Habang ang mga masters ng historicism ay muling ginawa at pinagsama ang pinaka magkakaibang mga istilo ng nakaraan, dinadala ito sa isang tiyak na automatism, ang Art Nouveau ay sumabog sa sining tulad ng isang ipoipo, tulad ng isang sariwang hangin sa dagat, nagpapalaya, naglilinis, nagbibigay inspirasyon. Binuksan niya ang isang mundo ng mga bagong anyo, mga bagong materyales, mga bagong kumbinasyon.
Ang Art Nouveau ay isang panandalian, ngunit hindi kapani-paniwalang maganda at kasabay nito ay napakakomplikadong artistikong phenomenon na ganap na sumasaklaw sa lahat ng uri ng sining, kabilang ang alahas. Ang panahon ng modernidad ay nagbigay sa mundo ng isang buong kalawakan ng mga dakilang masters, na, sa turn, ay huminga ng bagong buhay sa sining ng alahas at dinala ito sa harapan ng "huling mahusay na istilo". Sa artikulong ito, makikilala natin ang ilan sa mga pangunahing tauhan ng panahon - sina René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever at Lucien Gaillard.
Henyo sa alahas na si René Jules Lalique
Ang hindi mapag-aalinlanganang henyo at pinuno sa mga mag-aalahas sa kanyang panahon ay natatanging master René Laliquena kung saan ang gawain ang pinakadiwa ng French Art Nouveau ay katawanin. Ang kanyang paggamit ng hindi mahalaga at madalas na malutong na mga materyales, lalo na ang hinulma na salamin, ay rebolusyonaryo para sa kanyang panahon.
Si René Lalique ay ipinanganak noong 1860 sa maliit na bayan ng Ay, 28 kilometro sa timog ng Reims. Noong 1876 nagsimula siyang mag-aral kasama ang nangungunang Parisian jeweler na si Louis Ocock, at noong 1878 ay nagpunta sa London, kung saan nag-aral siya ng disenyo ng eksklusibo para sa susunod na dalawang taon. Ang komprehensibong edukasyon na ito ang nagpapahintulot sa kanya na independiyenteng gumawa ng lahat ng kanyang mga alahas sa hinaharap - mula sa paglikha ng mga sketch hanggang sa mga huling pagpindot sa mga natapos na gawa. Sa mga unang taon ng trabaho, gumawa si Lalique ng mga sketch para sa mga sikat na master tulad ng Cartier, Boucheron, Vever.
Ang huli naman ay may mahalagang papel sa pagbuo ng sariling istilo ni Lalique. Noong 1886, binigyan siya ni Jules Destape ng kanyang pagawaan ng alahas "bilang pagkilala sa kanyang natatanging talento." Ngayon, si René Lalique, na mayroong lahat ng kailangan para sa trabaho, ay bumaling sa paghahanap ng inspirasyon, na natagpuan niya sa mga ideya ng kilusang Arts and Crafts, na nanawagan para sa muling pagkabuhay ng mga sining at sining at itinaguyod ang mga motif ng halaman at hayop. Sa pagyakap sa mga ideyang ito, umunlad si Lalique kasabay ng mga ito at naging unang nagdala ng Art Nouveau sa sining ng alahas.
Iniharap ni Lalique ang una nitong Art Nouveau na alahas sa 1897 World Exhibition sa Brussels. Ngunit ang pangunahing kaganapan ng kanyang malikhaing talambuhay ay ang World Exhibition sa Paris noong 1900. Para sa kanyang paglalahad ng alahas, natanggap ni Lalique ang Grand Prix, at iginawad sa kanya ng gobyerno ang Order of the Legion of Honor. Ito ay isang tunay na tagumpay.
Isinulat siya ng kritikong Pranses na si Léonce Benedite bilang "Isang tunay na innovator. Siya (Lalique) ang nagwasak ng mga lumang hadlang, bumagsak sa matitinding tradisyon at lumikha ng bagong wika.".
Tinatawag ng mga mananaliksik si René Lalique ang master ng tatlong "F" - "femme", "flore", "faune". Ito ay mga kababaihan, flora at fauna na sumakop sa isang sentral na lugar sa trabaho ng master, at ang mga babae ay pinangalanan muna para sa isang dahilan. Ang magagandang mahaba ang buhok na mga mascaron at nudes ay nagiging paulit-ulit na motif sa mga alahas ng Lalique. At kahit na ang Art Nouveau ay karaniwang itinuturing na isang istilong pambabae, dahil karamihan sa mga artista ay bumaling sa mga babaeng imahe, ang isa ay kailangang magkaroon ng lakas ng loob na gamitin ang magandang hubad na katawan ng babae sa alahas.
Isa sa mga pinakatanyag na produkto ni René Lalique, kung saan tinutukoy niya ang babaeng imahe, ay ang "Dragonfly Woman" corsage decoration, na ginawa niya noong 1897-1898. Ngayon ito ay nasa koleksyon ng Gulbenkian Museum sa Lisbon, na itinatag ng financier at oil magnate na si Calouste Gulbenkian, na nagtipon ng isang natatanging koleksyon ng mga gawa ng Lalique.
Sa hiyas na ito, si René Lalique ay lumilikha ng isang napaka hindi pangkaraniwang hitsura na pinagsasama ang isang babae, isang tutubi at isang chimera. Sa literal sa harap ng ating mga mata, isang kamangha-manghang pagbabago ang nagaganap - isang magandang babae na may mga pakpak ng tutubi sa halip na mga kamay ay lumilitaw mula sa bibig ng isang chimera na may malalaking clawed paws.
Nabatid na ang dekorasyong corsage na ito ay bahagi ng outfit ni Sarah Bernhardt, kung saan siya ay sumikat sa entablado ng teatro. At noong 1900, ang "Dragonfly Woman", pati na rin ang isang bilang ng mga gawa ni Lalique, ngayon sa koleksyon ng Gulbenkian Museum (comb-tiara "Cockerel", necklace-choker "Forest Landscape", corsage na alahas na "Snakes") ay ipinakita sa World Exhibition sa Paris at nagdulot ng sorpresa at paghanga, kapwa sa mga bisita at kritiko.
Ang Forest Landscape choker necklace ay isang natatanging likha ni Lalique. Binubuo ito ng tatlong bahagi, na nagpapakita ng isang kumplikado at multifaceted na komposisyon. Sa harapan, inilalarawan ni Lalique ang mga gintong puno ng kahoy, kung saan sa gitnang lupa ay nakikita natin ang isang lawa ng mga opal, na ang mga pag-apaw ay lumilikha ng ilusyon ng paggalaw ng tubig. Sa background ay ang baybayin ng lawa, na nilikha mula sa mga diamante na ginagaya ang buhangin. Ang palamuti na ito ay humanga hindi lamang sa hindi pangkaraniwan nito, kundi pati na rin sa kung gaano makatotohanan ang itinatanghal na tanawin.
Ang Asymmetric Lalique pendants ay kaakit-akit, kung saan ang mag-aalahas ay naglalarawan ng mga fragment ng mga landscape ng kagubatan - taglamig o taglagas. Kabilang sa mga ito, ang pendant ng Winter Landscape, na nilikha noong 1900-1901, ay namumukod-tangi. Sa isang kumplikadong hugis, inilalagay ni Lalique ang asul na kulay-abo na nakalamina na salamin na may mga putot ng puno na tila nasa manipis na ulap ng taglamig na takip-silim. Ang paggamit ng salamin ay naging isa sa mga tampok ng pagkamalikhain ni Lalique, ang ibang mga kilalang alahas ay hindi gumamit ng salamin dahil sa masalimuot na teknolohikal na proseso ng paglikha nito. Sa ibabaw ng glass background sa kanan, naglagay ang mag-aalahas ng snow-covered fir tree na ginawa gamit ang enamel technique. Ang komposisyon ay naka-frame sa pamamagitan ng mga gintong sanga ng spruce na may mga pagsingit ng aquamarine at isang palawit na perlas.
Napakalaki ng iba't ibang paksa sa mga akda ni Lalique - mga tanawin (kagubatan, taglamig, tagsibol), mga dahon ng taglagas, mga bulaklak at berry sa tag-araw, mga hayop at ibon, mga reptilya at mga insekto. Ngunit ang lahat ng mga ito ay pinagsama ng pagiging kumplikado at pagiging natatangi ng mga komposisyon, maraming mga detalye at hindi pamantayang mga materyales at pamamaraan kung saan ang mag-aalahas ay patuloy na nag-eeksperimento. Tulad ng isinulat niya mismo:
“... I had to go to the extreme to give up everything that I had achieved before. Nagtrabaho ako nang walang humpay: pagguhit, pagmomodelo, paggawa ng teknikal na pananaliksik at mga eksperimento sa lahat ng uri, palaging determinadong gawin ang mga bagay at lumikha ng isang bagay na ganap na bago."
Pagkatapos ng 1910, si René Lalique ay nakatuon sa pagtatrabaho sa salamin at nakamit ang hindi pa nagagawang taas dito. Sa mga sumunod na dekada, lumitaw ang kanyang kamangha-manghang mga plorera, lampara, bote ng pabango, at maging ang mga maskot ng sasakyan at mga dekorasyon sa arkitektura, salamat sa kung saan ang kanyang katanyagan ay hindi kumupas hanggang sa pagkamatay ng master noong Mayo 1, 1945. At ang kanyang kumpanya ay nakaligtas sa digmaan at matagumpay na umiiral ngayon.
Mag-aalahas na si Georges Fouquet
Ang isa pang iconic na mag-aalahas ng panahon ng Art Nouveau ay si Georges Fouquet. Ipinanganak siya noong 1862 sa sikat na alahero na si Alfons Fouquet, na naging tanyag noong 1870s para sa kanyang Neo-Renaissance na alahas. Nag-aral ng alahas si Georges kasama ang kanyang ama at noong 1880 ay nagsimulang magtrabaho sa kanyang kumpanya ng alahas. Noong 1895, ipinasa ni Alfons Fouquet ang pamamahala ng negosyo sa kanyang anak, at nagsimula siyang magtrabaho nang may sigasig, na gustong makahinga ng bagong buhay sa kompanya ng kanyang ama.
Ang mag-aalahas na si Henri Vever ay sumulat tungkol sa kanya: "Isang walang pagod na manggagawa, siya ay nabighani sa lahat ng bago, at ang kanyang paghahanap ng inspirasyon ay walang kapaguran".
Noong 1898, ipinakilala ni Fouquet ang una nitong Art Nouveau na alahas. Napaka-epektibo at halos katumbas ng mga alahas na René Lalique, mga naka-mute na enamel, at banayad na texture. Ngunit si Fouquet mismo, hindi katulad ni Lalique, ay hindi isang taga-disenyo at nakaakit ng maraming sikat na artista sa kanyang panahon upang magtrabaho. Ang kanyang pakikipagtulungan kay Alfons Maria Mucha, isang artista na ang gawa ay naging isang matingkad na simbolo ng panahon ng Art Nouveau, ay nawala sa kasaysayan.
Ang kanilang kakilala ay naganap salamat kay Sarah Bernhardt, na noong 1898 ay dumating sa Georges Fouquet na tindahan ng alahas na may sketch ng isang snake bracelet na nilikha ni Alfons Mucha. Ang pulseras na ito ay bahagi ng costume ng Medea mula sa pagtatanghal ng parehong pangalan batay sa dula ni Katul Mendez, na nag-premiere sa parehong 1898.
Sa poster ng Alfons Mucha, makikita ang isang katulad na pulseras sa kamay ni Sary Medea. Marahil, nais ng aktres na magkaroon ng isa sa kanyang buhay, at inutusan si Alfons Mucha na idisenyo ito, at pinili si Fouquet bilang tagapalabas. Ang mag-aalahas ay labis na nabighani sa disenyo ng pulseras na iminungkahi niya na gumawa si Alfons Mucha ng isang koleksyon ng mga alahas para sa 1900 World Exhibition sa Paris. Sa gayon ay ipinanganak ang isang serye ng mga kakaibang kuwintas, masalimuot na mga brooch ng corsage at mga pulseras, na, bagaman hindi komportable at medyo mabigat, ay naglalaman ng natatanging istilo ni Alfons Mucha at ipinakita ang husay ni Georges Fouquet.
Nakita ng mga bisita sa eksibisyon ang mga embodied jewels mula sa mga poster ni Mucha. Gumawa sila ng isang malakas na impression, ngunit ang mga kritiko ay malupit sa kanilang mga pagtatasa, na tinatawag silang "mga kakaibang dekorasyon na may kakaibang mga dekorasyon." Ang pakikipagtulungan sa pagitan ng Fouquet at Mucha ay tumagal lamang ng ilang taon, ngunit ito ang tumulong na baguhin ang estilo ng alahas ni Georges Fouquet at nagdala ng katanyagan sa kanyang kumpanya.
Bilang karagdagan sa paglikha ng alahas, sumulat si Fouquet ng mga artikulo at libro, kung saan ang isa ay ipinahayag niya:
"Hindi marangyang alahas ang mabubuhay, ngunit ang mga kung saan ang presyo ng mga materyales ay mas mababa kaysa sa kanilang kagandahan - aquamarine, amethyst, topaz, tourmaline. Ang sining na hindi tumatanda ay magpapahaba sa buhay ng mga hiyas na ito. Hinding-hindi sila aalisin upang muling gamitin ang mga bato. Ang mga bagay na ito ay pangunahing mga gawa ng sining, at hindi isang paraan upang mamuhunan ng pera.
Alahas na si Henri Vever
Si Henri Vever ang pangatlong bayani ng kwentong ito at isa pang natatanging master ng Art Nouveau era. Tulad ni Fouquet, si Vever sa simula ng ika-1821 siglo ay ang pinuno ng kumpanya ng alahas ng pamilya na Maison Vever, na itinatag ng kanyang lolo noong 1854. Si Henri Vever ay ipinanganak noong 1881 at mula sa kanyang kabataan, kasama ang kanyang kapatid na si Paul, ay nag-aral ng pamamahala ng negosyo ng pamilya, at nag-aral din ng pagguhit, pagmomolde at disenyo ng ornamental sa Ecole des Beaux-Arts sa Paris. Kaya naman, nang magretiro ang ama nina Henri at Paul noong XNUMX, mayroon na siyang karapat-dapat na mga kahalili. Si Paul ay responsable para sa komersyal na pag-unlad sa kumpanya, habang si Henri ay responsable para sa disenyo at produksyon ng mga alahas. Salamat kay Henri Vever, ang istilo ng kumpanya ng alahas ay unti-unting nagbago mula sa historicism tungo sa modernity.
Sa World Exhibition sa Paris noong 1900, nakatanggap ang Maison Vever ng pangalawang Grand Prix para sa katangi-tanging Art Nouveau na alahas, na itinuturing na pinakamahusay na mga nagawa ng kumpanya. Gayunpaman, bagama't mayroon silang lahat ng mga katangian ng estilo (pinong mga larawang babae, flora at fauna), ang alahas ni Henri Vever ay mas konserbatibo kumpara sa mga maluho na produkto ng René Lalique.
Ang isa pang pagkakaiba ng "Maison Vever" ay ang kumpanya ay pangunahing nagtatrabaho sa mga mahalagang metal at mahalagang bato. Si Henri ay walang parehong tapang at interes sa mga eksperimento tulad ng kanyang mga kasamahan, at mas madalas na gumamit ng mga murang materyales.
Bilang karagdagan sa alahas, si Henri Vever ay naging tanyag bilang isang kolektor ng mga ukit ng Hapon, pati na rin ang may-akda ng isa sa pinakamahalagang gawaing pang-agham sa alahas - "French Jewelry of the XNUMXth Century". Sa aklat na ito, inilarawan niya nang detalyado ang pag-unlad ng alahas, mula sa panahon ng Konsulado hanggang sa panahon ng Art Nouveau.
Maestro Lucien Gaillard
At ang huling bayani ng artikulong ito ay si Lucien Gaillard. Siya ay mas kilala ngayon kaysa kay Lalique, Fouquet at maging kay Vever, ngunit siya ay hindi gaanong mahalagang pigura sa sining ng alahas ng Art Nouveau. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng kanyang alahas ay ang apela sa sining ng Hapon.
Ang sining ng Hapon ay isa sa mga pangunahing pinagmumulan ng Art Nouveau, nagbigay inspirasyon ito sa mga European masters na may pabago-bagong ritmo at flexibility ng mga linya ng dekorasyon ng halaman, hindi kumpleto ng paggalaw, liwanag at espesyal na stylization na naging natural na mga motif sa mga pandekorasyon na pattern.
Si Lucien Gaillard ay isinilang noong 1861 at, tulad ng dalawang dating manggagawa, nagsimula ang kanyang karera bilang isang estudyante ng kanyang ama, panday-pilak na si Ernest Gaillard. Sa kanyang pagbuo, ganap niyang pinagkadalubhasaan ang mga pamamaraan ng paghabol at pag-ukit sa ginto at pilak, dumalo sa maraming iba't ibang mga kurso sa alahas ng mga master na sina Dujardin at Salmon, at kalaunan ay nalampasan ang kanyang ama. Noong 1892, ibinigay ni Ernest Gaillard ang kanyang pagawaan sa kanyang anak.
Sa simula ng kanyang karera, si Lucien Gaillard ay naging interesado sa mga haluang metal at barnis ng Hapon, na hindi ginamit sa Pransya, ngunit napakasaya na namangha sila sa kanyang mga kontemporaryo at sa hinaharap na mga henerasyon ng mga mananaliksik ng kanyang trabaho.
Ang mag-aalahas na si Henri Vever ay nagsalita tungkol sa kanya sa ganitong paraan: "Masigasig na nagmamahal sa kanyang propesyon, isang walang sawang mananaliksik na nabighani sa kanyang trabaho, si Gaillard ay masigasig, na may rapture na naunawaan ang lahat ng kumplikadong teknolohikal na aspeto ng alahas, tulad ng mga haluang metal ng alahas, paggilding, patination, pagkuha ng mahusay na mga resulta."
Tulad ng iba pang mga alahas na nabanggit sa itaas, ang taong 1900 ay napakahalaga kay Lucien Gaillard. Sa taong iyon, maraming mga kaganapan ang nangyari sa kanyang buhay nang sabay-sabay - nakakuha siya ng isang bagong gusali, inanyayahan ang mga Japanese masters na magtrabaho, tinulungan siyang maunawaan ang mga intricacies ng pambansang sining at, siyempre, nakibahagi sa World Exhibition sa Paris, kung saan natanggap niya ang Grand Prix, at bukod pa rito, nakilala niya ang pinakabagong mga gawa ni René Lalique, na tinawag niyang inspirasyon.
Ang dalawang master ay may isang karaniwang tampok - pareho silang nag-imbento ng mga bagong diskarte, sinusubukan na magbigay ng isang espesyal na karakter sa kanilang mga gawa. Ngunit ang ipinagkaiba ni Gaillard mula kay Lalique ay ang kanyang pag-apila sa sining ng Hapon at mga diskarteng Hapones, salamat sa kung saan ang mga gawa ni Gaillard ay mas pinigilan sa kulay at komposisyon.
Isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Gaillard ay ang Apple Branch bracelet. Nagawa ng mag-aalahas na lumikha ng isang napaka-kawili-wili, kahit na natatanging gawain. Sa bawat elemento ng pulseras, nakikita natin ang isang independiyente at maayos na binuo na imahe ng silid ng mga bulaklak sa mga sanga, habang ang lahat ng mga elemento ay pinagsama sa isang solong, pantay na integral na komposisyon. Ito ang pangunahing prinsipyo ng mga Japanese motif, na sinusunod ni Gaillard - isang harmonized na ritmikong istraktura ng lahat ng mga elemento ng komposisyon.
Ang crest ng Chrysanthemum ay isa pang reference sa Japanese motifs ni Gaillard. Ang master ay malayang nag-aayos ng dalawang bulaklak, na sumusunod sa mga prinsipyo ng pagpapakita ng mga chrysanthemum sa mga ukit ng Hapon. Gumamit si Gaillard ng sungay sa gawaing ito, kung saan unti-unti niyang inalis ang mga layer. Sa pamamagitan ng paggawa nito, nakamit niya ang translucency, kung saan ang mga magagandang bulaklak na petals ay nagsimulang tila napakalaki. Bigyang-diin ang volume at milky blue opal na nakalagay sa core ng chrysanthemums.
Hindi gaanong kawili-wili ang isang malaking hairpin mula sa Amsterdam Rijksmuseum, kung saan inilarawan ni Gaillard ang dalawang tutubi na nakikipaglaban sa isang malaking citrine. Ang natural na motif ay napaka naturalistic, dynamic at nagpapahayag. Ang mag-aalahas ay nagsagawa ng dekorasyon na may mahusay na makatotohanang pagiging tunay, na naghahatid ng kamadalian ng mabilis na paggalaw ng mga insekto.
Matapang din na pinagsasama ni Gaillard ang mga mahal at semi-mahalagang materyales sa piraso ng alahas na ito: ang mga pakpak ng insekto ay gawa sa transparent na sungay at pinalamutian ng mga esmeralda. Ang mga dulo ng mga pakpak ay natatakpan ng enamel na naka-frame na may nakakalat na maliliit na diamante. Ang mga katawan ng tutubi ay gawa sa ginto at pinalamutian ng mga guhit ng madilim na berde at asul na champlevé enamel.
Noong 1902, ilang mga gawa ni Lucien Gaillard ang ipinakita sa isang eksibisyon sa Glasgow at naging isang tagumpay na pagkatapos nito ay iginawad sa kanya ng gobyernong Pranses ang Legion of Honor. Mula sa sandaling iyon, si Gaillard ay naging isa sa mga pinakasikat na French jeweler sa panahon ng Art Nouveau, ngunit pagkatapos ng 1910 ang kanyang malikhaing aktibidad ay nagsimulang maglaho hanggang sa wakas ay natapos noong 1925.
Ang bawat isa sa mga bayani ng artikulong ito ay may kani-kaniyang kakaibang istilo at sariling diskarte sa paglikha ng alahas, ngunit lahat sila ay nagkakaisa ng pagnanais na lumikha hindi lamang ng mahalagang alahas, ngunit tunay na masining na mga bagay, gamit para sa kanila ang parehong mga mahalagang bato at metal, at materyales, hindi itinuturing na mahalaga sa alahas. Ang orihinal na mga ideya ng mga dakilang master na ito ay naging mga semi-mahalagang metal at bato sa mga tunay na gawa ng sining, at sila mismo ay walang hanggan na nakasulat sa kasaysayan ng mundo.
