Kui historitsismi meistrid reprodutseerisid ja kombineerisid kõige eriilmelisemaid mineviku stiile, viies selle teatud automatismi, siis juugend purskas kunstiks nagu pööris, nagu värske meretuul, vabastades, puhastades, inspireerides. Ta avas uute vormide, uute materjalide, uute kombinatsioonide maailma.
Juugend oli lühiajaline, kuid uskumatult ilus ja samas väga keeruline kunstinähtus, mis hõlmas absoluutselt kõiki kunstiliike, sealhulgas ehteid. Modernsuse ajastu andis maailmale terve galaktika suuri meistreid, kes omakorda puhusid ehtekunstile uue elu sisse ja tõid selle “viimase suure stiili” esiplaanile. Selles artiklis tutvume mõne ajastu peategelastega – René Lalique’i, Georges Fouquet’, Henri Veveri ja Lucien Gaillardiga.
Ehtegeenius René Jules Lalique
Omaaegsete juveliiride seas oli vaieldamatu geenius ja liider silmapaistev meister René Laliquekelle loomingus kehastus just prantsuse juugendstiili olemus. Tema ebaväärtuslike ja sageli rabedate materjalide, eriti vormitud klaasi kasutamine oli tema aja jaoks revolutsiooniline.
René Lalique sündis 1860. aastal Reimsist 28 kilomeetrit lõuna pool asuvas Ay väikelinnas. 1876. aastal asus ta õppima Pariisi juhtiva juveliiri Louis Ococki juurde ning 1878. aastal läks Londonisse, kus õppis järgmise kahe aasta jooksul eranditult disaini. Just see põhjalik haridus võimaldas tal tulevikus iseseisvalt valmistada kõiki oma ehteid - alates visandite loomisest kuni valmistööde viimase lihvini. Töö algusaastatel tegi Lalique visandeid sellistele kuulsatele meistritele nagu Cartier, Boucheron, Vever.
Viimasel oli omakorda oluline roll Lalique’i enda stiili kujunemisel. 1886. aastal andis Jules Destape talle oma ehtetöökoja "tunnustamiseks tema ainulaadse ande eest". Nüüd pöördus René Lalique, kellel oli kõik tööks vajalik, inspiratsiooni otsimise poole, mille leidis kunsti ja käsitöö taaselustamise ning taime- ja loomamotiive propageeriva Arts and Crafts liikumise ideedest. Neid ideid omaks võttes arenes Lalique nendega sünkroonis ja temast sai esimene, kes tõi juveelikunsti juugendstiili.
Lalique esitles oma esimesi juugendstiilis ehteid 1897. aasta maailmanäitusel Brüsselis. Kuid tema loomingulise biograafia peasündmuseks oli maailmanäitus Pariisis 1900. aastal. Ehtenäituse eest sai Lalique Grand Prix ja valitsus autasustas teda Auleegioni ordeniga. See oli tõeline triumf.
Prantsuse kriitik Léonce Benedite kirjutas temast kui "Tõeline uuendaja. Tema (Lalique) oli see, kes lõhkus vanad barjäärid, lükkas ümber tugevad traditsioonid ja lõi uue keele..
Teadlased nimetavad René Lalique'i kolme "F" - "femme", "flore", "faune" meistriks. Just naised, taimestik ja loomastik olid meistri töös kesksel kohal ning naisi nimetati põhjusega esikohale. Kaunid pikakarvalised mascaronid ja aktid muutuvad Lalique ehete läbivaks motiiviks. Ja kuigi juugendstiili peeti üldiselt naiselikuks stiiliks, siis kuna enamik kunstnikke pöördus naisepiltide poole, pidi olema julgust kasutada ehetes graatsilist alasti naisekeha.
Üks René Lalique’i kuulsamaid tooteid, milles ta viitab naise kuvandile, on korsažidekoratsioon "Dragonfly Woman", mille valmistas ta aastatel 1897-1898. Täna on see Lissaboni Gulbenkiani muuseumi kogus, mille asutas rahast ja naftamagnaat Calouste Gulbenkian, kes kogus ainulaadse Lalique'i teoste kollektsiooni.
Selles ehtes loob René Lalique väga ebatavalise välimuse, mis ühendab endas naise, kimääri ja kimääri. Sõna otseses mõttes meie silme all toimub fantastiline transformatsioon - suurte küünistega käppadega kimääri suust ilmub kaunis naine, kellel on käte asemel hoopis kimääri tiivad.
Teadaolevalt kuulus see korsaažikaunistus Sarah Bernhardti riietusse, milles ta teatrilaval säras. Ja 1900. aastal "Dragonfly Woman", samuti mitmed Lalique'i teosed, mis on tänapäeval Gulbenkiani muuseumi kollektsioonis (kamm-tiaara "Cockerel", kaelakee-kübar "Metsamaastik", korsaažiehted "Maod" ”) näidati Pariisi maailmanäitusel ning tekitasid üllatust ja imetlust nii külastajate kui kriitikute seas.
Forest Landscape choker kaelakee on Lalique'i sama silmapaistev looming. See koosneb kolmest osast, mis kujutavad endast üht keerukat ja mitmetahulist kompositsiooni. Esiplaanil kujutas Lalique kuldseid puutüvesid, mille keskosas näeme opaalide järve, mille ülevoolud loovad illusiooni vee liikumisest. Taamal on liiva imiteerivatest teemantidest loodud järve kallas. See kaunistus avaldab muljet mitte ainult oma ebatavalisusega, vaid ka sellega, kui realistlikuks kujutatud maastik osutus.
Võluvad on asümmeetrilised Lalique ripatsid, millel juveliir kujutab killukesi metsamaastikest - talvel või sügisel. Nende hulgast paistab silma 1900-1901 loodud Talvemaastiku ripats. Keerulise kujuga Lalique paneb sinakashalli lamineeritud klaasi puutüvedega, mis paistavad justkui talvehämaruses. Klaasi kasutamine on saanud üheks Lalique’i loovuse tunnuseks, teised tuntud juveliirid ei kasutanud klaasi selle loomise keeruka tehnoloogilise protsessi tõttu. Parempoolse klaastausta peale on juveliir asetanud emailitehnikas valmistatud lumise kuusepuu. Kompositsiooni raamivad kuldsed kuuseoksad akvamariini vahetükkidega ja pärliripats.
Teemade mitmekesisus Lalique’i töödes oli tohutu – maastikud (mets, talv, kevad), sügislehed, suvelilled ja marjad, loomad ja linnud, roomajad ja putukad. Kuid neid kõiki ühendab kompositsioonide keerukus ja kordumatus, palju põhjalikult läbitöötatud detaile ning ebastandardsed materjalid ja tehnikad, millega ehtemeister pidevalt katsetab. Nagu ta ise kirjutas:
“... pidin minema äärmusesse, et loobuda kõigest, mida olin varem saavutanud. Töötasin järeleandmatult: joonistasin, modelleerisin, tegin kõikvõimalikke tehnilisi uuringuid ja katsetusi, olles alati otsustanud asju korda saata ja luua midagi täiesti uut.
Pärast 1910. aastat keskendus René Lalique klaasiga töötamisele ja saavutas selles enneolematuid kõrgusi. Järgnevatel aastakümnetel ilmusid tema fantastilised vaasid, lambid, parfüümipudelid ning isegi automaskotid ja arhitektuursed kaunistused, tänu millele ei kustunud tema kuulsus kuni meistri surmani 1. mail 1945. aastal. Ja tema ettevõte elas sõja üle ja eksisteerib edukalt tänapäeval.
Juveliir Georges Fouquet
Teine juugendstiili ajastu ikooniline juveliir oli Georges Fouquet. Ta sündis 1862. aastal kuulsa juveliiri Alfons Fouquet' peres, kes sai 1870. aastatel tuntuks oma neorenessansiaegsete ehetega. Georges õppis oma isa juures ehteid ja asus 1880. aastal tööle oma juveelifirmas. 1895. aastal andis Alfons Fouquet ettevõtte juhtimise üle oma pojale ja ta asus entusiastlikult tööle, soovides oma isa ettevõttele uut elu sisse puhuda.
Juveliir Henri Vever kirjutas temast: "Väsimatu töötaja, teda lummas kõik uus ja tema inspiratsiooniotsing oli väsimatu".
1898. aastal tutvustas Fouquet oma esimesi juugendstiilis ehteid. Sensuaalsed kumerad jooned, summutatud emailid ja peened tekstuurid olid väga efektsed ja peaaegu võrdsed René Lalique’i ehetega. Kuid Fouquet ise, erinevalt Lalique'ist, ei olnud disainer ja meelitas tööle palju oma aja kuulsaid kunstnikke. Tema koostöö Alfons Maria Muchaga, kunstnikuga, kelle loomingust on saanud ka juugendajastu ilmekas sümbol, on ajalukku läinud.
Nende tutvus sai teoks tänu Sarah Bernhardtile, kes 1898. aastal tuli Georges Fouqueti juveelipoodi Alfons Mucha loodud madu käevõru visandiga. See käevõru oli osa Medea kostüümist Katul Mendeze näidendi põhjal tehtud samanimelisest etendusest, mis esietendus samal 1898. aastal.
Alfons Mucha plakatil on sarnane käevõru näha Sary Medea käel. Tõenäoliselt soovis näitlejanna sellist oma ellu ja tellis selle kujundama Alfons Mucha ning valis esinejaks Fouquet. Juveliir oli käevõru disainist nii vaimustuses, et tegi Alfons Muchale ettepaneku luua 1900. aasta Pariisi maailmanäituse jaoks ehtekollektsioon. Nii sündis sari veidraid kaelakeesid, keerulisi korsaprosse ja käevõrusid, mis, kuigi ebamugavad ja üsna rasked, kehastasid Alfons Mucha ainulaadset stiili ja demonstreerisid Georges Fouquet’ oskusi.
Näituse külastajad nägid kehastatud ehteid Mucha plakatitelt. Nad jätsid tugeva mulje, kuid kriitikud olid oma hinnangutes karmid, nimetades neid "veidrateks kaunistusteks kummaliste kaunistustega". Fouquet’ ja Mucha koostöö kestis vaid paar aastat, kuid just see aitas muuta Georges Fouquet’ ehete stiili ja tõi tema ettevõttele kuulsust.
Lisaks ehete loomisele kirjutas Fouquet artikleid ja raamatuid, millest ühes kuulutas:
“Selma ei jää mitte luksuslikud ehted, vaid need, milles materjalide hind jääb alla nende ilu - akvamariin, ametüst, topaas, turmaliin. Kunst, mis kunagi ei vanane, pikendab nende juveelide eluiga. Neid ei võeta kunagi lahti, et kive uuesti kasutada. Need asjad on peamiselt kunstiteosed, mitte raha paigutamise viis.
Juveliir Henri Vever
Henri Vever on selle loo kolmas kangelane ja teine juugendstiili ajastu silmapaistev meister. Nagu Fouquet, oli ka Vever 1821. sajandi alguses vanaisa poolt 1854. aastal asutatud perejuveelifirma Maison Vever juht. Henri Vever sündis 1881. aastal ja õppis noorpõlvest koos oma venna Pauliga perefirma juhtimist, lisaks õppis Pariisis Ecole des Beaux-Artsis joonistamist, modelleerimist ja dekoratiivdisaini. Seega, kui Henri ja Pauli isa XNUMX. aastal pensionile läks, olid tal väärilised järeltulijad. Paul vastutas ettevõttes kaubandusliku arenduse eest, Henri aga ehete disaini ja tootmise eest. Tänu Henri Veverile muutus juveelifirma stiil järk-järgult historismist modernsuseks.
1900. aasta maailmanäitusel Pariisis sai Maison Vever teise peaauhinna oma peente juugendstiilis ehete eest, mida peeti ettevõtte parimaks saavutuseks. Ent kuigi neis olid kõik stiilile iseloomulikud jooned (rafineeritud naisepildid, taimestik ja loomastik), olid Henri Veveri ehted René Lalique’i ekstravagantsete toodetega võrreldes konservatiivsemad.
Teine "Maison Veveri" erinevus seisnes selles, et ettevõte töötas peamiselt väärismetallide ja vääriskividega. Henril polnud samasugust julgust ja huvi eksperimentide vastu kui tema kolleegidel ning palju harvem kasutas ta odavaid materjale.
Lisaks ehetele sai Henri Vever kuulsaks jaapani gravüüride kollektsionäärina, aga ka ühe olulisema ehteteemalise teadusliku teose “XNUMX. sajandi prantsuse ehted” autor. Selles raamatus kirjeldab ta üksikasjalikult ehtekunsti arengut konsulaadi ajastust juugendstiili ajastuni.
Maestro Lucien Gaillard
Ja selle artikli viimane kangelane on Lucien Gaillard. Teda tuntakse tänapäeval palju vähem kui Lalique’i, Fouquet’d ja isegi Veverit, kuid juugendstiilis ehtekunstis pole ta vähemtähtis tegelane. Peamine erinevus tema ehete vahel oli apellatsioon Jaapani kunstile.
Jaapani kunst oli üks peamisi juugendstiili allikaid, see inspireeris Euroopa meistreid dünaamilise rütmi ja taimsete kaunistusjoonte paindlikkuse, liikumise ebatäielikkuse, kerguse ja erilise stiliseerimisega, mis muutis looduslikud motiivid dekoratiivmustriteks.
Lucien Gaillard sündis 1861. aastal ja, nagu ka kaks eelmist käsitöölist, alustas oma karjääri oma isa, hõbesepp Ernest Gaillardi õpilasena. Oma kujunemise ajal valdas ta suurepäraselt kullale ja hõbedale tagaajamise ja graveerimise tehnikaid, osales paljudel erinevatel meistrite Dujardini ja Salmoni ehtekunsti kursustel ning edestas lõpuks oma isa. 1892. aastal andis Ernest Gaillard oma töökoja oma pojale.
Lucien Gaillard hakkas juba oma karjääri alguses huvi tundma Jaapani sulamite ja lakkide vastu, mida Prantsusmaal ei kasutatud, kuid mis olid nii vaimustavad, et hämmastasid nii tema kaasaegseid kui ka järeltulevaid põlvkondi tema loomingu uurijaid.
Juveliir Henri Vever rääkis temast nii: "Oma elukutsesse kirglikult armunud, väsimatu teadlane, kes oma tööga võlus, mõistis Gaillard entusiastlikult, vaimustusega ehete kõiki keerulisi tehnoloogilisi aspekte, nagu ehete sulamid, kuldamine, patineerimine, suurepäraste tulemuste saamine."
Nagu ka teiste ülalmainitud juveliiride puhul, oli 1900. aasta Lucien Gaillardi jaoks väga oluline. Sel aastal juhtus tema elus korraga mitu sündmust - ta soetas uue hoone, kutsus tööle Jaapani meistrid, aidates tal mõista rahvusliku kunsti peensusi ja loomulikult osales maailmanäitusel Pariisis, kus sai Grand Prix ja lisaks Lisaks tutvus ta oma inspiratsiooniks kutsutud René Lalique’i viimaste töödega.
Kahel meistril oli ühine joon – nad mõlemad mõtlesid välja uusi tehnikaid, püüdes anda oma töödele erilist iseloomu. Kuid Gaillardi eristas Lalique’ist tema veetlus Jaapani kunsti ja Jaapani tehnikate vastu, tänu millele olid Gaillardi teosed värvilt ja kompositsioonilt vaoshoitumad.
Üks Gaillardi parimaid töid on Apple Branchi käevõru. Juveliiril õnnestus luua väga huvitav, isegi omanäoline töö. Igas käevõru elemendis näeme iseseisvat ja harmooniliselt üles ehitatud kammerkujutist lilledest okstel, samas kui kõik elemendid on ühendatud ühtseks, võrdselt terviklikuks kompositsiooniks. See on Jaapani motiivide peamine põhimõte, mida Gaillard järgib – kõigi kompositsioonielementide harmoneeritud rütmiline struktuur.
Krüsanteemi hari on veel üks viide Gaillardi Jaapani motiividele. Meister seab vabalt kaks lille, järgides Jaapani gravüüridel krüsanteemide kujutamise põhimõtteid. Gaillard kasutas selles töös sarve, millelt ta kihte järk-järgult eemaldas. Seda tehes saavutas ta läbipaistvuse, mille taustal hakkasid graatsilised lillelehed tunduma mahukad. Rõhutage krüsanteemide südamikusse inkrusteeritud volüümi ja piimjassiniseid opaale.
Mitte vähem huvitav on suur juuksenõel Amsterdami Rijksmuseumist, millel Gaillard kujutas kahte kiili, kes võitlevad suure tsitriini pärast. Looduslik motiiv on väga naturalistlik, dünaamiline ja väljendusrikas. Juveliir teostas kaunistuse suure realistliku autentsusega, andes edasi putukate kiire liikumise vahetust.
Gaillard kombineerib selles ehtes julgelt ka vääris- ja poolvääriskivid materjale: putukate tiivad on valmistatud läbipaistvast sarvest ja kaunistatud smaragdidega. Tiibade otsad on kaetud emailiga, mis on raamitud väikeste rombidega. Dragonfly kehad on valmistatud kullast ja kaunistatud tumerohelise ja sinise champlevé emailiga.
1902. aastal esitleti Glasgows näitusel mitmeid Lucien Gaillardi teoseid ja need olid nii edukad, et pärast seda andis Prantsuse valitsus talle auleegioni. Sellest hetkest sai Gaillardist üks tuntumaid juugendajastu Prantsuse juveliiri, kuid pärast 1910. aastat hakkas tema loominguline tegevus hääbuma, kuni see lõpuks 1925. aastal lõppes.
Kõigil selle artikli kangelastel oli oma ainulaadne stiil ja oma lähenemine ehete loomisele, kuid neid kõiki ühendas soov luua mitte ainult väärisehteid, vaid tõeliselt kunstilisi asju, kasutades nende jaoks nii vääriskive kui ka metalle ning materjalid, mida ei peeta ehete jaoks väärtuslikuks. Nende suurte meistrite algsed ideed muutsid poolvääriskivid ja -kivid tõelisteks kunstiteosteks ning need ise jäid igaveseks maailma ajalukku.
