В то время как мастера историзма воспроизводили и комбинировали самые разные стили прошлого, доведя это до некоего автоматизма, модерн ворвался в искусство, как вихрь, как свежий морской ветер, освобождающий, очищающий, вдохновляющий. Он открыл мир новых форм, новых материалов, новых сочетаний.
Модерн был краткосрочным, но невероятно прекрасным и вместе с тем очень сложным художественным явлением, охватившим абсолютно все виды искусства, в том числе и ювелирное дело. Эпоха модерна подарила миру целую плеяду великих мастеров, которые, в свою очередь, вдохнули в ювелирное искусство новую жизнь и вывели его в авангард «последнего большого стиля». В этой статье мы познакомимся с некоторыми главными героями эпохи – René Lalique, Georges Fouquet, Henri Vever и Lucien Gaillard.
Ювелирный гений René Jules Lalique
Бесспорным гением и лидером среди ювелиров своего времени был выдающийся мастер René Lalique, в чьем творчестве воплотилась сама суть французского модерна. Использование им недрагоценных и часто хрупких материалов, особенно формованного стекла, было революционным для своего времени.
René Lalique родился в 1860 году в небольшом городке Аи, в 28 километрах южнее Реймса. В 1876 году он начал обучаться у ведущего парижского ювелира Луи Окок, а в 1878 году отправился в Лондон, где в течение следующих двух лет учился исключительно дизайну. Именно такое всестороннее образование позволило ему в будущем самостоятельно изготовлять все свои ювелирные изделия – от создания эскизов и до финальных штрихов в готовых произведениях. В первые годы работы Lalique делал эскизы для таких известных мастеров, как Cartier, Boucheron, Vever.
Последний, в свою очередь, сыграл важную роль в становлении собственного стиля Lalique. В 1886 году Жюль Дестап передал ему свою ювелирную мастерскую «в знак признания его уникального таланта». Теперь René Lalique, обладая всем необходимым для работы, обратился к поискам вдохновения, которое нашел в идеях движения «Искусств и ремесел», призывавшего к возрождению декоративно-прикладного искусства и пропагандировавшего растительные и анималистические мотивы. Восприняв эти идеи, Lalique развивался синхронно с ними и стал первым, кто привнес стиль модерн в ювелирное искусство.
Свои первые украшения в стиле модерн Lalique представил на Всемирной выставке в Брюсселе 1897 года. Но главным событием его творческой биографии стала Всемирная выставка в Париже 1900 года. За свою ювелирную экспозицию Lalique получил Гран-при, а правительство наградило его орденом Почетного легиона. Это был истинный триумф.
Французский критик Леонс Бенедит писал о нем, как об «истинном новаторе. Он (Lalique) был тем, кто сорвал старые барьеры, опрокинул крепкие традиции и создал новый язык».
Исследователи называют René Lalique мастером трех «F» – «femme», «flore», «faune». Именно женщины, флора и фауна заняли центральное место в творчестве мастера, и женщины неспроста названы первыми. Прекрасные длинноволосые маскароны и обнаженные фигуры становятся часто повторяющимся мотивом украшений Lalique. И хотя модерн в целом считался женским стилем, так как большинство художников обращались к женским образам, нужно было обладать смелостью, чтобы использовать изящное обнаженное женское тело в ювелирных украшениях.
Одним из самых известных изделий René Lalique, в котором он обращается к женскому образу, является корсажное украшение «Женщина-стрекоза», изготовленное им в 1897-1898 годах. Сегодня оно находится в коллекции Музея Gulbenkian в Лиссабоне, основанного финансистом и нефтяным магнатом Calouste Gulbenkian, собравшим уникальную коллекцию произведений Lalique.
В этом украшении René Lalique создает очень необычный образ, представляющий сочетание женщины, стрекозы и химеры. Буквально на наших глазах происходит фантастическое превращение – из пасти химеры с большими когтистыми лапами появляется прекрасная женщина с крыльями стрекозы вместо рук.
Известно, что это корсажное украшение было частью наряда Сары Бернар, в котором она блистала на театральной сцене. А в 1900 году «Женщина-стрекоза», а также еще ряд произведений Lalique, находящихся сегодня в коллекции Музея Gulbenkian (гребень-тиара «Петушок», колье-чокер «Лесной пейзаж», корсажное украшение «Змеи») были показаны на Всемирной выставке в Париже и вызвали удивление и восхищение, как у посетителей, так и у критиков.
Колье-чокер «Лесной пейзаж» не менее выдающееся творение Lalique. Оно состоит из трех частей, на которых представлена единая сложная и многоплановая композиция. На переднем плане Lalique изобразил золотые стволы деревьев, сквозь них на среднем плане мы видим озеро из опалов, переливы которых создают иллюзию движения воды. На дальнем плане – берег озера, созданный из бриллиантов, имитирующих песок. Это украшение поражает не только своей необычностью, но и тем насколько реалистичным получился изображенный пейзаж.
Прелестны ассиметричные подвески Lalique, на которых ювелир изображает фрагменты лесных пейзажей – зимних или осенних. Среди них выделяется подвеска «Зимний пейзаж», созданная в 1900-1901 годах. В сложную форму Lalique помещает многослойное стекло серо-голубого цвета со стволами деревьев, которые предстают словно в дымке зимних сумерек. Использование стекла стало одной из особенностей творчества Lalique, другие известные ювелиры не применяли стекло из-за сложного технологического процесса его создания. Поверх стеклянного фона справа ювелир расположил заснеженную ель, выполненную в технике эмали. Окаймляют композицию золотые еловые ветки с аквамариновыми вставками и подвеской-жемчужинкой.
Разнообразие сюжетов в произведениях Lalique было огромным – пейзажи (лесные, зимние, весенние), осенние листья, летние цветы и ягоды, животные и птицы, рептилии и насекомые. Но всех их объединяет сложность и уникальность композиций, множество досконально проработанных деталей и нестандартные материалы и техники, с которыми ювелир постоянно экспериментирует. Как он сам писал:
«…я должен был дойти до крайности, чтобы отказаться от всего, чего достиг прежде. Я работал неуклонно: рисунок, моделирование, выполнение технического исследования и экспериментов всех видов, всегда решал добиваться результата и создавать что-то совершенно новое».
После 1910 года René Lalique сосредоточился на работе со стеклом и достиг в этом небывалых высот. В следующие десятилетия появляются его фантастические вазы, лампы, флаконы для духов и даже автомобильные маскоты и архитектурные украшения, благодаря которым его слава не угасала вплоть до самой смерти мастера 1 мая 1945 года. А его компания пережила войну и успешно существует в наши дни.
Ювелир Georges Fouquet
Другим знаковым ювелиром эпохи модерна был Georges Fouquet. Он родился в 1862 году в семье известного ювелира Alfons Fouquet, прославившегося в 1870-х годах своими украшениями в стиле неоренессанса. Ювелирному делу Georges обучался у отца и в 1880 году начал работать в его ювелирной фирме. В 1895 году Alfons Fouquet передал управление бизнесом сыну, и он с жаром принялся за работу, желая вдохнуть новую жизнь в отцовскую фирму.
Ювелир Henri Vever писал о нем: «Неутомимый труженик, он был очарован всем новым, и его поиски вдохновения были неутомимы».
В 1898 году Fouquet представил свои первые украшения в стиле модерна. Чувственные изогнутые линии, эмали приглушенных оттенков и тонкие текстуры были очень эффектны и практически не уступали ювелирным изделиям René Lalique. Но сам Fouquet в отличие от Lalique не был дизайнером и привлекал к работе многих известных художников своего времени. В историю вошло его сотрудничество с Alfons Maria Mucha – художником, чьи работы тоже стали ярким символом эпохи модерна.
Их знакомство состоялось благодаря Саре Бернар, которая в 1898 году пришла в ювелирный магазин Georges Fouquet с эскизом браслета в виде змеи, созданного Alfons Mucha. Этот браслет был частью костюма Медеи из одноименного спектакля по пьесе Катюля Мендеса, премьера которого прошла в том же 1898 году.
На афише Alfons Mucha на руке Сары-Медеи можно увидеть схожий браслет. Вероятно, актриса пожелала иметь такой и в жизни, и заказала Alfons Mucha его дизайн, а исполнителем выбрала Fouquet. Ювелир был настолько очарован эскизом браслета, что предложил Alfons Mucha создать коллекцию украшений для Всемирной выставки в Париже 1900 года. Так возникла серия причудливых колье, замысловатых корсажных брошей и браслетов, которые хоть и были неудобными и достаточно тяжелыми, но воплотили уникальный стиль Alfons Mucha и продемонстрировали мастерство Georges Fouquet.
Посетители выставки увидели воплощенные драгоценности с плакатов Mucha. Они производили сильное впечатление, но критики были суровы в своих оценках, называя их «странными украшениями со странным декором». Сотрудничество Fouquet и Mucha продлилось всего несколько лет, но именно оно помогло изменить стиль ювелирных изделий Georges Fouquet и принесло его компании славу.
Помимо создания ювелирных украшений, Fouquet писал статьи и книги, в одной из которых он провозгласил:
«Выживут не роскошные ювелирные украшения, а те в которых цена материалов меньше, чем их красота – аквамарин, аметист, топаз, турмалин. Искусство, которое никогда не стареет, продлит жизнь этих драгоценностей. Их никогда не разберут, чтобы повторно использовать камни. Эти вещи – прежде всего произведения искусства, а не способ вложить деньги».
Ювелир Henri Vever
Henri Vever – третий герой этого повествования и еще один выдающийся мастер эпохи модерна. Как и Fouquet, Vever в начале XX века был руководителем семейной ювелирной компании «Maison Vever», основанной его дедом в 1821 году. Henri Vever родился в 1854 году и с юности вместе с братом Полем обучался управлению семейным делом, а кроме того изучал рисунок, лепку и орнаментальный дизайн в Школе изящных искусств в Париже. Таким образом, к моменту, когда в 1881 году отец Henri и Поля вышел в отставку, у него были достойные преемники. Поль занялся в фирме коммерческим развитием, а Henri отвечал за дизайн и производство украшений. Благодаря Henri Vever стиль ювелирной фирмы постепенно трансформировался от историзма к модерну.
На Всемирной выставке в Париже в 1900 году «Maison Vever» получила второй Гран-При за свои изысканные украшения в стиле модерн, считающиеся лучшими достижениями фирмы. Однако хотя они и обладали всеми характерными чертами стиля (изысканные женские образы, флора и фауна), украшения Henri Vever были более консервативными по сравнению с экстравагантными изделиями René Lalique.
Другим отличием «Maison Vever» было то, что фирма работала в основном с драгоценными металлами и драгоценными камнями. Henri не обладал такой смелостью и интересом к экспериментам, как его коллеги по цеху, и гораздо реже прибегал к недорогим материалам.
Помимо ювелирного дела Henri Vever прославился, как коллекционер японской гравюры, а также автор одного из важнейших научных трудов, посвященных ювелирному делу – «Французское ювелирное искусство XIX века». В этой книге он подробно описывает развитие ювелирного дела, начиная с эпохи Консульства и заканчивая эпохой модерна.
Маэстро Lucien Gaillard
И последним героем этой статьи станет Lucien Gaillard. Он известен сегодня гораздо меньше, чем Lalique, Fouquet и даже Vever, но является не менее важной фигурой в ювелирном искусстве эпохи модерна. Главным отличием его украшений стало обращение к японскому искусству.
Японское искусство было одним из главных источников стиля модерн, оно вдохновляло европейских мастеров динамичным ритмом и гибкостью линий растительного декора, незаконченностью движения, легкостью и особой стилизацией, которая превращала природные мотивы в декоративные узоры.
Lucien Gaillard родился в 1861 году и творческий путь начал, как и два предыдущих мастера, обучаясь у своего отца – серебряных дел мастера Ernest Gaillard. За время своего становления он в совершенстве овладел техниками чеканки и гравировки по золоту и серебру, посетил множество разных ювелирных курсов мастеров Дюжардена и Сальмона и в итоге превзошел отца. В 1892 году Ernest Gaillard передал свою мастерскую сыну.
Уже в начале карьеры Lucien Gaillard увлекся японскими сплавами и лаками, которые не применялись во Франции, но были так восхитительны, что поражали и его современников, и будущие поколения исследователей его творчества.
Ювелир Henri Vever так говорил о нем: «Страстно влюбленный в свою профессию, неутомимый исследователь, который очаровывал своими работами, Gaillard, восторженно, с упоением постигал все сложные технологические аспекты ювелирного дела, такие как ювелирные сплавы, золочение, патинирование, получая великолепные результаты».
Как и для других ювелиров, о которых говорилось выше, огромное значение для Lucien Gaillard имел 1900 год. В тот год в его жизни произошло сразу несколько событий – он приобрел новое здание, пригласил на работу японских мастеров, помогавших ему разобраться в тонкостях национального искусства и, конечно же, принял участие во Всемирной выставке в Париже, где получил Гран-при, а кроме того познакомился с последними работами René Lalique, которого он называл своим вдохновителем.
У двух мастеров была общая черта – они оба изобретали новые техники, стараясь придать особый характер своим произведениям. А вот отличало Gaillard от Lalique его обращение к японскому искусству и японским техникам, благодаря которым произведения Gaillard были более сдержанными по колориту и композиции.
Одной из лучших работ Gaillard стал браслет «Ветка яблони». Ювелиру удалось создать очень интересное, даже уникальное произведение. В каждом элементе браслета мы видим самостоятельное и гармонично построенное камерное изображение цветов на веточках, при этом все элементы объединяются в единую, столь же целостную композицию. В этом состоит основной принцип японских мотивов, которому следует Gaillard – гармонизированная ритмическая структура всех композиционных элементов.
Гребень «Хризантемы» – еще одно обращение Gaillard к японским мотивам. Мастер свободно располагает два цветка, следуя принципам изображения хризантем в японских гравюрах. Gaillard использовал в этой работе рог, с которого постепенно снимал слои. Этим он добивался полупрозрачности, на фоне которой изящные лепестки цветов стали казаться объемными. Подчеркивают объемность и инкрустированные в сердцевины хризантем молочно-голубые опалы.
Не менее интересна большая шпилька из амстердамского Rijksmuseum, на которой Gaillard изобразил двух сражающихся за большой цитрин стрекоз. Природный мотив очень натуралистичен, динамичен и экспрессивен. Ювелир исполнил украшение с большой реалистической достоверностью, передав сиюминутность стремительного движения насекомых.
Также в этом украшении Gaillard смело комбинирует драгоценные и полудрагоценные материалы: крылья насекомых созданы из прозрачного рога и украшены изумрудами. Кончики крыльев покрывает эмаль, обрамленная россыпью мелких бриллиантов. Тельца стрекоз выполнены из золота и декорированы полосками темно-зеленой и голубой выемчатой эмали.
В 1902 году несколько произведений Lucien Gaillard были представлены на выставке в Глазго и имели такой успех, что после нее французское правительство наградило его орденом Почетного легиона. С этого момента Gaillard становится одним из самых известных французских ювелиров эпохи модерна, однако уже после 1910 года его творческая деятельность начала постепенно угасать, пока окончательно не завершилась в 1925 году.
У каждого из героев этой статьи был свой уникальный стиль и свой подход к созданию ювелирных изделий, но всех их объединяло желание создавать не просто драгоценные украшения, а вещи по-настоящему художественные, используя для них, как драгоценные камни и металлы, так и материалы, не считавшиеся ценными в ювелирном деле. Оригинальные идеи этих великих мастеров превратили полудрагоценные металлы и камни в настоящие произведения искусства, а их самих навсегда вписали в мировую историю.
