard u prezantuan në një ekspozitë në Glasgow dhe patën një sukses të tillë, saqë pas saj qeveria franceze i dha Legjionin e Nderit. Që nga ai moment, Gaillard u bë një nga argjendaritë më të famshëm francezë të epokës së Art Nouveau, por pas vitit 1910 aktiviteti i tij krijues filloi të shuhej derisa përfundoi përfundimisht në 1925.
Secili nga heronjtë e këtij artikulli kishte stilin e tij unik dhe qasjen e tij për krijimin e bizhuterive, por të gjithë ata ishin të bashkuar nga dëshira për të krijuar jo vetëm bizhuteri të çmuara, por gjëra vërtet artistike, duke përdorur për ta si gurë të çmuar ashtu edhe metale, dhe materiale që nuk konsiderohen të vlefshme në bizhuteri. Idetë origjinale të këtyre mjeshtërve të mëdhenj i kthyen metalet dhe gurët gjysmë të çmuar në vepra të vërteta arti, dhe ata vetë u futën përgjithmonë në historinë botërore.
